Monographie de référence richement illustrée, avec cinq essais.

Anna-Eva Bergman

Pensée dans une perspective internationale ouverte sur l'Europe au sens le plus large (pays scandinaves et Europe de l'Est compris) et sur l'Amérique du Nord, cette ambitieuse synthèse revisite plus d'un siècle de création (1789-1914). Rompant avec le découpage classique "peinture/sculpture/ architecture/arts décoratifs/photographie", elle envisage une approche transversale élargie. Le XIXe siècle est, en effet, le moment où se développe une réflexion théorique et où s'amorce une véritable démocratisation de l'art, des oeuvres, du patrimoine. La formation des artistes, les réformes du Salon, l'émergence du marché de l'art, l'inflation de la critique, la naissance du musée, la conception de l'architecture et de l'urbanisme, la sculpture publique, le développement de la photographie... sont autant de dimensions où est impliqué le public auquel les oeuvres sont destinées. De "l'art pour l'art" à "l'art pour tous", les artistes modernes ou académiques se trouvent confrontés à la nécessité de promouvoir leur création, de l'exposer, de la diffuser. Avec près de 700 illustrations, cet ouvrage fait donc l'état des connaissances actuelles sur l'art du XIXe siècle et donne au lecteur à réapprécier ses chefs-d'oeuvre, mais aussi à découvrir les visages internationaux de la modernité qui s'y distinguent.

L'art du XIXe siècle - L'heure de la modernité 1789-1914

En s'attachant à l'étude des slogans, des images et des graphies, ce livre propose d'interroger l'insubordination graphique des années 68. Dans une perspective de mobilisations collectives et de circulations internationales des idées, un véritable régime visuel s'est constitué durant cette période. Influencés par le tiers-mondisme, le pacifisme, le guevarisme et le maoïsme, de nouveaux codes d'expression se définissent, dans de nouveaux lieux (rues, palissades, usines, universités, barricades), par des motifs récurrents (le poing dressé, l'usine, les chaînes brisées, les moutons, De Gaulle), mais aussi à travers une terminologie ciblée (la chienlit, la lutte, les pavés, la beauté). Des affiches des ateliers populaires des Beaux-arts aux photographies de Gilles Caron, Henri Cartier-Bresson, Bruno Barbey en passant par les dessins de Siné, Willem, Topor, Crumb... sans oublier les collectifs d'artistes français et internationaux, cette étude passionnante permet de mieux comprendre les images de cet incontournable "moment 68".

Le trait 68 - Insubordination graphique et contestations politiques 1966-1977

Caricaturer, c'est charger : donner du poids - carico en italien - ou du relief, alourdir ou appuyer, insister ou exagérer. C'est aussi charger une arme à feu ; façon de considérer la caricature comme une arme capable de toucher, blesser, égratigner mais sans jamais tuer, pour attaquer sans relâche la victime offerte aux assauts répétés du dessinateur qui conduit la charge. L'acception du terme s'est forgée au croisement de ces deux usages aujourd'hui confondus, tandis que la critique et la raillerie ont annexé la caricature. Mais, banalisé, voire galvaudé, le mot est devenu imprécis, à force d'essayer de recouvrir l'hybridité d'un objet qui, depuis deux siècles, n'a cessé de se développer et de se déplacer, en modifiant ses formes, sa syntaxe et ses ambitions. Maligne et subversive, la caricature est réduite à une entreprise de sape, de régression et de destitution, physique, morale ou symbolique. Sa grammaire irrespectueuse et transgressive incite à l'oublier, à l'euphémiser - on parle de " satire graphique ", de " dessin de presse " ou de " dessin d'actualité " -, d'autant que l'actualité qui satisfait son insatiable appétit la condamne à l'éphémère. De Daumier à Cabu, de Gill à Effel ou de Sennep à Plantu, les vocables de la caricature et les pratiques des caricaturistes attestent de permanences et d'héritages, de mutations et de ruptures qui font la vivacité d'un mode d'expression souvent donné pour mort ou moribond, mais renaissant et résistant, indomptable et irrépressible. C'est ce que prétend montrer cet ouvrage qui, n'étant ni une histoire de France par la caricature ni une histoire chronologique de la caricature, propose des approches transversales au long cours, où la caricature est observée de la Révolution française à l'an 2000.

