Pascale Remita convoque le réel en l'assourdissant. L'étrangeté qui se dégage de sa peinture révèle une grande finesse aux abords opaques et aux contours flous. Les surfaces, les paysages, le vivant y cohabitent pour ne faire parfois plus qu'un.
L'oeil tente de s'accrocher pour finalement être emporté. On découvre le travail de Pascale Remita comme on regarde un film de Lynch : on tente de se rassurer en se référant au réel ou on accepte de lâcher prise pour jouir des sensations que la peinture nous offre. Accepter de se laisser submerger par ces images engourdies, c'est sans nul doute la meilleure façon d'entrer en contact avec ces peintures, ces fusains et ces films qui touchent tantôt à l'informel, à l'évanescent, tantôt à la trivialité et la rugosité d'images trouvées revisitées.

Peinture froide prend feu

Ce livre est un livre d'artistes réalisé par deux d'artistes qui se connaissent depuis de longues années, aussi la justesse, l'émotion, l'intimité qui s'en dégage nous entraîne dans des univers indissociables. 
Artiste français de premier plan, Fabrice Hyber, dès les années 90, à fortement changé le contexte de l'art en France. Qui ne se souvient lors de la première Biennale de Lyon de son oeuvre Traduction, le plus gros savon du monde, sculpture monumentale en savon de Marseille, pesant 22 tonnes, 190x250x670 cm. On peut également citer Hybertmarché, 1996, installation présentée à L'Arc/musée d'Art moderne de la ville de Paris ou encore Eau dort, Eau d'or, Odorà la Biennale de Venise, 1997. Sans compter les nombreuses oeuvres exposées dans le monde entier. Autant d'oeuvres interactives qui allient peinture, sculpture, performance, la vidéo et installation de la plus pertinente des manières.
Ecrivain, poète et critique d'art, Pierre Giquel dans ce livre à deux voix, relate tout en allusion, une longue amitié, ainsi qu'une oeuvre dont il a suivi la genèse. Au passage, avec la délicatesse qui est la sienne, il crée un mot, MOêMES, digne d'entrer dans le dictionnaire et qui défini admirablement la prose poétique et la teneur de son texte.

Moêmes

Les Géographies irrégulières

Fort de sa double appartenance franco-marocaine, de père musulman et de mère catholique, Mehdi-Georges Lahlou traverse avec bonheur les frontières de nos sociétés multiculturelles. Dans ses performances comme dans ses oeuvres plastiques, il questionne l'esthétique, notamment celle  liée à l'Islam, et ouvre sur des problématiques  plus générales telle que l'identité (religieuse, culturelle ou sexuelle).  Une oeuvre cohérente dans sa diversité qui perturbe les clichés et joue de l'ambiguïté liée à l'esthétique - où le corps est omniprésent. Un corps, figure de l'artiste, qui se cache et se montre en même temps.  S'affranchissant allégrement des stéréotypes, l'artiste joue les trublions et travestit son corps comme il travestit les traditions. Il sait, par juxtaposition, rester dans cet entre-deux qui perturbe les convictions établies. Il revêt les stigmas liés au féminin ( talons aiguille, rouge à lèvres, voile), mais garde les attributs de sa virilité (poils, sexe, muscles). Un travestissement qui n'est donc  pas intégral, et qui chamboule ainsi la norme des genres, sociale et sexuelle.  Il n'est pas question chez Mehdi-Georges Lahlou de « choc des cultures » mais plutôt d'un double enfermement : sortir d'une culture, c'est être confronté à une autre culture qui vous enferme à nouveau.  Ce travail plastique  tient de l'idiotie. Faire l'idiot, comme le bouffon du roi, c'est lutter avec pertinence et liberté contre la gravité de tout système sclérosant. Les vidéos ont d'ailleurs pour titre Stupidités contrôlées, comme de tenir le plus longtemps possible avec une balle de tennis dans la bouche.  Poussant les limites jusqu'à l'absurde, Mehdi-Georges Lahlou garde toujours un certain chic dans le ridicule et puise dans la légèreté de l'idiot un basculement vers le merveilleux.

Mehdi-Georges Lahlou - Edition français-anglais-néerlandais

Pierre Besson travaille plusieurs combinaisons entre les arts visuels et l'architecture. Il expérimente son art à l'aune de la science-fiction littéraire et cinématographique. Ses objets et images participent à la construction d'expositions diégétiques. Son projet interroge notre « nature humaine » et son avenir binaire.  Cette monographie englobe plus de trente ans de recherche. Au fil des pages, le lecteur regarde, voit et comprend l'émergence d'une œuvre et son développement formel.  Une nouvelle du musicien britannique David Toop, deux textes (1991 et 2015) du critique d'art et poète Pierre Giquel, un essai du critique belge Bernard Marcélis et du critique d'architecture Christophe Le Gac viennent éclairer les dimensions symboliques et conceptuelles de cet ensemble à l'œuvre.

Pierre Besson

A l’occasion de l’exposition « Edward Baran, le chemin à l’envers » (mus é e des Beaux-arts d’Angers, 16 mai-15 septembre 2013), les éditions Dilecta publient un catalogue qui témoigne de la richesse de l’oeuvre de cet artiste polonais installé en France depuis plus de trente ans. En presque cinquante ans de carrière, Edward Baran a donné naissance à une œuvre foisonnante et diverse. Il commence par le tissage dans les années 1970, puis s'intéresse à d'autres matériaux, comme le papier (journal ou kraft) qu'il tisse comme une trame, ou à d'autres techniques, comme l'estampage. Longtemps, il s'interdit de peindre. Mais à partir de la fin des années 1980 et de sa découverte de Finnegans Wake, de James Joyce, il s'attache à retranscrire l'œuvre en peinture, sur papier. Depuis, il ose se mesurer à la toile, pratique qu'il a notamment reprise depuis les années 2000. Au gré des évolutions de son oeuvre et de ses récents travaux, Edward Baran offre au public français sa première grande rétrospective.

Ses oeuvres

Ses derniers livres