Si la figure vue de dos constitue un motif récurrent dans l'histoire de l'art occidental, elle n'a que rarement fait l'objet d'un traitement spécifique.
Le sujet apparaît pourtant particulièrement actuel au regard du fonctionnement médiatique de notre société contemporaine. En effet, l'anonymat qu'implique la posture de dos, n'est-il pas une manière de déjouer le phénomène massif de dévoilement de soi qu'ont engendré l'usage intensif des médias sociaux et, plus particulièrement, la production quotidienne de milliers de 'selfies'? Plus encore, cet anonymat ne peut-il pas également apparaître comme un acte délibéré de résistance aux innombrables dispositifs de surveillance (par la reconnaissance faciale notamment) qui se sont répandus ces dernières années dans nos cités au point de devenir une menace pour les libertés individuelles ? A l'exemple des artistes contemporains qui questionnent la dimension subversive d'une telle posture, le présent ouvrage entame une réflexion sur les intentions que soulève cette position critique vis-à-vis du fonctionnement des images de soi ou de la place des individus dans l'espace public.

Vu-e de dos ; l'image à contre-courant

Douglas Huebler (1924-1997) est une figure pionnière majeure de l'art conceptuel qui émerge à la fin des années 1960 avec Robert Barry, Joseph Kosuth et Lawrence Weiner. Mais la richesse et l'originalité de son travail sont difficilement réductibles à ce seul mouvement artistique. L'influence qu'exerce aujourd'hui l'uvre de Huebler, représentée dans tous les musées et les collections d'art moderne, témoigne d'une grande reconnaissance dont ne semble pas rendre encore suffisamment justice le paysage éditorial.
L'ambition de ce livre est tout d'abord de se pencher sur le travail de cet artiste afin d'en dégager et d'en préciser la singularité par delà le cadre rigide auquel on le réduit encore trop souvent. Il offre la possibilité de réévaluer l'art des années 1960 et 1970 à la lumière de la démarche de Huebler et d'aborder des thèmes fondamentaux, tels que les rapports de l'art et de la société, les questions liées à l'histoire et à la fiction, les problèmes du contrôle systématique et de l'absurdité aléatoire, mais encore le hasard, l'humour ou le mystérieux ; autant de notions rarement mises en relation avec l'art conceptuel.
Enfin, ce livre invite à s'interroger sur la réception du travail de Huebler, et sur l'attraction qu'il suscite auprès des artistes contemporains, comme des théoriciens et des historiens aujourd'hui.

L'art de Douglas Huebler

Une étude sur la notion de sculpture telle qu'elle s'est trouvée problématisée aux États-Unis entre les années 1960 et 1970, à partir du travail de quatre artistes ayant oeuvré au lendemain immédiat de l'avènement de l'art minimal : Mel Bochner, Robert Morris, Richard Serra et Robert Smithson.
Dans un article publié en 1966, un texte adroit et subtil, quoique pris dans bien des contradictions encore au regard du cheminement intellectuel qui devait être celui de la critique et historienne de l'art, Rosalind Krauss sut avec intuition nouer ensemble nombre des thèmes qui, au cours des années à venir, allaient polariser réflexions et débats autour de la sculpture. Le texte est consacré au travail de Donald Judd, figure majeure de l'art minimal tout récemment porté aux nues.
Cette étude d'Anaël Lejeune porte sur la notion de sculpture telle qu'elle s'est trouvée problématisée aux états-Unis durant la seconde moitié des années 1960 et au début des années 1970. Singulièrement, elle envisage le travail de quatre artistes ayant oeuvré au lendemain immédiat de l'avènement du minimalisme : Mel Bochner, Robert Morris, Richard Serra et Robert Smithson. À travers leur pratique et leurs écrits, ces quatre artistes ont en effet articulé une pensée du médium sculptural à partir d'une dialectisation de deux points de vue ou modes d'appréhension de son objet que sont, d'une part, la vue surplombante ou totalisante, soit le géométral, et d'autre part, sa perception fragmentaire et contingente au sol, soit le profil, notamment thématisé sous les traits de la vue perspective. La régularité avec laquelle ces artistes ont eu recours à ce modèle ne peut manquer de signaler la capacité dont ils le jugeaient apte à rendre compte des enjeux spécifiques soulevés par l'objet sculptural et l'appréhension de sa spatialité. Concomitamment, en analysant tour à tour les modalités par lesquelles les oeuvres thématisent leurs propres conditions d'existence et d'apparition, les réflexions écrites qui s'y adossent, et les outils philosophiques convoqués à l'appui de propositions artistiques, cette étude entend rendre sensibles certains des processus par lesquels s'élabore une forme de théorie à l'oeuvre.

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