Ecrits sur l'image est le premier recueil des textes d'Alain Bergala sur la photographie. Durant plus de quarante ans, l'auteur a questionné le médium et ses acteurs, parmi lesquels Carole Bellaïche, Sophie Calle, Raymond Depardon, Robert Frank, Jean Gaumy, Josef Koudelka, Bernard Plossu, Wim Wenders et bien d'autres. Cet ouvrage est le troisième de la collection TXT, dirigée par Agnès Sire à l'Atelier EXB. Il réunit vingt-sept textes publiés entre 1976 et 2020.

Ecrits sur l'image

La collection Les carnets se propose de revisiter les archives d'un photographe ou d'un collectionneur et d'en extraire des séries thématiques (des faits, des objets, des situations, des évocations...) et transversales (diverses époques, divers lieux, diverses techniques...) ; chaque volume est introduit par un texte du photographe ou fait appel à un écrivain pour dialoguer avec les images.

Periferia - Echos du néo-réalisme

Ce livre s'appuie sur l'histoire de l'art, la narratologie, la  sémiologie et la psychanalyse, ainsi que sur de multiples exemples de films, pour présenter l'essentiel des aspects théoriques et esthétiques du cinéma. L'ouvrage s'articule autour de cinq questions, développées en détail à travers cinq chapitres  : la perception et la forme, le récit, la signification, le dispositif et le  spectateur, l'art. Dans un dernier chapitre, une réflexion plus prospective sur le numérique rappelle que nous vivons une ère hautement évolutive.
Paru initialement en 1983, ce volume résolument interdisciplinaire a  été, pour des générations d'étudiants, l'un des «  classiques  » des études cinématographiques. Remettant l'ouvrage sur le métier une quarantaine d'années plus tard, les quatre auteurs, théoriciens attentifs à la réalité sociale et vivante du cinéma, l'ont enrichi afin que cette 5e  édition d'Esthétique du film prenne en compte les changements survenus, tant dans le cinéma lui-même que dans son étude. Une référence fondamentale toujours indispensable aujourd'hui.

Esthétique du film ; 125 ans de théorie et de cinéma (5e édition)

Le livre indispensable pour les fans d'Isabelle Huppert !

C'est en 1993, alors qu'elle travaille pour les Cahiers du cinéma, que Carole Bellaïche photographie pour la première fois Isabelle Huppert, alors en répétition à Lausanne de la pièce Orlando, mise en scène par Bob Wilson.

Un an plus tard, Carole a la surprise d'être contactée par l'actrice souhaitant être photographiée en Marlène Dietrich pour les besoins d'un film de Louis Malle (qui n'a jamais été réalisé).

Cette séance, magique, marque le début d'une relation photographe-modèle qui ne s'est jamais interrompue.

Femme aux mille visages, Isabelle Huppert partage avec la photographe un plaisir complice de l'image qu'aucune autre actrice ne possède.

Suivront des dizaines de séances et de voyages, dont un au Brésil, tant d'expériences et de moments forts, des photos en studio, dans la rue, dans des cafés, seule ou en famille... Chaque série (dont de nombreuses images inédites) montre un visage différent de l'actrice : elle se transforme, elle est une autre, elle nous échappe, mystérieuse et quotidienne, c'est là sa magie.

Isabelle Huppert

L'œuvre du cinéaste iranien Abbas Kiarostami a été révélée en France en 1990 avec Où est la maison de mon ami ?, Close Up, Et la vie continue, confirmée avec Au travers des oliviers, son premier succès public, sorti en 1995, et consacrée aux yeux du monde entier lors du festival de Cannes 1997 où Le Goût de la cerise a remporté la Palme d'or. Mais que connaissons-nous vraiment de Kiarostami ? Il y a le peintre Kiarostami, il y a le photographe, le poète et le graphiste ; il y a le réalisateur de publicités, de génériques, et de films pédagogiques... Kiarostami est un cinéaste étonnant. Il a la plupart du temps travaillé dans un cadre institutionnel, celui de l'œuvre de commande (ses films sont produits par l'Institut pour le développement des enfants), qui plus est renforcé par un régime politique autoritaire, autrefois celui du Shah d'Iran, aujourd'hui celui de la République islamique. Contrairement à tout a priori, ses films explorent avec une surprenante liberté toutes les hypothèses et toutes les combinaisons possibles pour le cinéma, entre documentaire et fiction, dont Le Vent nous emportera en 1999 et Ten en 2002 sont les exemples les plus récents. Ce livre est un recueil de textes de et sur A. Kiarostami et d'entretiens avec le cinéaste. Il reprend le numéro spécial que lui ont consacré les Cahiers du cinéma, en partenariat avec le festival de Locarno, l'été 1995, et couvre tout son parcours jusqu'aux films et grandes manifestations les plus récentes : rétrospective à Turin, exposition à Barcelone et à Paris. Une filmographie commentée complète l'ouvrage.

