Le monstre hante les imaginaires de la modernité, de Quasimodo à Ubu et de l'Homme qui rit au nain Philippo, réduit à sa seule tête dans les Impressions d'Afrique de Roussel. Le grotesque romantique a en effet ouvert le champ, d'un siècle à l'autre, aux plus grandes métamorphoses. Entre 1848 et 1914, l'histoire naturelle s'intéresse à la genèse des monstres ; le public des foires contemple les corps difformes ou estropiés ; médecins et psychosociologues expriment, à travers toute une tératologie, leur obsession de la dégénérescence des peuples et des civilisations. De cette figure du monstre, la littérature et le théâtre s'emparent avec les moyens symboliques qui leur sont propres. L'être monstrueux y prête sa chair aux aberrations du corps politique et social. Ou bien il y figure anomalies psychiques et déviances morales. Ou bien encore il s'y fait reflet de « l'âme monstre » dont a parlé Rimbaud. L'esthétique des oeuvres, prise elle aussi de contorsions diverses, n'y échappe pas. Langage, style, composition s'en trouvent pervertis. S'impose alors, sur le papier comme sur la scène, une littérature monstre à tous les sens du terme.

Littérature monstre - Une tératologie de l'art et du social

Le monstre hante les imaginaires de la modernité, de Quasimodo à Ubu et de l'Homme qui rit au nain Philippo, réduit à sa seule tête dans les Impressions d'Afrique de Roussel. Le grotesque romantique a en effet ouvert le champ, d'un siècle à l'autre, aux plus grandes métamorphoses. Entre 1848 et 1914, l'histoire naturelle s'intéresse à la genèse des monstres ; le public des foires contemple les corps difformes ou estropiés ; médecins et psychosociologues expriment, à travers toute une tératologie, leur obsession de la dégénérescence des peuples et des civilisations. De cette figure du monstre, la littérature et le théâtre s'emparent avec les moyens symboliques qui leur sont propres. L'être monstrueux y prête sa chair aux aberrations du corps politique et social. Ou bien il y figure anomalies psychiques et déviances morales. Ou bien encore il s'y fait reflet de "l'âme monstre" dont a parlé Rimbaud. L'esthétique des oeuvres, prise elle aussi de contorsions diverses, n'y échappe pas. Langage, style, composition s'en trouvent pervertis. S'impose alors, sur le papier comme sur la scène, une littérature monstre à tous les sens du terme.

Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

Espaces

Depuis plusieurs décennies, la scène allemande est l'objet d'une fascination sans équivalent dans le monde. En France tout particulièrement : à peine remis de l'"éblouissement" (Roland Barthes) du Berliner Ensemble, le public a pu découvrir, dès les années 1970, une nouvelle génération de metteurs en scène qui renouvelait profondément les modes de travail et les enjeux de la création théâtrale. D'autres depuis ont suivi sans discontinuer, au point que l'exceptionnelle vitalité de ce paysage artistique apparaît toujours comme un modèle et un point de référence obligé. Pourtant, on pourrait reprendre mot pour mot, aujourd'hui, le jugement formulé par Bernard Dort en 1981 : "Sans doute une des raisons du rapport ambivalent que les Français ont au théâtre allemand vient-elle de leur méconnaissance ou, du moins, de leur connaissance fragmentaire, à éclipses, de celui-ci". Trente ans plus tard, en effet, ce que nous savons de ce théâtre reste parcellaire. Bien qu'il soit toujours plus présent sur nos scènes, il n'existe aucun ouvrage d'ensemble pour mettre en perspective les oeuvres de ses metteurs en scène, éclairer leurs choix et analyser leurs conditions de production. C'est ce manque que le présent ouvrage se propose de combler, avec une traversée de plus de quarante ans de créations théâtrales majeures, choisies parmi celles qui ont renouvelé les modes de travail et marqué les mémoires. Replacés dans leur contexte de production, examinés à partir d'enquêtes minutieuses dans les archives, les spectacles, étudiés selon les principes des "Voies de la création théâtrale", font l'objet d'analyses approfondies qui restituent toute la complexité de leurs enjeux et la variété de leurs modes d'élaboration. Réalisé par une équipe de chercheurs internationale, ce volume entend tout à la fois élargir le regard porté sur les scènes d'Outre-Rhin et lui donner une plus grande précision, par le croisement d'approches globalisantes et d'examens détaillés. On y trouvera donc aussi bien l'étude du paysage économique et institutionnel, un aperçu des modes de travail, l'histoire de certains établissements ou le parcours de quelques personnalités que la focalisation sur des réalisations emblématiques. De Stein à Ostermeier, de Grüber à Marthaler, de Peymann à Richter, de Zadek à Castorf, de Schleef à Pollesch, Rimini Protokoll et bien d'autres encore, ce sont ainsi deux générations de maîtres de la mise en scène dont les productions sont ici présentées.

