Les racines de la danse scénique occidentale plongent dans un terreau en partie vocal. Dans l'orchestra antique ou sur les tréteaux médiévaux : chanter, déclamer, danser étaient associés. De fait, la vocalité émerge depuis les viscères jusqu'aux lèvres par un jeu moteur, respiratoire et vibratoire comparable à une danse profonde. Pourtant, la chorégraphie s'est aussi développée à l'écart, voire à l'encontre de l'usage de la voix. Suite à la quête moderne du médium propre à la danse et à la mise en crise postmoderne des frontières entre les arts et avec la vie, théoriciens et artistes explorent régulièrement les enjeux et la fécondité de la pratique vocale en danse. De quoi est donc faite cette relation entre la danse et la voix ? Dans cet ouvrage, philosophes, historiens, chercheurs en danse, artistes chorégraphiques proposent de formuler les interrogations induites par cette mise en perspective de la danse à travers la vocalisation.

Danse & voix hiatus et parentés

À travers un examen précis des dernières analyses musicales d'Adorno consacrées aux ouvres de Mahler et de Berg, cet ouvrage vise à réévaluer la pensée adornienne de la musique, tout d'abord en interrogeant son statut qui est philosophique. Ni réduc­tible à une approche musicologique, mais ni non plus la simple application d'un système qui se construirait indépendamment d'elle, celle-ci se présente comme le foyer privilégié à partir duquel l'esthétique d'Adorno se laisse saisir comme une esthétique du concret, comme une philosophie de l'art s'élaborant à travers les ouvres. Appréhender sa pensée musicale excède donc une étude spécialisée, elle permet de circonscrire les concepts fondamentaux de son esthétique, notamment ceux de matériau, forme, et contenu de vérité. On a jusqu'à présent beaucoup insisté sur l'ouvrage d'Adorno Philosophie de la nouvelle musique. En s'attachant à ses derniers écrits, cette étude vise à épouser sa pensée musicale jusqu'à son terme pour en ressaisir la cohérence et la dynamique internes. On ne la comprend qu'au vu d'un double effort : d'une part éla­borer un concept positif de la raison, d'autre part penser l'évolu­tion de la musique dans les années post-quarante-cinq. Aussi, en précisant les termes du débat avec l'avant-garde musicale, avec le sérialisme généralisé et la musique de Cage, cet ouvrage tente enfin de dégager les raisons philosophiques qui justifient certaines réserves d'Adorno. Si cela permet de circonscrire chez lui l'idée d'une musique informelle, cela contribue surtout à remettre en chantier l'idée de son conservatisme ou de son passéisme en manière d'art.

ADORNO. La vérité de la musique moderne

La danse, devenue art autonome au tournant du xxe siècle, confronte la pensée esthétique à ses propres limites ; elle remet en question le rapport moderne qui lie l'art et ses genres, et la prédominance du modèle de l'ouvre pour penser l'expérience artistique. La danse serait-elle le paradigme esthétique du xxe siècle, c'est-à-dire la voie incontournable pour accéder aux problèmes philosophiques que pose l'art dans son évolution ? L'émergence de la danse contemporaine est directement liée à la conquête d'un geste libre. Le geste dansé s'affranchit des formes conventionnelles qui s'imposaient à lui et le réglaient auparavant dans la tradition du ballet classique. L'improvisation est un moment crucial dans cette mutation, dans la mesure où elle n'est plus seulement une variation sur des schémas préexistants mais trouve désormais une valeur constituante. Le geste semble procéder de lui-même, ne provenir de rien, dans une sorte de miracle qu'il faut interroger. Le présent livre questionne la danse, sous sa forme contemporaine, dans une perspective non dogmatique. Il ne s'agit pas d'appliquer à la danse des catégories toutes faites et forgées en dehors d'elle, mais de construire les modalités d'un questionnement ancré sur les formes multiples et concrètes de son devenir. Le parcours théorique, qui réunit philosophes et artistes, envisage le geste dansé sous l'angle de son effectuation, de son expressivité, et de son rapport conflictuel à l'ouvre chorégraphique comme fixation paradoxale de l'éphémère.

Approche philosophique du geste dans2 - De l'improvisation à la performance

À partir des notions de « mythologie individuelle » et de « mythe individuel », il s'agit d'interroger les caractéristiques prêtées à l'art brut, renouvelées par leur extension ou déplacement dans le champ de la création moderne et contemporaine, ainsi que leur rapport à l'histoire. Ce qu'on nomme « l'art brut », en incluant ses extensions dans l'Outsider Art, mérite une considération nouvelle. On doit se garder de réifier ou d'essentialiser cette notion : l'art brut, en vérité, est une question. Le point de départ de la recherche se trouve dans l'intitulé « Mythologie individuelle », désignation par Harald Szeemann d'une section de la Dokumenta 5 de Kassel en 1972, réunissant des ouvres d'artistes contemporains dont Étienne-Martin ; dans leur immédiate proximité étaient exposées des ouvres principalement issues du contexte asilaire. C'est ce sens initial qui s'est vu enrichi, déployé et déplacé d'une manière qui rencontre les champs de l'histoire et de la critique de l'art, de la psychanalyse, de l'anthropologie et de la philosophie. L'objectif général de la démarche est de questionner les déterminations profondes des ouvres : l'histoire, la fable et l'intrigue, selon une orientation susceptible de dialectiser les rapports entre l'individuel et le collectif, entre la structure et l'activité dynamique, entre l'écrit/dessin et l'oral. C'est non seulement la catégorie d'art brut mais le concept d'art, inclus le statut des processus créatifs, qui sont mis à l'épreuve.

