Lawrence Weiner est l’un des sept artistes qui ont participé à la célèbre publication/exposition connue sous le nom de Xerox Book, éditée à New York en 1968 par Seth Siegelaub et John W. (Jack) Wendler. Ce Xerox Book fut l’un des présages de l’art conceptuel. Cette même année, avec l’aide de la Louis Kellner Foundation, Siegelaub publia le premier livre d’artiste de Weiner : STATEMENTS. Quelques années plus tard, en 1971, Jack Wendler, l’ancien associé de Siegelaub, quitta New York pour Londres. Il ne tarda pas à présenter sa première exposition, qui consistait en un carton imprimé de Lawrence Weiner, et au début de l’année suivante, il disposa de son propre espace d’exposition. En 1972, il publia également le neuvième livre d’artiste de Weiner : Green as well as blue as well as red. Comme l’a dit Weiner : le livre est né d'une expositions du travail à la galerie de Jack Wendler à Londres. J'ai demandé à Jack s'il voudrait faire un livre et il a dit oui. Il a trouvé un imprimeur et le livre s'est fait. Cet énoncé simple est en accord avec le type de livre publié. Green as well as blue as well as red était, comme ses huit prédécesseurs, un contenant pour des indications verbales concises. (Weiner n’a introduit des photographies dans ses livres qu’à partir du douzième, en 1973.) Quand on lui demanda d’écrire deux ou trois lignes sur les origines de ce livre, Weiner déclara : il n'y a rien à dire. Un livre est un livre malgré tout. Il ajouta par la suite : le livre a pour sujet ses contenus. Peut-être pas du tout l'étagère sur laquelle il se trouve. Et enfin, puisqu’il s’agit d’un « petit livre rouge » : peut-être est-ce un pur hasard s'il ressemble à l'un des livres de Mao.

Green as well as blue as well as red

Considéré comme l'un des artistes conceptuels les plus radicaux de ces dernières décennies, Lawrence Weiner construit depuis la fin des années 1960 une pratique basée sur le langage perçu comme un espace autonome d'énonciation. Les phrases et sentences qu'il imagine pour les murs ou pour l'espace du livre et du poster sont de véritables " sculptures ". Lawrence Weiner considère que l'abstraction du langage ouvre par essence un espace à la fois métaphorique mais aussi réel, creusant de ce fait une sorte de disjonction dans le quotidien. Vogue la Galère est une série de six planches réalisée à partir de collages originaux conçus spécialement pour cette édition. Ces six œuvres sont autant de cartes marines que l'artiste imagine trouvées. Cette édition reste l'une des toutes premières où les principes de collages présents dans son activité sont clairement visibles avec l'inclusion de cartes, le montage d'éléments disparates rehaussés de gouache, d'aquarelle et de crayons couleurs. Exceptionnelle, cette œuvre l'est aussi par son format. Enfin, Vogue la Galère fonctionne également sur le principe de la séquence et du montage (six éléments) que le spectateur doit par la suite réorganiser selon son vouloir. Edition limitée à 225 exemplaires signés et numérotés par l'artiste comportant six planches d'illustrations originales dans une boîte où le titre est imprimé en sérigraphie.

Lawrence Weiner - Vogue la galère

Une médiathèque à Troyes

La marelle

Quel art n'est pas traité? "Art conceptuel." Quelqu'un qui fait une peinture doit concevoir la taille. Je ne comprends pas d'où viennent ces mots. Je ne peux pas accepter le fait que le concept d'art comme notre concept d'humanité se développe.

Je pense qu'il devrait y avoir un remaniement de la structure de valeur de l'art. La valeur est lorsque l'artiste fait un premier engagement avec la société. Ce travail a le plus de valeur. C'est la fonction de l'artiste. Ce résultat.

Maintenant, "professionnel" semble être avec qui vous êtes allé à l'école. Il constitue votre monde nucléaire. Et c'est la faute des enseignants; Ce n'est pas la faute du jeune artiste.

À mes yeux, faire de l'art, c'est très souvent quelque chose que vous ne savez pas.

Je ne suis pas contre les foires d'art, en fait ce dernier, j'ai même fait de l'argent, mais le concept est vraiment dégoûtant. Si vous êtes si riche pour pouvoir passer du temps pendant deux ou trois jours, vous êtes certainement assez riche pour monter dans un avion et aller à Munich ou Düsseldorf ou partout et voir le vrai spectacle de quelqu'un au lieu de ce genre de choses qui se sont empilées.

Aussi joli que soient certains des stands, ce n'est pas la même chose. C'est dommage pour les jeunes artistes, parce que l'une des choses qu'un artiste plus jeune peut attendre est un marchand émergent qui a un espace qu'ils peuvent prendre et construire tout ce qui conviendra à n'importe quelle esthétique dans laquelle ils se trouvent. Dans une foire d'art, Vous vous transformez en objet.

Dans mon travail, ce sont des réalités simultanément, au lieu de parallèles. Simultanément évite le problème de la réalité alternative. En réalité parallèle, il y a toujours une hiérarchie, et il ne doit pas nécessairement y avoir de hiérarchie. Lorsque vous êtes dans un palais comme Blenheim, vous êtes censé être impressionné - pourquoi ne pas être impressionné par quelque chose de différent de ce qu'ils vous montrent? Il s'agit de trouver votre propre endroit existentiel.