Abbas Kiarostami - Textes, entretiens, filmographie complète

Au cinéma, le moment du nu n'est jamais un moment comme les autres. Il s'accompagne, de façon grave ou ludique, solennelle ou enjouée, du sentiment diffus de franchir une frontière, un point de non-retour de la représentation. Epreuve pour l'acteur, dont elle expose l'image la moins protégée qui soit, la nudité représente pour tout cinéaste cet instant de vérité révélateur de son art comme de sa manière. " Montre-moi comment tu filmes le nu, je te dirai quel cinéaste tu es ", pourrait-on lui dire, infailliblement. Le traitement du nu témoigne également des rapports qu'une civilisation (un pays, une idéologie) entretient à un moment de son histoire avec ses tabous, ses refoulements ou ses seuils de tolérance. L'étudier revient donc aussi à dresser l'inventaire d'un siècle d'évolution des mentalités et de subversion des valeurs, vu par le prisme ou le trou de la serrure de ses fantasmes et de ses inhibitions. Livre d'un gai savoir, considérant à la fois Carl Th. Dreyer et Russ Meyer, Marco Ferreri et Jess Franco, un tel ouvrage n'avait pas d'équivalent. Du Bain de la Parisienne à Basic Instinct en poussant par Monika, Mademoiselle Strip-Tease et Sal?, des classiques du burlesque aux plus navrants des nudies et du documentaire aux romans-pornos de la Nikkatsu, du Brésil à la Scandinavie et de Betty Boop à Madonna, de dévoilements en évitements et de prête-corps en ribambelles, de cinéastes pudiques, privilégiant aux ébats sous la couette la nudité en gros plans des mains et des visages, en boucaniers rentre-dedans de la sexploitation, dont on trouvera ici, pour la première fois, la véridique histoire, une encyclopédie du nu au cinéma visite les grands modèles culturels, parcourt tous les genres, observe la nudité dans toutes ses postures, sous toutes les coutures, et dessine une étonnante géographie du corps. A sa manière, elle constitue une première qui aborde une face encore vierge du massif-cinéma. Alain Bergala. Né à Brogmoles (Var). Après dix ans d'activité aux Cahiers du cinéma comme critique, rédacteur en chef-adjoint et directeur de collection, il partage son temps depuis 1983 entre la réalisation, l'écriture et la transmission - dans les trois cas - du cinéma qu'il aime. Cite plus volontiers MacLaine que Marlene et Riz amer que Marienbad. Jacques Déniel. Né en 1953 à Brest. Dirige depuis 1985 le Studio 43 de Dunkerque où il a crée, en 1987, les Rencontres cinématographiques. On lui doit les premières rétrospectives intégrales des films de Kiarostami, Tomes, Monterio. Cite plus volontiers Georges Bernonos et Sonic Youth que Louis Aragon et Peter Gabriel. Patrick Leboutte. Né en 1960 à Berchem-Sainte-Agathe. Peut le prouver. Critique itinérant, il épuisa les médias les plus divers. Directeur de collection aux éditions Yello Now, il a coordonné Cinémas du Québec / Au fil du direct et Une encyclopédie des cinémas de Belgique (avec Guy Jungblut et Dominique Païni). Il enseigne à l'Insas de Bruxelles. Cite plus volontiers Claudio Chhiappucci et le petit Zérard que Gérard Holtz et les pots d'échappement Midas.

