Ce catalogue est publié à l'occasion de l'exposition "La couleur crue" qui se tiendra à Rennes au musée des Beaux-Arts du 25 juin au 13 septembre 2020 (dates à confirmer) L'exposition se concentre sur la relation entre la couleur et la matière. Derrière ce lien étroit, apparaît d'emblée la question - essentielle pour les artistes - de l'existence de la couleur à l'état naturel et de sa relation à la lumière. Comment existe-t-elle dans la matière même ? Peut-on toucher la couleur ? Peut-on la traverser ? Peut-on la capter, la figer, la transmettre ? Le terme de couleur crue renvoie aux éléments fournis en profusion par la nature, aux forces telluriques et aux socles communs d'une histoire de l'art plurimillénaire. Elle peut suggérer l'aspiration à une forme de simplicité, voire de pureté (originelle), par opposition aux sophistications des sociétés matérialistes. Elle peut également exprimer l'emploi direct d'objets trouvés, de matériaux considérés comme non nobles et des techniques artisanales abondamment remis au centre de la question artistique par plusieurs générations d'artistes du XXe et XXIe siècles, de l'Art & Craft à l'Arte Povera jusqu'à aujourd'hui. Enfin, la couleur crue c'est aussi des procédés chimiques et des expérimentations menées depuis toujours par les artistes. L'exposition explore ainsi la couleur de la matière dans la variété des formes et des formats dont les artistes se sont saisis : couleurs naturelles et artificielles ; pigments simplement recueillis ou transformés. Elle entre dans les profondeurs de la matière-couleur à travers des oeuvres, des processus et des expérimentations aussi bien naturels que technologiques, qui vont de la matière la brute à la plus insaisissable et instable. Liste provisoire d'artistes : Caroline Achaintre, Dove Allouche, Michel Blazy, Michele Ciacciofera, Edith Dekyndt, Sonia Delaunay, Daniel Dewar et Grégory Gicquel, Dan Flavin, Gérard Gasiorowski, Katharina Grosse, Ann Veronica Janssens, Anish Kapoor, Mike Kelley, Aglaïa Konrad, Wolfgang Laib, Perrine Lievens, Vincent Malassis, Flora Moscovici, Jean-Luc Moulène, Florian et Michaël Quistrebert, Evariste Richer, Anri Sala, SARKIS, Jennifer Tee, Adrien Vescovi, herman de vries, Jessica Warboys, Remy Zaugg...

La couleur crue

Conçu en 1787, le Panorama offrait au public une représentation grandiose donnant le sentiment de visiter une ville ou bien de vivre un événement historique. Pour rendre cette illusion parfaite, les lois scientifiques, les techniques et les sens étaient à l'oeuvre. Cet immense point de vue sur des peintures circulaires rehaussées d'effets de perspective et de lumière agrémentés par la musique annonçait les vues photographiques et cinématographiques. Les dispositifs de Réalité virtuelle (RV) ou encore de réalité augmentée prolongent cette expérience immersive. Son principe illusoire resurgit dans les installations d'artistes (Victor Burgin, David Claerbout, Michiel Van Bakel et John Gerrard, Olafur Eliasson, Dominique Gonzalez-Foerster). Il fait l'objet d'expositions, dont celle « J'aime les panoramas » (MuCEM, Marseille, 2016) qui a accompagné la réflexion, allant de son archéologie à ses résurgences, proposée par cet ouvrage. Cette étude s'inscrit dans les recherches du projet international Les Arts trompeurs. Machines. Magie. Médias (Labex Arts-H2H/ENS Louis-Lumière/CRILCQ).

Le panorama, un art trompeur

L'infini en plus ou my Name is Nobody (tu vas comprendre) - Myriam Mechita à la cité de la céramique

Entre arts plastiques, design et pratique artisanale, la céramique contemporaine abolit les frontières.
En insufflant à ce matériau ancestral une dynamique conceptuelle, les créateurs s'éloignent aujourd'hui des usages purement " décoratifs " et utilitaires appliqués par tradition à ce domaine. Parfois associée à d'autres expressions artistiques - dessin, peinture, photographie, vidéo - la céramique prend des formes surprenantes. Cent dix artistes, talents émergents ou confirmés, sont réunis dans cet ouvrage pour composer un panorama français permettant d'apprécier le potentiel artistique de ce médium, en grande part méconnu.