Mises en scène d'Allemagne(s)

Etudes, réflexions et témoignages sur les oeuvres de Craig, Kantor, et des artistes qu'ils ont influencés jusqu'à aujourd'hui.
Ce volume collectif rassemble les actes d'un colloque international qui a réuni en mars 2012 des spécialistes venus du monde entier. Il comporte à la fois des études sur des aspects inédits ou mal connus de l'oeuvre de deux grands maîtres de la mise en scène au XXe siècle, Craig et Kantor, et des analyses ou des témoignages sur des artistes qui s'inscrivent dans leur héritage. A travers la diversité des créateurs évoqués (de Schlemmer à Vienne, de Castellucci à Verdonck, de Sieni à Hirata), la fascination pour un théâtre d'effigies, où les signes de la vie et de la mort se confondent, est ainsi examinée dans ses développements les plus récents, d'un point de vue esthétique, poétique, philosophique ou anthropologique.

Surmarionnettes et mannequins ; Craig, Kantor et leurs héritages contemporains

Sans renier leurs origines, les arts de la marionnette se sont engagés ces dernières années sur de nouveaux sentiers. Dans toute leur diversité, ils tiennent aujourd'hui une place essentielle au sein des arts de la scène. Le Théâtre de la Marionnette à Paris oeuvre depuis 1992 pour leur reconnaissance. En croisant des témoignages d'artistes sur leur propre travail de création et en illustrant par l'image cet art avant tout visuel, ce livre parcourt dix-huit années d'une aventure singulière. Il interroge également la nature même de ce qui fait la spécificité des arts de la marionnette. Avec sérieux ou humour, les différents auteurs de ces chroniques, qu'ils soient artistes, théoriciens ou simples spectateurs, dévoilent leur attachement et leur engagement auprès de cette structure atypique.

Le pari de la marionnette au théâtre

Entièrement vouée au théâtre, l'œuvre de Valère Novarina ne reste tout de même pas limitée au " réel " des planches. Polymorphe, elle interroge l'espace de la scène en le dépouillant de ses certitudes, revisitant à la fois ses limites et ses bords, dépossédant l'acteur de son corps, amplifiant aussi avec démesure la place de la parole. Cette poétique présente un théâtre inquiet de sa consistance, en allant même jusqu'à se passer parfois des planches, comme dans le cas des écrits dits " utopiques " ou " mentaux " (Le drame de la vie, La chair de l homme, par exemple) où le jeu se réduit à la nudité du souffle du lecteur. Ce théâtre, plus essentiel, s'affiche ainsi non pas comme un de gestes mais plutôt de parole, de langage, cette " physique vraie " écrit Novarina. C'est dans cette matière linguistique et nulle part ailleurs que se voient l'envers et le soubassement des choses. Mais, pour figurer l'infigurable, il faut nécessairement ébranler, heurter les convictions, user d'une certaine violence, provoquer le rire, susciter l'incompréhension, abasourdir, épuiser et sacrifier les corps sur les planches, et, plus exactement, évider, creuser, pour que règne le manque et que se fasse désirer l'absence. Le corps - l'acteur par excellence-joue sans cesse cette comédie de vie avec sa bouche parlante, appelante et prédatrice. C'est en ce lieu minimal, en creux, négatif, de chair trouée, que se " désincarne " pour l'essentiel l'origine du théâtre et de son Verbe. Ce collectif qui rassemble des études sur Novarina signées par des spécialistes de son œuvre plonge en plein cœur de cet excès boulimique d'étranges et familières paroles, non pas dans l'espoir vain d'élucider leurs sens mais dans le but d'analyser leurs formes particulières et leurs modalités d'apparition. Et ainsi, peut-être (rien n'est jamais sûr), préparer mieux l'oreille à entendre le chœur de la pléthore des Jean novariniens.

Ses oeuvres

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