Catalogue officiel de l'exposition En couleurs, la sculpture polychrome au musée d'Orsay du 11 juin au 23 septembre 2018. Relativement méconnue la sculpture polychrome du XIXe siècle, est l'une des facettes importante de l'histoire de la discipline. Jusqu'au début du siècle, les seules couleurs admises pour la statuaire était le blanc du marbre ou les patines monochromes des bronzes. Mais la découverte de la polychromie de l'architecture et de la sculpture antiques, tout en suscitant de vifs débats, fait évoluer le regard. La question de l'application de la couleur à la sculpture contemporaine prend le relais des débats archéologiques. Dès les années 1850, des sculpteurs pionniers, tel Charles Cordier, en firent leur spécialité. Une fois les polémiques apaisées, la couleur s'affirme à partir du second Empire grâce à son caractère décoratif pour triompher à partir des années 1880 sous l'influence du symbolisme et de l'Art nouveau. La diversité des matériaux employés témoigne alors de recherches souvent raffinées, aboutissant parfois à des résultats esthétiques surprenants. Cires et marbres peints, marbres de couleur assemblés, bronzes dorés et argentés, pâte de verre, grès émaillé deviennent le nouveau langage de toute une veine de la sculpture française, témoignant du goût de l'expérimentation des artistes de la fin du siècle. L'illusionnisme de la représentation constitue un enjeu majeur de la couleur appliquée à la sculpture, comme en témoigna le scandale causé par la Petite danseuse de quatorze ans de Degas. La sculpture en couleurs devient ainsi le médium privilégié d'Henry Cros, Jean-Léon Gérôme, Louis-Ernest Barrias, Jean-Désiré Ringel d'Illzach, Jean Carriès, Paul Gauguin. L'exposition présente, autour d'un ensemble d'une cinquantaine d'oeuvres des collections du musée d'Orsay, un panorama sélectif de cet aspect très particulier de l'art du XIXe siècle.

En couleurs, la sculpture polychrome en France 1850-1910

La sculpture au musée des Beaux-Arts de Nantes - Canova, Rodin, Pompon...

Le masque demeure un objet énigmatique par excellence, empreint à la fois de l'inquiétante étrangeté d'une feinte du visage et du jeu sur les apparences. Objet de métamorphose destiné à dissimuler le visage à des fins religieuses ou théâtrales dans les sociétés anciennes, le masque connut en Europe, notamment en France, un renouveau et un succès considérable à la fin du me siècle et au début du XXe siècle, entrant en résonance avec tous les arts visuels. Étape dans la réalisation d'un portrait, réduction de ce dernier à l'essentiel, élément décoratif ou architectonique, ce genre de la sculpture, pourtant si familier, a rarement été étudié pour lui-même. Réunissant des œuvres majeures de Rodin, Carriès, Böcklin, Klinger, Gauguin, Picasso et d'artistes moins célèbres mais dont la production de masques se révèle souvent très surprenante, cet ouvrage dresse ainsi une galerie de portraits, réelle et imaginaire, séduisante ou menaçante, qui se prête à la fantaisie sérieuse des audaces expérimentales de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle et propose un cheminement autour d'une histoire ininterrompue du visage défait. Une fraction, troublante, d'humanité.

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