Circuit céramique à Sèvres ; cité de la céramique

Circuit céramique à Sèvres - Académie internationale de la céramique, Paris 2010

Conservées dans des fonds publics ou privés, dispersées ou connues sous la forme d'inventaires souvent incomplets, rangées avec soin ou laissées au gré des hasards de la vie, les collections de livres formées au cours du temps par les artistes de la modernité forment des objets fascinants. De Redon à Rutault, de Picasso à Pagès, de Kandinsky à Nemours, de Duchamp à Raymond Hains, les enjeux de la lecture, de l'accumulation, de la perte ou de la dissémination des livres, de la représentation de l'objet, voire des bibliothèques elles-mêmes, ont mérité des analyses fines et complètes. L'exploration de ces étagères matérielles ou " hypothétiques " (Italo Calvino) incite à ouvrir de nouvelles voies dans l'étude des liens de l'art et de l'imprimé, du faire et du lire. De la fin du XIXe siècle à nos jours, la re-définition de l'art passerait-elle par la révision du lien complexe qu'entretiennent les artistes avec leur bibliothèque

Bibliothèques d'artistes - (XX-XXIe siècles)

Sous la direction de Jean-Roch Bouiller, jeune conservateur chargé de la céramique contemporaine à Sèvres, ce premier catalogue rétrospectif sur la carrière de Claude Champy fait écho à l'exposition organisée à Sèvres - Cité de la céramique. Il retrace le parcours depuis les années 1970 d'un des céramistes français les plus admirés par ses pairs, par les collectionneurs et à l'échelle internationale, principalement illustré par les photographies de sa fille, Cécile Champy. Contributions de Jaen-Roch Bouiller, Christine Shimizu et Christian Garcelon.

Claude Champy ; terre complice

L'exposition Quelques figures de maternités. Fétiches, Déesses-mères, mystère de l'Incarnation et pot ponsu prend place dans la thématique 2009 de la Galerie du Conseil général des Bouches-du-Rhône consacrée à la féminité. Elle a pour objet une question que toutes les civilisations de toutes les époques ont considérée comme centrale et, de fait, placée au coeur de leurs systèmes de représentation : le façonnage par la Mère de l'Enfant. De tous temps la maternité a en effet cristallisé tous les enjeux liés à la reproduction humaine à l'échelle individuelle, familiale, de la société, de la civilisation voire de l'espèce. La première ambition de cette exposition pourrait donc être de rendre compte de ce caractère central dans plusieurs types de sociétés historiquement ou géographiquement éloignées : de la préhistoire à nos jours, sur quatre ou cinq continents. Sa deuxième ambition serait de réunir des oeuvres ayant pour seul point commun cette thématique et de faire appel à l'histoire de l'art non pas à des fins de pure illustration mais pour essayer de comprendre ce que la force d'un sujet peut apporter à telle ou telle part du champ artistique (par exemple à l'art chrétien) à telle ou telle tendance (le goût pour les sujets intimistes à la fin du XIXe siècle), à telle ou telle génération (par exemple au XXe siècle), à telle ou telle technique (par exemple à la céramique où le pot a souvent servi de métaphore maternelle)... Enfin, une troisième ambition serait d'effleurer la dimension anthropologique de ce sujet abondamment décrit et minutieusement étudié par les ethnologues de tous pays. Diverses représentations du corps, de l'individualité, du dédoublement d'identité, du moment d'entrée dans la vie... que la maternité sous-tend pourront être abordées à travers quelques objets de " curiosité ". Des spécialistes de chaque période et territoire concernés, historiens de l'art, archéologues ou ethnologues, sont invités à proposer dans le catalogue une synthèse de ce que représente la Maternité dans leur champ de recherche privilégié.

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