Les gens, acheter mes affaires, peuvent le prendre partout où ils vont et peuvent le reconstruire s'ils le souhaitent. S'ils le gardent dans leur tête, c'est bien aussi. Ils n'ont pas à l'acheter pour l'avoir - ils peuvent simplement l'avoir en le sachant.

Je garde tout à un niveau humain, mais essentiellement tout dans nos vies doit être sur le plan humain. Toute spécification de quelque chose par l'histoire de l'art n'a aucun sens. Le fait est que si vous avez une mère aimante, adorable et solidaire dans le monde et que vous lui dites tous vos rêves, toutes vos aspirations et la récompense que vous souhaitez, et elle vous comprend, alors cela ne vaut pas la peine de faire.

Une fois que vous connaissez une de mes travaux, vous en avez le propriétaire. Il n'y a aucun moyen que je puisse grimper dans la tête de quelqu'un et le retirer.

Les écoles d'art semblent essayer de révéler les gens comme «professionnels». Mais je ne sais plus ce que le mot «professionnel» signifie plus. "Professional" serait quelqu'un qui essayait de pousser la peinture à un point que personne d'autre ne pouvait faire aussi bien qu'il le pouvait. Ce serait mon professionnel idéal.

Essayer de faire des choses sur Internet totalement privés à moins que vous ne vous abondiez. Ça ne fonctionnera pas. Si vous pouvez comprendre comment fermer quelque chose, quelqu'un peut comprendre comment l'ouvrir. C'est de l'art.

Physique quantique - L'idée qu'il y a plus d'une réalité en même temps au même endroit. Nous vivons dans une société concentrique, et nous devrons prendre nos décisions, gâteau comme une tarte, comme une résolution en attente. C'est vraiment et vraiment - je ne sais pas si "en tant que" comptera plus longtemps.

Je travaille uniquement par rapport à ce qu'est le travail. Oui, bien sûr, si le monde touche à sa fin, j'essaierais essentiellement de m'écarter lorsque le ciel tombe.

Genitive est un mot drôle car il signifie «de», mais c'est aussi le sexe dans les langues européennes pour les objets: le masculin, le féminin et le neutre. Donc, si vous avez un cadeau génitif, il y a de la place pour tout le monde. Je viens de faire un projet à Vienne sur le rock, le papier, les ciseaux; Vous changez le sexe et cela change simplement le tout. La roche n'est plus un homme. Il ne fonctionne pas de la même manière.

L'art est censé construire des structures logiques.

L'art qui impose des conditions - humaines ou autres - au récepteur pour son appréciation à mes yeux constitue un fascisme esthétique.

Nous avons été élevés dans un monde qui était basé sur Aristote. En ce qui concerne la science et tout, c'est vraiment très excitant et vous apprenez beaucoup. Il y avait un problème: il y avait des réalités parallèles. Et dans une réalité parallèle, il y a toujours une réalité qui est le premier et le second est toujours un secondaire. Et tout est le reflet de quelque chose d'autre.

Il y a une primauté de chaque objet individuel. Et nous verrons! C'est tout l'intérêt de faire des sculptures, de présenter une question sous une forme physique aux gens.

Comme les gens qui, dans les années 60 ou 70, ont revendiqué la «fin de la peinture» - tout ce qu'ils ont fait était d'ouvrir une toute nouvelle branche pour la peinture. Heureusement, cela ne fonctionne pas. Ce n'est pas une raison de l'art. Fermer quelque chose n'est pas une raison pour que quelque chose existe.

Il y a un changement radical dans la relation avec l'être humain et la société. L'art est maintenant une conversation ouverte avec la société. Auparavant, il y avait une nécessité pour un peu de cris et de cries juste pour le faire entrer dans la conversation.

L'histoire de l'art va bien. Je veux dire, c'est une discipline. L'histoire de l'art est l'histoire de l'art, et vous commencez depuis le début et vous vous retrouvez dans l'artiste dans le temps. Mais l'art est un peu différent. L'art est une conversation. Et s'il n'y a pas de conversation, de quoi diable s'agit-il?

J'ai arrêté de peindre, pas parce que je n'aimais pas peindre; La sensualité était amusante. Mais je n'ai pas pu arriver au point que je voulais.

Le seul art qui m'intéresse est l'art que je ne comprends pas tout de suite. Si vous le comprenez tout de suite, il n'a vraiment aucune utilité, sauf en tant que nostalgie.

Les artistes essaient de poser des questions, et au sein de notre société, à moins qu'il y ait des artistes, ces questions ne sont pas posées. Et tout le monde blâme le marché.

Dans le monde numérique dans lequel nous vivons, il n'y a pas de pixel qui pense qu'ils sont meilleurs que n'importe quel autre pixel. Et il n'y a pas de pixel qui ne fonctionnera pas avec un autre pixel pour produire quelque chose. Et quand deux pixels se réuniront et auront des enfants, ils accordent une attention à ce qu'est la couleur et personne ne dit quoi que ce soit.

Accréditation. Le "doctorat ès beaux-arts". Je n'ai jamais entendu quelque chose d'aussi stupide de toute ma vie.

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