De Talma aux premiers acteurs du cinéma, les mutations du jeu héroïque comme les phénomènes d'héroïsation de la figure de l'acteur soulèvent des questions esthétiques, culturelles et politiques. Alors que le jeu héroïque hésite entre le code tragique et le génie naturel, on observe dans les années 1830 la naissance de « héros populaires », identifiés aux personnages ou aux acteurs romantiques. Au fil du siècle, les « héros consensuels » laissent place aux « héros impersonnels », manifestations d'une crise des valeurs comme d'un renouveau dramaturgique. Centré sur le paysage théâtral français, l'ouvrage ouvre des perspectives du côté de l'Allemagne, de l'Espagne, de la Russie et de l'Italie. Il explore le caractère mouvant, dynamique, souvent paradoxal ou contradictoire, de l'alliance du héros et de l'acteur au XIXe siècle.

Les héroïsmes de l'acteur au XIXe siècle

Cette réplique de Nell à Nagg, dans Fin de partie de Beckett (1957), peut être considérée comme programmatique de tout un pan du théâtre comique contemporain. Situé entre rire de la douleur, rire avec douleur, rire malgré la douleur et douleur de rire, ce théâtre ne craint plus de faire commerce avec la mélancolie, de s'aventurer sur les territoires les plus violents de l'histoire du XXe siècle, d'entretenir des liens étroits avec les désastres intimes et collectifs, d'explorer tout le lamentable de la vie humaine, de réinventer de drôles de tragédie. Rendant compte d'une mutation de la sensibilité comique occidentale qui s'est engagée depuis le XIXe siècle, il nous propose, envers et contre tout, un rire quand même : paradoxal, insolent, provocateur, inattendu, ambigu, anxiogène et libérateur tout à la fois. À travers un ensemble de pièces écrites, pour la plupart d'entre elles, au cours des vingt dernières années, dans l'aire européenne - avec quelques ouvertures du côté de l'Algérie et d'Israël -, cet ouvrage rend compte de la diversité des dramaturgies du comique et de la douleur. De George Tabori à Noëlle Renaude ou Patrick Kermann, d'Eugène Durif ou Daniel Lemahieu à Biljana Srbljanovic en passant par Hanokh Levin, Michel Vinaver ou Werner Schwab, les théâtres ici explorés conjuguent pertinence mimétique et impertinence ludique : le comique s'y présente comme un outil de représentation du monde et d'examen de l'histoire, mais il témoigne également d'une quête de résistance et d'une roborative obstination à vivre.

"Rien n'est plus drôle que le malheur" - Du comique et de la douleur dans les écritures drammatiques contemporaines

Depuis une dizaine d'années, la recherche artistique, entendue comme recherche menée dans les pratiques et non pas sur elles, est devenue l'objet d'un important débat européen, au croisement du monde artistique et des institutions de l'enseignement supérieur. Cet ouvrage, issu d'un travail de quatre années de recherche collective à l'Ecole nationale supérieure des arts et techniques du théâtre (ENSATT), s'inscrit dans ce champ de questionnements en se centrant sur les pratiques théâtrales, jusqu'ici bien moins explorées que les arts plastiques. Son objectif n'est pas de défendre un modèle stabilisé de la recherche, mais d'interroger l'apparition et la prégnance historiques, depuis un siècle, du lexique de la recherche dans les discours des artistes de la scène, et de comprendre les types de pratiques qu'il recouvre. Une enquête à la fois historique, épistémologique et esthétique est ainsi proposée sur ce que le mot "recherche" veut dire dans diverses pratiques de création, d'expérimentation ou de laboratoire scéniques. Quatre voies de compréhension de la recherche sont ici dégagées et examinées : le modèle du laboratoire ; la recherche inhérente au travail de création scénique ; la "recherche-création" dans les écoles d'art et les universités ; la fabrique d'expériences pour le spectateur. S'il ne saurait épuiser une très vaste question, cet ouvrage propose de poser quelques jalons essentiels à la clarification du dialogue entre artistes, enseignants d'écoles d'art et universitaires.

Faire théâtre sous le signe de la recherche

Le Paris de la fin du XIX siècle voit l'apparition d'un théâtre attaché au mouvement symboliste, qui découvre Maeterlinck, diffuse Ibsen, Strindberg ou Hauptmann, et dont les recherches et les propositions scéniques jouent un rôle important dans la naissance de la mise en scène moderne. Le Théâtre d'art de Paul Fort, les débuts du Théâtre de L'Oeuvre d'Aurélien Lugné-Poe, mais aussi le Théâtre de la Rose-Croix de Joséphin Péladan ou encore les spectacles d'Edouard Dujardin, sont des lieux d'expérimentation radicale, en rupture avec les codes spectaculaires de l'époque. Revendiquant un théâtre de statisme, de pénombre, de silence et de déclamation, ils élaborent une théâtralité qu'on nomme ici spectrale, dont la caractéristique essentielle est d'obéir à une logique de retrait et de disparition. Non encore soumise à l'autorité du metteur en scène, la scène symboliste est le fruit d'un travail de collaboration entre poètes, peintres - les " Nabis " Edouard Vuillard, Maurice Denis et Paul Sérusier, notamment -, musiciens et comédiens, dont l'apport créateur est essentiel ; ils œuvrent ensemble à la réalisation de spectacles qui suscitent en leur temps un intense débat artistique, et qui trouvent dans notre actuel théâtre de nombreux échos.

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