Une encyclopédie du nu au cinéma

Le parcours de Jean-Luc Godard, comme celui d'autres grands artistes du XXe siècle, a connu plusieurs " périodes ". C'est sa " première vie en cinéma ", celle des années soixante, a l'époque de la Nouvelle Vague triomphante, qu'a choisi d'explorer Alain Bergala. Cet ouvrage décrit l'éclosion d'une puissance de création et d'inventivité formelle hors norme. Entre 1959 a 1968, qui marque une rupture radicale clans son œuvre, Godard réalise pas moins de 15 longs métrages, et devient immédiatement l'une des figures emblématiques de cette décade prodigieuse. Nombre d'entre eux ont conquis les cinéphiles mais aussi le grand public et comptent parmi les chefs-d'œuvre de l'Histoire du cinéma : A bout de souffle bien sûr, avec Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg, Le Mépris avec Brigitte Bardot et Michel Piccoli, Pierrot le fou avec Jean-Paul Belmondo et Aima Karina, La Chinoise avec Anne Wiazemskv et Jean-Pierre Léaud. Malgré la grande diversité des films de cette période, où Godard explore le cinéma dans tous les sens, on peut en dégager la permanence d'un geste de création fulgurant et une évidente unité d'inspiration pour les films dont Anna Karma, compagne et muse du cinéaste, a été le " modèle ", du Petit Soldat à Made in USA. Ces films de Godard sont devenus mythiques, et la légende a souvent pris le pas sur la réalité. Dès son premier film, Godard s'est forgé une image de créateur novateur et hors normes, provocateur et génial, préservant ainsi une part de mystère sur la réalité de sa méthode de travail. C'est pourquoi le retour à la source opéré ici par Bergala, qui a plongé dans les archives des films, remet en cause bien des idées reçues et apporte un éclairage nouveau sur l'ensemble de l'œuvre.

Godard au travail - Les années 60

L'été 1981, Libération fort de son effervescente recherche d'un nouveau rapport à l'image, commande à Raymond Depardon une image de New York légendée chaque jour du 2 juillet au 7 août. Une petite révolution dans le domaine de la photo est en train de s'accomplir sur la perception et la conscience de la nature du regard du photographe : les correspondances new-yorkaises participent largement à son élucidation grâce aussi à l'attention que lui porte immédiatement Alain Bergala qui y reconnaît un signe fort de ce qui est en train de bouger. Il est alors critique aux Cahiers du cinéma où il nourrit aussi la revue de sa réflexion sur la photo.
Dans l'enthousiasme général, les Cahiers du cinéma, alors dirigés par Serge Toubiana, décident de porter jusqu'au bout le projet d'Alain Bergala d'écrire en regard des photos légendées de Raymond Depardon un texte d'accompagnement qui éclaire leur enjeu. Avec l'adhésion de Serge July, le livre se construit et paraître fin 1981. Ce sera le premier d'une série : " Ecrit sur l'image ". C'est aussi le premier livre édité par les Cahiers du cinéma, " seuls comme des grands ". (En effet, des livres en coéditions avaient été publiés à plusieurs reprises, dont la prestigieuse série chez Gallimard, dirigée par Jean Narboni, et qui était alors en pleine activité.)
Vingt-cinq ans plus tard, Raymond Depardon et Alain Bergala décident de redonner vie à cet ouvrage, épuisé depuis plusieurs années, reconnu et étudié comme un classique dans l'histoire de la photo. Raymond Depardon replonge dans ses archives, refait des tirages, Alain Bergala renoue le dialogue et reprend la réflexion dans un long entretien très illustré  où les deux complices reviennent sur ce qui s'est joué au début des années quatre-vingt et ce qu'il en est advenu depuis.

Correspondance new yorkaise, les absences du photographe

Parce qu'Alain Bergala entretient un dialogue permanent avec le cinéaste, il peut aujourd'hui réunir ses textes pour livrer une vision éclairante de la production récente de Jean-Luc Godard à partir de Sauve qui peut (la vie). Depuis les années quatre-vingt, les films de Godard se succèdent de manière de moins en moins autonome les uns par rapport aux autres, et dessinent plutôt un même projet global. C'est en suivant le cheminement de cette avancée créatrice que l'auteur peut montrer ce que ce travail a d'unique, de ne jamais rien sacrifier des exigences du cinéma dans sa totalité à la seule réussite de l'objet-film. Passion, Prénom Carmen, Je vous salue Marie, For ever Mozart, Hélas pour moi, les Histoire(s) du cinéma sont autant de vecteurs différents de la même recherche, du même geste de création. Suivre Godard " à la trace " : tel aurait pu être le mot d'ordre de ces textes. Mais à la trace encore fraîche, à peine frayée, lorsque l'œuvre vibre de cette belle " incertitude " dont parlait Georges Bataille, lorsqu'il cherchait à replacer chaque tableau de Manet " sous le jour de sa naissance, suspendu comme il fut entre l'incertitude que d'abord il était pour le peintre et la certitude qu'il est pour nous... "

Ecrits sur l'image

Résumé

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