Avec ce nouveau livre, Arnaud Claass revient à la forme du recueil de textes brefs. Ces notes décrivent l'exercice infatigable de son attention visuelle. Tour à tour photographe au travail, marcheur dans la nature ou dans les rues, iltente de clarifier les conditions de son expérience. Il revient également sur des oeuvres photographiques en premier lieu, mais aussi picturales, cinématographiques, vidéographiques ou relevant des nouvelles technologies, vues ou revues en galerie, au musée, sur la page, à l'écran. Comme toujours, son écriture se prolonge ici et là, au gré d'une pensée vagabonde, par des développements plus serrés : il aborde aussi bien ses perplexités quant au devenir des paysages qu'il traverse, à l'évolution du jugement de goût, au système de l'art et de son enseignement, que sasidération devant le traitement de l'actualité à chaud par les grands médias. Plus que jamais, bien plus qu'au strict domaine de l'art, c'est à la centralité de la photographie qu'il s'adresse ici, dans toute son amplitude, commemoyen de considérer le monde et comme objet de notre propre considération.

La considération photographique - Notes 2012-2016

Photographies 1968-1995

La figure mythique de Robert Frank a infléchi l'histoire de la photographie et du cinéma. Son oeuvre, exemple rare de fusion entre récit du monde et récit de soi, a contribué à démolir des catégories de jugement devenues obsolètes. Arnaud Claass médite sur l'intensité si singulière des images de l'artiste et sur ses exigences formelles. Il examine les chemins qu'il a suivis et les univers visuels et littéraires qui l'ont nourri. Il scrute sa quête d'authenticité, son rapport à l'exil et à l'espérance, ses complicités intellectuelles. Au-delà du bouleversement opéré par Les Américains puis par The Lines of My Hand, l'opposition de Frank au modèle surplombant du photographe-cinéaste comme prétendant à la vérité se maintient à travers plus de soixante années de création. C'est pourquoi son travail continue d'être une référence pour d'innombrables jeunes artistes rétifs aux commandements académiques de notre temps.

Essai sur Robert Frank

Ce livre aborde la façon dont les images photographiques les plus captivantes sont habitées par le mouvement du temps et des choses. La passion inentamée, et même accrue, dont elles sont l'objet, y compris chez un jeune public rompu aux technologies les plus récentes, est due en grande partie à leur étrange pouvoir d'animation interne. Il y a une éloquence de la mobilité dans le mutisme de l'image fixe. Fixe ? Mais l'est-elle vraiment ? A son meilleur, la photographie procure justement le plaisir inépuisable d'une image (ou de tout objet) immobile, mais contenant le mouvement physique et temporel à l'état implicit : trouble attaché à la dynamique lorsqu'elle est suggérée plutôt que montrée. Le caractère répétitif et infécond de beaucoup de réflexions sur la différence entre la fixité des photographies et le flux des images en mouvement tient dans le présupposé d'une inertie de l'instant, opposée à l'"écoulement" du temps. On a souvent assimilé l'image photographique à une unité extraite du déroulement d'un film. Symétriquement, une vision commode a persisté à voir dans la photographie une sorte de cinéma en puissance. Il n'est ici nullement question de remettre en cause l'importance de l'art cinématographique ou de la vidéo. Il s'agit plutôt d'interroger un stéréotype portant sur la stabilité de l'image fixe. Il a souvent été dit que la photographie est un art du temps. Ce livre examine la diversité des relations entre l'une et l'autre. Dans les images - et autour d'elles - il y a bien "du" temps, comme on dit qu'il y a "de" l'espace. Elles sont moins fixes qu'il n'y paraît, car elles ont une merveilleuse aptitude à suggérer le mouvement de la durée ou des choses. La réflexion ne porte pas ici sur des oeuvres se donnant explicitement pour objet la question du temps, quel que soit leur intérêt. Elle tente plutôt de saisir comment l'enregistrement des apparences éclaire notre expérience temporelle, surtout lorsque tel n'est pas son but déclaré. Les oeuvres évoquées ont donc été choisies dans un registre du médium fort diversifié, plus étendu que celui généralement envisagé par le savoir spécialisé de l'histoire de l'art moderne ou contemporain.

Du temps dans la photographie

Gordon et le mouton

Heure locale

Les images de Nuit optimale ont été faites entre septembre 2004 et mai 2005, de nuit et en milieu urbain. Le photographe a enregistré des sources de lumière artificielle, oscillant entre un lointain écho de réalisme descriptif et les frontières de l'abstraction, grâce à une dénégation constante de la mise au point. Comme dans Mémoire vive, son livre précédent, les images sont accompagnées de notes écrites durant la période de prise de vues, sur un mode plus bref toutefois, en correspondance avec le vagabondage des pensées rendu possible par l'errance nocturne.

