L'arrivée au cinéma du numérique et de ses possibilités technologiques (le morphing, la motion puis la performance capture...) a donné lieu à l'annonce pessimiste de la disparition des acteurs et de leur remplacement par des avatars. Cependant, il a pu être observé dans le cinéma ayant recours à ces techniques un retour de trois « refoulés » actoraux : ceux de la scène de spectacle vivant, du cinéma classique et du corps organique, voire de l'animalité. En partant de ce paradoxe entre présence et absence du corps de l'acteur, cet ouvrage interroge les conséquences du numérique sur le jeu et l'analyse du jeu de l'acteur de cinéma. À travers notamment quelques études de cas - d'Andy Serkis à Hugh Jackman, en passant par Scarlett Johansson ou Robin Wright -, les textes réunis dans ce volume mettent en lumière la relation entre des techniques numériques et le jeu des acteurs qui s'en emparent, les personnages, les personas, et les récits qui en découlent. Ils esquissent le portrait d'un cinéma dual, tiraillé entre une volonté de modernité et le retour presque inconscient de formes théâtrales, classiques et organiques, où l'acteur s'affirme comme un élément essentiel de la création, contredisant la perception du cinéma numérique comme une forme artistique l'assujettissant à une technologie prédominante.

Paradoxes sur l'acteur numérique

Coup de tonnerre du Festival de Cannes 1973, La Maman et la Putain est d'abord apparu comme emblématique du cinéma post-68, abordant sur un ton délibérément provocateur les thèmes du moment : liberté sexuelle, émancipation des femmes, crise de l'autorité masculine... Année après année, sa gravité et son intemporalité se sont affirmées et son aura ne se dément pas auprès des nouvelles générations, si bien que même difficilement visible, le film de Jean Eustache occupe aujourd'hui le tout premier rang des chefs d'oeuvres du cinéma français. Pourtant, La Maman et la Putain reste un film méconnu et énigmatique, porté par la douleur amoureuse et la pulsion de mort d'Eustache, qui à travers une intrigue éminemment intime met à nu les impasses politiques et sociales auxquelles les illusions de 68 ont mené. Le présent ouvrage réunit des chercheurs venus d'horizons différents qui, par une pluralité d'approches et d'analyses, mettent en lumière la richesse et la complexité de ce film fondateur.

La Maman et la putain de Jean Eustache - Politique de l'intime

Les neuf films nés de la collaboration entre Carlos Saura et Geraldine Chaplin constituent l'oeuvre d'une entité créatrice duelle. De 1967 à 1979, de Peppermint Frappé à Mamá cumple cien años, l'actrice anglo-américaine passe du statut de jeune espoir à celui d'une artiste accomplie et conçoit petit à petit son métier non plus dans la soumission au regard du réalisateur, mais dans une collaboration équilibrée avec ce dernier, tandis que le cinéaste espagnol, au fil de dix opus dont un seul ne sollicite pas Geraldine Chaplin, s'affirme comme l'auteur de sa filmographie.
Dans cette collaboration de douze ans, la persona de l'actrice s'accomplit essentiellement avec Carlos Saura, mais aussi avec Jacques Rivette, James Ivory et le binôme Robert Altman-Alan Rudolph. Au-delà, cette collaboration privilégiée entre Carlos Saura et Geraldine Chaplin est emblématique d'une évolution artistique, théorique et sociale quant à la représentation des femmes au cinéma et à la place accordée et/ ou conquise par les actrices dans ce milieu professionnel.