Mythologies et mythes individuels - A partir de l'art brut

L'activité artistique, en certains cas, a un pouvoir exorbitant, celui de bouleverser le rapport à soi et au monde. Que le mouvement en soit le dépositaire, qu'il puisse oeuvrer d'une manière invisible, et que sa force opératoire puisse rejaillir sur l'ensemble de la vie en ce qu'elle a de plus profond et d'inassignable, telle est la thèse qu'élabore cet essai. Mais c'est alors en un sens qui s'est démarqué de toute idée de déplacement ; seule la musique peut en donner la clé. A partir d'une lecture des Formes du spatial d'Erwin Straus (1891-1975) en vis-à-vis des Espaces Rythmiques d'Adolphe Appia (1862-1928), dessins réalisés pour Emile Jaques-Dalcroze dans les années 1910, la réflexion s'efforce de cerner la teneur de ce mouvement invisible qui, dans le rythme vécu, ouvre à travers l'écoute un espace irréductible à tout autre. C'est à la saisie d'un tel espace que la perspicacité du psychologue Erwin Straus, fort de son intérêt pour l'entreprise phénoménologique, nous convie avec son idée d'un "espace acoustique"; quant au metteur en scène Adolphe Appia, c'est dans sa quête d'un art à venir, l'oeuvre d'art vivant, qu'il s'en approche au plus près.

Musique, mouvement

La question de la musique n'est pas celle d'une sphère séparée, prétendument celle de l'esthétique, mais elle relève chez Theodor W. Adorno d'une position globale, celle de la philosophie dans son rapport au XXe siècle. L'interrogation philosophique, pour sa part, se modifie dialectiquement en relation avec l'époque, et en particulier avec le destin de la musique. La réception d'Adorno, pourtant, a contribué paradoxalement à créer de nouvelles scissions : la sphère du savoir musicologique se borne souvent à l'image d'un zélateur de Schoenberg, méprisant l'art des masses et se tenant dans un rapport douteux aux avant-gardes ; la rationalité philosophique tendrait plutôt à y voir un témoin embarrassant des premiers pas de l'École de Francfort. De tels clivages reflètent une division du travail académique plutôt qu'une nécessité de la chose, laquelle invite à une autre démarche. 
Cet ouvrage part de l'exigence méthodologique d'une philosophie du concret, pleinement réalisée dans le livre qu'Adorno consacre à la musique de Gustav Mahler en 1960. C'est une pensée du temps, cristallisée dans les catégories du roman, de la narration, du conte et plus généralement de l'épique, qui y est déployée, tout en renvoyant à l'horizon entier que constituent les noms du premier Georg Lukács, de Walter Benjamin, de Ernst Bloch, et de Bertolt Brecht. Toutes les lignes significatives de l'oeuvre d'Adorno y convergent, incluses ses déterminations musicales : Beethoven, Wagner, Stravinsky et Schoenberg. L'expérience s'avère alors constituer la dimension décisive d'une pensée travaillée de part en part par le problème de la mémoire, et qui apparaît en cela soucieuse du populaire, de sa disparition et de sa sauvegarde. La musique, dans son caractère de langage ou de geste, vient porter cette dialectique de la raison par laquelle Adorno voulait répondre à son époque.

La pensée musicale de Théodor W.Adorno

Ce ouvrage rassemble onze textes pluridisciplinaires (géographie, philosophie, psychanalyse, arts) qui ont en partage un champ factuel commun, l'art, qu'ils abordent à travers le thème de la spatialité. C'est l'idée d'un espace se formant à travers l'activité artistique et inversement, impliquant une éventuelle reformulation de la spatialité de l'objet d'art.

Activité artistique et spatialité

La danse, devenue art autonome au tournant du XXe siècle, confronte la pensée esthétique à ses propres limites ; elle remet en question le rapport moderne qui lie l'art et ses genres, et la prédominance du modèle de l'oeuvre pour penser l'expérience artistique.
La danse serait-elle le paradigme esthétique du XXe siècle, c'est-à-dire la voie incontournable pour accéder aux problèmes philosophiques que pose l'art dans son évolution ? L'émergence de la danse contemporaine est directement liée à la conquête d'un geste libre. Le geste dansé s'affranchit des formes conventionnelles qui s'imposaient à lui et le réglaient auparavant clans la tradition du ballet classique.
L'improvisation est un moment crucial clans cette mutation, dans la mesure où elle n'est plus seulement une variation sur des schémas préexistants mais trouve désormais une valeur constituante. Le geste semble procéder de lui-même, ne provenir de rien, clans une sorte de miracle qu'il faut interroger. Le présent livre questionne la danse, sous sa forme contemporaine, dans une perspective non dogmatique.
II ne s'agit pas d'appliquer à la danse des catégories toutes faites et forgées en dehors d'elle, mais de construire les modalités d'un questionnement ancré sur les formes multiples et concrètes de son devenir. Le parcours théorique, qui réunit philosophes et artistes, envisage le geste dansé sous l'angle de son effectuation, de son expressivité, et de son rapport conflictuel à l'oeuvre chorégraphique comme fixation paradoxale de l'éphémère.

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