Peu après la première guerre mondiale, dans les cafés de Montparnasse, une belle Américaine et un jeune artiste français forment un couple libre, moderne. Ils s'appellent Mary Reynolds et Marcel Duchamp. Leur petite maison du 14earrondissement devient vite le point de ralliement de tout ce que Paris compte de talents : Cocteau, Beckett, Dali, Brancusi... Mais quand revient la guerre, Marcel se réfugie aux États-Unis. Mary, elle, « ne déserte pas ». Elle est devenue parisienne et le restera. À tout prix. Elle est prête, pour cela, à tout risquer, même sa vie. Commence alors le temps de la Résistance.

Je ne déserterai pas ma vie

C'est sans doute la scène la plus célèbre de toute l'histoire du cinéma, la fameuse « scène de la douche » de Psychose ; son influence est telle que ne cessent de se multiplier les hommages, de Brian De Palma à Francis Ford Coppola, de Gus Van Sant à David Fincher, des séries Bates Motel aux oeuvres d'artistes contemporains tels Douglas Gordon, Pierre Huyghe, Cindy Sherman.

Le phénomène est décortiqué, sous toutes ses coutures, par Sébastien Rongier dans Alma a adoré, où il met en lumière l'importance du film d'Alfred Hitchcock, en faisant appel aux réflexions de penseurs tels qu'Emmanuel Kant ou Roland Barthes, tout est en démontrant la primauté de ce véritable emblème de la Pop Culture, un pur « effet cinéma ». Par ailleurs, ce texte, traversant les prolongements littéraires et cinématographiques du film, développe une vision très personnelle de cette oeuvre, l'auteur étant l'une des premières victimes de cet « Effet Psycho ».

Alma a adoré ; psychose en héritage

Les fantômes sont partout : dans la littérature comme dans le cinéma, la photographie, la peinture, la philosophie, les sciences, la technologie et même dans notre vie psychique. Mais qu'est-ce qu'un fantôme ? L'essai Théorie des fantômes tente d'offrir une réponse à cette question. Le fantôme est certes une figure de la peur, mais se pencher sur les formes de la revenance, c'est apprendre à penser les images et les formes artistiques. Envisager le fantôme comme mode de définition de l'image, c'est revenir aux sources culturelles de l'image (étymologies, formes artistiques, questions esthétiques et philosophiques). Ce parcours permet de penser le fantôme comme enjeu esthétique mais aussi question anthropologique puisque le fantôme nous place devant une représentation de la mort et un dispositif de mémoire. Qu'est-ce qu'un fantôme ? Réponse qui, de Pline à Derrida, de Platon à Spinoza, de Poussin à Hippolyte Bayard, de Homère à Shakespeare, de Hitchcock à M. Night Shyamalan, de Botticelli à Mankiewicz, de Kubrick à Benjamin, d'Aristote à Boccace, de Dante à Oliveira, de Barthes à Alain Cavalier, de Mesmer à Billy Wilder, de Proust au Général Instin, cherche à donner les contours esthétiques du fantomatique et des images en s'appuyant sur de nombreuses analyses d'oeuvres littéraires, artistiques et cinématographiques. Cette hantise de la mort qui traverse les oeuvres et la pensée nous permet d'envisager le fantôme comme un acte esthétique fondamental.

Théorie des fantômes - Pour une archéologie des images

Il y a cet homme qui a gardé le réflexe de tendre la main sous la table pour caresser son chien, alors que son chien est mort. Cette femme qui boit du Get 27 pour oublier que son amant ne viendra pas. Ce militant d'extrême droite qui cherche à embrigader le patron de la brasserie. A l'abri des regards, dans la cuisine, il y a le rescapé d'une nuit d'octobre. Et puis il y a l'enfant. L'enfant qu'un adulte accompagnait mais qui est seul à présent devant son verre vide. L'enfant qui attend que l'adulte revienne. Nous sommes en 1978, dans une brasserie près de la cathédrale de Sens. C'est un instantané de la France et d'une époque. Mais aussi le récit atemporel et poignant de la perte de l'enfance, dans le bourdonnement indifférent de cette ruche française. Sébastien Rongier fait d'un café une chambre d'échos, où résonnent les voix d'un pays venant tout juste de basculer dans la crise. Avec les guerres mondiales et coloniales, le paysage social se décompose et se recompose. Et les différentes lignes de forces du passé et du présent se croisent toutes, dans ce bar, dressant un portrait à la fois morcelé et puissant du XXe siècle français.

