Virginia Dwan
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@virginiaDwan
J'avais ouvert une galerie, j'avais déjà des liens solides avec New York, car je travaillais en consignation chez les concessionnaires de New York. Je connaissais donc déjà un grand nombre de concessionnaires et d'artistes ici. Il ne faisait pas froid pour moi.
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Je pense que les quatre artistes terrestres que j'ai montrés ont tous travaillé à quelques années l'un de l'autre. Et c'étaient des porteurs standard, je suppose, pour l'art terrestre. Ils ont chacun fait des choses très séparées. Apparemment, plus tard en Californie, beaucoup d'artistes ont commencé à travailler dans ce médium et il y avait quelque chose d'une ruée de terrassements. Mais je n'étais pas impliqué dans ça.
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La galerie a fermé ses portes en 1971. Je ne pouvais plus gérer psychologiquement les besoins de 12 artistes. Je me souciais de tous et de ce qui se passait avec leur carrière. Je ne suis tout simplement pas une personne qui peut le faire indéfiniment. Et en ce qui concerne les impôts, je m'inquiète parce que leur galerie ne faisait pas de l'argent; Il perdait de l'argent.
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Les gens devraient aller aux œuvres et les expérimenter. Parce que le simple fait d'avoir une idée ou une image à l'esprit n'est absolument pas l'expérience nécessaire. Même simplement atterrir à Albuquerque ou à Salt Lake City ou à Las Vegas faisait immédiatement partie de l'expérience. Et puis vous monteriez dans une voiture depuis l'aéroport et que vous feriez ces très longs voyages - dans le cas de Michael Heizer, c'était trois heures en voiture pour arriver à son travail. Et puis il y a des promenades et dans la pièce et la voyant sous différents angles. L'expérience cinétique d'en faire partie physiquement était très importante pour moi.
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J'ai ouvert avec The Beanery d'Edward Kienholz, et c'est une pièce tellement controversée que je pense que cela a amené les gens immédiatement. C'était un travail de taille de chambre dans lequel on est entré. C'était un bar avec des personnages de type Kienholz assis, buvant et parlant - tous les personnages grandeur nature dans un cadre grandeur nature. L'exposition était couverte de temps, de Newsweek et de la vie, il a donc été immédiatement reconnue.
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Honnêtement, même en tant que concessionnaire, je n'étais vraiment pas intéressé par la masculinité ou la féminité en tant que telle. Ce qui était important pour moi, c'est la valeur de l'œuvre elle-même. Si une femme était venue, quelqu'un comme Lee Bonecou ou Louise Nevelson, et a dit: "Je travaille sur le pays", je serais allé le voir.
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J'avais moi-même vécu dans la vallée de San Fernando il y a de nombreuses années, quand c'était un endroit beaucoup plus sauvage, et nous avions l'habitude de marcher dans les régions sauvages. Donc, cette expérience précoce avait beaucoup de similitudes pour moi avec les endroits où le double négatif était en cours.
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Je me souviens que lorsque je suis allé à une galerie de Paris à un moment donné, ils avaient des dessins de terrassements dans différents endroits. J'ai demandé à la personne assise au bureau de la galerie où se trouvaient ces œuvres - où en France elle pouvait être trouvée. Elle m'a regardé avec horreur comme si j'avais demandé quelque chose de complètement fou. Elle a dit: "Eh bien, bien sûr, ces œuvres n'existent pas réellement. Ce sont des concepts."
@virginiaDwan
L'art n'était pas à vendre. En fait, nous avons déjà eu une offre sur Double Negative. Les choses pourraient être vendues en fait - tout pourrait être à vendre. Mais nous avions très peu d'acheteurs. Je pense que c'est Michael Heizer qui a dit que le but était d'avoir une plus grande toile, et j'ai pas mal utilisé cette expression. Mais je pensais aujourd'hui qu'une toile a des limites ; il y a une limite. Et pour le terrassement, c'était l'ouverture et le sentiment qu'il n'y avait pas de frontières qui le rendait si excitant.
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Il y a une connexion définie en termes d'objets à portée de main - traitant des objets ou du matériel à portée de main. Le pop art était très amoureux des images populaires, et l'imagerie populaire était bien sûr disponible et à portée de main. Et l'art terrestre utilisait également ce qui était à portée de main.
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Je me souviens très bien. J'étais ici à New York. Nancy Holt m'a appelé et - je me sens malheureux y penser - elle a dit que Bob Smithson était mort. J'ai dit: "Oh, Nancy, que ferons-nous sans Bob?" C'était un très bon ami.
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J'ai apprécié les voyages en route. Et j'ai trouvé le travail difficile parce que c'était de l'art qui existait sur le pays plutôt que de simples concepts dans une galerie ou une documentation photographique, ou l'un des accessoires qui peuvent être utilisés pour l'indiquer. L'art était sur le terrain.
@virginiaDwan
L'art n'était pas à vendre. En fait, nous avons déjà eu une offre sur Double Negative. Les choses pourraient être vendues en fait - tout pourrait être à vendre. Mais nous avions très peu d'acheteurs. Je pense que c'est Michael Heizer qui a dit que le but était d'avoir une plus grande toile, et j'ai pas mal utilisé cette expression. Mais je pensais aujourd'hui qu'une toile a des limites ; il y a une limite. Et pour le terrassement, c'était l'ouverture et le sentiment qu'il n'y avait pas de frontières qui le rendait si excitant.
@virginiaDwan
Ce qui se passe dans le monde plus large influence toujours l'art. Lorsque j'ai commencé la galerie en 1959, l'une des premières choses que j'ai apprises a été que la plupart des gens supposent que les artistes savent une chose et une seule chose - qu'ils étaient des savants idiots. J'ai trouvé très rapidement que la plupart des artistes étaient très informés et très conscients de ce qui se passait dans le monde qui les entoure. Donc, toutes ces choses vont ensemble, surtout pour les travaux de terrassement. Et à cette époque, il y avait un intérêt si intense pour l'art américain. Il y avait donc beaucoup d'attention à l'endroit où il allait.