Les films de Carlos Saura et Geraldine Chaplin : entre correspondance et identification

Alors que le corps humain est plus que jamais au centre d'enjeux sociétaux, cet ouvrage engage une réflexion sur les représentations du corps et de ses territoires dans les oeuvres. A mi-chemin entre miroir du monde et origine de nouvelles perceptions, les créations nous parlent de la place du corps dans la société, en s'exposant comme territoires textuels qui donneraient formes corporelles aux oeuvres. Les corps et les territoires s'y rencontrent, s'y affrontent, s'y (re)trouvent, pour transmettre des émotions que seul l'art peut nous faire ressentir. Les créations assurent ainsi un lien entre corps évoqués et notre réalité corporelle, et cette dernière s'en trouve projetée avec force dans le monde. Le rapport entre corps, territoire et art, toujours actif, n'en est pas moins instable. C'est ce rapport et ses fluctuations que les auteurs de cet ouvrage mettent en lumière, à travers les aires géographiques, les époques et les expressions artistiques.

Corps et territoire - Arts et littérature à travers l'Europe et l'Amérique

" Je ne sais pas tout jouer. Et je ne le veux pas ", a déclaré Isabelle Adjani. Nul doute que cette conception du métier relève d'une profession de foi tant l'actrice l'a respectée tout au long de sa carrière. Cependant, si Isabelle Adjani se tourne naturellement vers les héroïnes qui interpellent son imaginaire, sa filmographie présente un caractère unitaire dont l'explication est à chercher ailleurs que dans une simple typologie des personnages. En " constituant une parole " pour l'actrice, ces héroïnes entretiennent un lien intime qui les réunit au-delà de leurs personnalités contradictoires et de leurs histoires, souvent à travers une figure adverse, qui fait obstacle à un processus de développement personnel et d'affirmation de soi. Dans cet ouvrage, nous revenons sur la filmographie d'Isabelle Adjani pour définir cette figure et interroger son importance au coeur de l'oeuvre, en la confrontant à d'autres grands motifs comme les amours tragiques ou la création artistique. Nous verrons notamment que le thème de la filiation peut évoquer de manière métaphorique la place occupée par les actrices au sein de la création filmique, entre créatrices affirmées et créatures marquées à jamais par l'empreinte d'un cinéaste pygmalion, d'autant plus que les relations qu'a entretenues Isabelle Adjani avec ses réalisateurs - depuis le regard fondateur de François Truffaut - ont plus d'une fois déterminé la création de ces oeoeuvres cinématographiques. Dès lors, les films d'Isabelle Adjani sont traversés par une pensée. Selon la célèbre Politique établie par les Cahiers du cinéma dans les années cinquante, nous pourrions dire qu'Isabelle Adjani est un auteur. S'il ne fait pas d'elle un cas unique, ce phénomène a rarement été poussé aussi loin. Replongeons dans ces films pour faire surgir son auteur d'entre les mots et les images et rendre hommage à la pertinence et la puissance d'une démarche artistique, qui avec le temps a fait passer Isabelle Adjani du statut de star à celui de mythe.

Isabelle Adjani - Un mythe de l'incarnation

A partir de Belle de Jour en 1967, Luis Bunuel quitta définitivement le cinéma mexicain pour tourner en France et, parfois, en Espagne. L'étude de ce film et des cinq autres qui suivirent - La voie lactée (1969), Tristana (1970), Le charme discret de la bourgeoisie (1972), Le fantôme de la liberté (1974), Cet obscur objet du désir (1977) -, comparés aux premiers opus surréalistes et aux oeuvres mexicaines, permet de voir comment les lieux et les conditions de production ont déterminé l'expression artistique du cinéaste. Parmi les caractéristiques uniques qui justifient la constitution du corpus, ces films manifestent une écriture aux nombreuses références intertextuelles qui situent la poétique bunuelienne entre culture française et culture espagnole, et qui, associées à des rêves et d'autres récits secondaires, constituent des espaces filmiques complexes et paraissent proposer au spectateur de rechercher une vérité à tout jamais insaisissable. Les aspects testamentaires de ces dernières oeuvres sont une autre caractéristique. Au-delà d'une simple position rétrospective et syncrétique qui apprécie ces films par rapport à l'ensemble de la filmographie, cette composante testamentaire, mise en relation avec les autres particularités de la période, semble bien indiquer l'aboutissement d'une pensée cinématographique.

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