Le cinéma s'est imposé à la fois comme valeur culturelle et comme patrimoine. Il est une source d'inspiration et d'interrogation pour les autres formes artistiques.
Dans les années 1990-2000, l'art contemporain a largement accueilli les images cinématographiques, à la fois comme citation, référence et expérimentation des formes. Cette période a vu éclore de nombreuses oeuvres, d'importantes expositions aux quatre coins du monde.
Cinématière dresse la généalogie des conditions d'exposition de ces formes, des débats esthétiques et artistiques qui ont nourri cette relation entre cinéma et art contemporain. Cette étude vise à combler un manque en offrant une synthèse des relations du cinéma avec l'art contemporain ou la littérature, et crée le concept de cinématière pour comprendre la plasticité des matériaux esthétiques et les déplacements de l'idée d'image.
En s'appuyant sur de nombreux artistes et écrivains (de Pierre Huyghe à Eija-Liisa Ahtila, de Brice Dellsperger à Christoph Girardet, de Douglas Gordon à Vibeke Tandberg, de Tanguy Viel à Claro, d'Eric Rondepierre à Patrick Chatelier), l'essai de Sébastien Rongier explore l'expérience d'une génération, la replace dans une perspective historique et éclaire la place centrale d'Alfred Hitchcock dans nos représentations contemporaines.

Cinématière

Elle a été socratique, rhétorique ou tragique.
On en a fait un trait d'esprit, une forme de sarcasme ou de cynisme. On l'a dite douce ou mordante. On lui a donné des vertus politiques (jusqu'aux sombres utilisations berlusconiennes). Elle a revêtu l'ombre du sort avant de devenir une posture mondaine. Tout est ironique. Tout peut le devenir à peu de frais. Tel livre, tel film, telle oeuvre d'art, tel (bon) mot entouré d'oeillades appuyées, tel rictus contenu mais tremblant à la commissure des lèvres, tout devient, ou est devenu ironie.
C'est la posture de l'époque, l'estampillage facile qui désigne les nouvelles futilités du sens, l'alibi ou le vernis culturel d'une vacuité bientôt revendiquée. Souvenons-nous de Socrate, premier écart d'une pensée qui déroute nos certitudes. Mais Platon veillait au grain et la philosophie a vite oublié cette forme de complexité. Dès lors le malentendu s'est installé. pour longtemps. Ces avatars historiques et philosophiques n'ont pourtant pas épuisé toute l'énergie de l'ironie.
L'ambition de ce livre est de retracer l'aventure philosophique de ce concept en reconsidérant ses enjeux critiques à partir de traits essentiels : l'invention d'un retard, un esprit de déplacement et de claudication, une certaine idée de l'écart et de la modernité, une inconciliation. L'auteur porte ici le débat esthétique sur les images et le cinéma. En confrontant la dynamique ironique à la question du remake, il étend la critique aux industries culturelles.
Contre les programmations du regard, l'ironie ouvre un chemin critique, à l'écart des habitudes.

De l'ironie ; enjeux critiques pour la modernité

Marie-Françoise Prost-Manillier mixe les formes d'expression pour créer un monde où la narration tient une place privilégiée. Avec Malgré le monde sont réunis une vidéo de la peinture, des textes. Le temps est en suspens mais l'image est en mouvement, le temps retrouve sa dimension pressante avec des images fixes. " II n'y a pas de narration ni de personnage, à peine l'esquisse de caractères. Juste le temps d'un geste ou d'un regard. C'est seulement l'histoire d'un geste que la caméra postée au coin du monde libère.? (Sébastien Rongier) A cela Gérard Mathie rétorque de fiction à fiction et chacun des personnages de Marie-Françoise Prost-Manillier prend corps au détours du livre. Ainsi deux regards se croisent sur l'oeuvre de Marie-Françoise Prost-Manillier et le livre devient un prétexte à continuer le travail, étayer réflexion et jubilation.

Ses oeuvres

Ses derniers livres