Catalogue de l'exposition En plein coeur au Musée de la Chasse et de la nature. Marlène Mocquet est la créatrice d'un univers artistique anchanté, faussement enfantin et peuplé de créatures étranges.

Marlène Mocquet

La prochaine exposition organisée par le fonds Glénat se déploiera en une trentaine de chefs-d'œuvre flamands et hollandais du xviie siècle, issus de la collection de la Fondation Glénat, de collections privées et de grands musées européens, auxquelles feront écho autant de créations d'auteurs de bande dessinée réalisées pour l'occasion.Les natures mortes, ou plutôt ces « vies tranquilles » comme on les appelle en anglais, en allemand ou en flamand, se présentent dans la peinture flamande et hollandaise, dès la fin du xvie siècle, comme des tables tantôt débordant joyeusement de mets, tantôt proposant un repas des plus frugal. Présents dans les pièces d'accueil et de réception, ces tableaux sont comme des offrandes symboliques données, en signe d'hospitalité, aux visiteurs de passage, mais aussi aux familiers et aux habitants de la demeure. Dépouillés ou flamboyants, ils révèlent l'identité culturelle, matérielle et spirituelle du foyer artistique où ils ont vu le jour. La richesse des tables de la Flandre catholique contraste ainsi avec les repas maigres de la Hollande protestante.À ces œuvres du xviie siècle répondront une trentaine de créations d'auteurs de bande dessinée, qui interprètent, chacun à leur manière, le thème de l'hospitalité, de la collation et du festin. Il pourra s'agir de tableaux, de planches de bande dessinée comme d'installations. Parmi les auteurs présents : Christophe Chabouté, Jacques de Loustal, Jost Swarte, Herr Seele, Francis Masse, Dimitri Planchon, Lorenzo Mattotti, Julie Maroh, Florence Cestac, Étienne Lecroart, Miles Hyman et bien d'autres encore.Le catalogue présente non seulement l'ensemble des œuvres exposées, mais il comporte aussi de nombreux articles signés par des spécialistes du sujet, dont Jean-Robert Pitte, membre de l'Académie des Sciences morales et politiques. Plus qu'un catalogue d'exposition, un beau livre sur la gastronomie et l'art de recevoir d'hier et d'aujourd'hui.

Tables et festins - L'hospitalité dans la peinture flamande et hollandaise et la bande dessinée

La vanité dans la peinture est tour à tour une méditation, une expression fascinée et obsessionnelle de la beauté naturelle, un art d'agencer les formes et les objets, une technique sublime. Ces caractères justifient à eux seuls la faveur dont a bénéficié ce thème au XVIIe siècle. L'histoire de l'art a donné à cet engouement la dimension d'un genre, repris invariablement par les artistes contemporains. Dès le XVe siècle, les peintres ont eu la charge d'exprimer par l'image le contenu des méditations religieuses. Penser la mort, réfléchir à la vanité des biens de ce monde, mettre à l'épreuve la volonté du dépouillement devant l'image séductrice de la richesse, ce sont là des projets forts pour l'humanité, que l'Eglise voulait promouvoir. Au XVIIe siècle, l'iconographie qui faisait allusion au détachement des biens terrestres et à la méditation sur la mort et la rédemption s'est fixée dans la formule d'un genre de peinture qui a pris le nom de Vanité à la suite d'une citation du texte de l'Ecclésiaste, très souvent représentée sur un phylactère, à côté d'un crâne : vanitas vanitatum omnia est vanitas (vanité des vanités, tout est vanité). Ce message de la vanité des choses de ce monde va s'appuyer dans les pays latins sur la figure du saint ou sur l'allégorie antique, alors qu'il s'exprime, dans le nord de l'Europe sous l'influence de la Réforme, dans la composition d'objets. Publié sous la direction d'Alain Tapié à l'occasion de l'exposition Vanité, mort que me veux-tu ? à la fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent, cet ouvrage vise ainsi à restituer toute la richesse d'une démarche construite autour des thèmes de La Figure et de l'objet. Une série de memento mori provenant de la collection de Pierre Bergé vient relier la vanité du XVIIe siècle à l'interprétation contemporaine de ce thème devenu un mode d'expression à part entière.

Vanité - Mort, que me veux-tu ?

Il n'y a guère de carrière plus longue que celle de Philippe de Champaigne au service des souverains qui se succèdent en France de 1625 à 1674 et guère d'artiste plus investi dans la recherche d'une juste expression du d'un idéal qu'il nourri de multiples expériences et porteur tente d'incarner, Champaigne a toujours été reconnu comme un grand peintre. Il a pratiqué tous les genres, mais c'est dans la peinture religieuse qu'on saisit le mieux les les enjeux de sa pratique et qu'on peut suivre les approfondissements de son esthétique spirituelle. Mais peut-être a-t-on davantage regardé les moyens utilisés que le dessein poursuivi ? Aussi, Philippe de Champaigne n'a pas bénéficié d'une rétrospective à la mesure de sa stature dans la peinture française du XVIIe siècle, depuis 1952. Après les nombreuses expositions monographiques qui ont réhabilité ses contemporains (dernièrement Jacques Stella), il était temps d'offrir au public un parcours de sa carrière et de son œuvre, enrichi par les recherches récentes et nourri par la double cohérence d'une expression entre politique et dévotion.

Phillipe de Champaigne - Entre politique et dévotion (1602-1674)

Le Palais des Beaux-Arts, Lille

S'appuyant sur l'étude d'une cinquantaine de tableaux du xviie siècle, de france, d'italie, d'espagne et des pays du nord, choisis pour leur signification particulière, ce livre révèle et décrit les sens multiples (allégoriques, métaphoriques, religieux ou philosophiques) dont les fleurs ont été le support.

Ses oeuvres

Ses derniers livres