Nuit optimale

Présents dans ce volume, William Klein et Robert Frank peuvent être crédités d'une rupture décisive : pour certains, ils ont, dans les années 1950, fait entrer la photographie dans sa phase contemporaine. Leur approche expressive a contribué à libérer la saisie du réel d'un souci de transparence et ouvert la voie à des auteurs singuliers dont certains sont réunis dans cet ouvrage : Raymond Depardon, dont la pratique est indissociable du reportage ; Arnaud Claass, au regard contemplatif et littéraire ; Ralph Gibson, trop méconnu, dont les compositions, aussi étranges que simples, traduisent une inquiétude ; enfin, Antoine d'Agata, qui envisage la photographie comme un "art martial". En filigrane de ce volume - le Suisse Robert Frank s'étant installé aux Etats-Unis, l'Américain William Klein en France, les deux ayant aussi réalisé des films, tout comme Raymond Depardon et Antoine d'Agata -, les itinéraire des uns et des autres permettent de revenir sur les relations photographiques transatlantiques et de développer une réflexion sur les rapports entre photographie et cinéma.

La photographie - Tome 2, Ecritures subjectives

Sans que nous en ayons toujours conscience, nos yeux exercent une forme d´intelligence immédiate. Au fil du hasard, ils ne cessent de se laisser captiver à tout moment. L´intuition photographique examine l´art de traduire en images ces moments de présence. Arnaud Claass y commente son activité d´observateur de la vie, des impressions visuelles, des pensées. Une rue londonienne, un orage à Venise, une image de reportage vue dans la presse, des visites d´expositions, des errances à travers la campagne, la méditation sur un concept, des films du cinéma indépendant ou grand public, la photographie africaine contemporaine, les étrangetés du système de l´art : tels sont certains des sujets abordés. À ce texte viennent s´ajouter, sur un registre nettement plus introspectif, les brèves notes de Regard perdu. L´auteur y cerne les conséquences provoquées sur la nature de son regard par la perte récente de son épouse Laura.

L'intuition photographique : notes 2016-2020 ; regard perdu

Né à New York en 1890, Paul Strand restera dans l’histoire de l’art photographique comme celui qui a fait basculer la photographie dans l’ère moderne. Il personnifie par excellence la figure de l’artiste d’avant-garde, pleinement engagé dans la vie sociale de son temps, qui impose une vision nouvelle à force de recherches et d’innovations. Formé par Lewis Hine et remarqué dès 1906 par Alfred Stieglitz auquel le liera une longue amitié, Paul Strand est, avec celui-ci, l’artiste qui symbolisera la critique et la fin du célèbre mouvement pictorialiste et de son esthétique picturale qui avait marqué depuis plusieurs décennies l’adolescence de la photographie. Influencé par le cubisme et le fauvisme, attiré par les oeuvres de Picasso, Braque ou Brancusi, Paul Strand s’intéresse à l’abstraction et au formalisme, sans négliger la dimension sociale de la photographie documentaire. Considéré comme un chef-d’oeuvre de la photographie, La barrière blanche, qu’il réalise en 1915, annonce une nouvelle ère de l’image fixe et l’émergence du courant inédit de la Straight Photography (“La photographie pure”) dont il deviendra le chef de file. À la fin de la première guerre mondiale, que Paul Strand effectuera dans un hôpital militaire, la Straight Photography impose internationalement sa révolution de la perception de l’objet et du champ de la photographie.
Il n’est alors plus question de tenter d’inscrire la photographie dans l’art pictural par des procédés surannés mais, bien au contraire, de s’appuyer sur la particularité objective du médium et de ses dispositifs pour imposer une esthétique spécifique faite de netteté, de précision du détail, de rigueur du cadrage et de structuration par la seule lumière. La photographie est désormais libre de ses choix. Elle peut appliquer son art propre à une infinité de sujets qui vont de l’objet singulier au mouvement de la vie urbaine, en passant par une forme nouvelle d’abstraction. L’oeuvre de Paul Strand illustre à la perfection la richesse et la diversité de cette “nouvelle objectivité”. Expérimentant également le cinéma d’avant-garde à visée sociale, Paul Strand bénéficie dès la fin de la Seconde Guerre mondiale d’une reconnaissance internationale, et voyage à travers l’Europe en
poursuivant ses recherches. Victime du maccarthysme en raison de ses opinions communistes,
il choisit de s’installer en France, on se souvient de sa complicité avec l’écrivain Claude Roy, où il continue travaux et voyages et où il meurt en 1976. Si, comme l’affirme l’historien Peter C Brunnell, “la nouveauté de la perception est ce qui caractérise l’avant-garde moderne”, l’oeuvre de Paul Strand, déployée sur presque soixante années, incarne à elle seule la notion d’avant-garde rapportée à la photographie.

Paul Strand

Ce livre rassemble des réflexions sur les particularités évolutives de la photographie et sa relation aux autres arts visuels, à la littérature, à la vie artistique et culturelle. Il ne constitue pas une thèse mais un écrit d'artiste traversé par des lignes théoriques. Son idée centrale : la photographie n'est pas une entité fixe, mais elle présente des singularités qu'on ne saurait ignorer.Cet essai comprend un certain nombre d'images historiques ou contemporaines où sont convoquées en exemples et font l'objet d'un bref commentaire.

Le réel de la photographie

Avec Mémoire vive, Arnaud Claass publie son dernier ensemble photographique en couleurs, produit entre 2001 et 2004.
Son regard se porte sur une grande variété de motifs : lieux et objets du monde contemporain et fragments de nature rendus solennels par leur évidence même.
Pour la première fois, l'auteur fait apparaître, dans le même volume et à masses égales, ses images et ses textes, posant ainsi une lumière nouvelle sur sa double activité de description et de méditation, visuelle et verbale.

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