A la charge ! - La caricature en France de 1789 à 2000

André Gill caricaturiste - Derniers dessins d'un fou à lier

Rêver la société pour la changer en cité idéale et participer à l'avènement d'un monde nouveau. Ce fut le désir de nombreux artistes, qui ne furent pas tous des figures d'avant-garde. Cette ambition a parcouru tout le XIXe siècle, mais elle occupa une place singulière et méconnue sous la IIIe République, entre le souvenir de la Commune de Paris et l'Union sacrée de la Grande Guerre. Portrait collectif d'une génération de peintres et sculpteurs du Paris fin-de-siècle, le livre examine le rôle et la fonction d'artistes tels Rodin, Luce, Pissarro, Gallé, Gérôme, Toulouse-Lautrec, Signac, Prouvé ou Guitry. Convaincus de la performativité de leurs ouvres, ils s'érigèrent en bâtisseurs d'art et réinventeurs de l'histoire, en fondateurs d'un art social et combattants de la vérité.

Bertrand Tillier est professeur d'histoire contemporaine à l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et chercheur à l'IDHES, où il enseigne la culture visuelle et l'histoire des médias. Il a dirigé l'ouvrage: L'art du XIXe siècle, L'heure de la modernité (Citadelles & Mazenod, 2016) et publié notamment chez Champ Vallon La Commune de Paris, révolution sans images? Politique et représentations dans la France républicaine (1871-1914) (2004) et Les Artistes et l'affaire Dreyfus (1898-1908) (2009).

L'artiste dans la cité (1871-1918)

Depuis la Révolution française au moins et jusqu'au mouvement Black Lives Matter, les sociétés contemporaines n'ont cessé de s'en prendre aux monuments et statues de grands hommes érigés sur la place publique par des détournements, déboulonnages ou destructions divers. De la colonne Vendôme en 1871 aux figures contestées de l'esclavagisme et du racisme, en passant par les effigies de Staline ou de Lénine après la chute du communisme, les statues de dictateurs abattues lors des Printemps arabes, cette mise à mal interroge l'anthropologie de ces répertoires d'action, les discours historiques que ces monuments cristallisent et la fabrique d'événements désormais mondialisés.

La disgrâce des statues - Essai sur les conflits de mémoire, de la Révolution française à Black Lives Matter

Alors que la guerre de position figeait les fronts, les combattants s'adonnèrent à une intense activité artisanale et artistique destinée à tromper l'attente et le cafard. A l'aide d'un outillage de fortune et de matériaux issus de la guerre industrielle - l'aluminium des fusées, le laiton des douilles d'obus de tous calibres, les éclats de projectiles... -, ils conçurent avec ingéniosité des bijoux et des bibelots. Leurs formes, leurs motifs et leurs inscriptions, le souci décoratif dont ils étaient investis - à la flexion d'un naturalisme naïf, d'une recherche d'expressivité et de l'Art nouveau désormais acculturé - trouvaient leurs sources dans une perpétuation de l'art populaire et dans l'expérience brutale de la guerre moderne. Très en vogue sur le front où elle contribua à structurer relations et sociabilités, et à l'arrière où ses amateurs étaient nombreux, cette pratique condensa des valeurs sociales, des enjeux artistiques et des projections psychanalytiques que cet ouvrage interroge. Ce qu'on qualifie sans doute trop rapidement de bricolage ou d'artisanat a constitué une culture matérielle et visuelle, qui a été l'objet d'une patrimonialisation et qui irrigue encore l'art contemporain et actuel.

Déjouer la guerre ? - Une histoire de l'art des tranchées (1914-1918)

L'image, les images et les représentations, qu'elles soient matérielles ou mentales, sont au centre des essais réunis dans ce volume, qui couvre un vaste domaine allant du cinéma soviétique aux addictions, des imaginaires parisiens aux feuilletons télévisés, des figurations du crime aux mises en scène de l'histoire, autour d'une notion : les " circulations ". Celles-ci se déploient entre les supports, passant de l'écrit et de la scène à l'écran, mais aussi du cinéma à la télévision ; d'autres s'opèrent d'un siècle à l'autre, des chroniques judiciaires du XIXe siècle et des faits divers criminels du passé à la télévision des décennies 1950 et 1960. Ces circulations concernent aussi des créateurs arpentant le passé au tamis de leurs sensibilités et de leurs mémoires multiformes, s'inspirant de ce qu'ils ont vu ailleurs et avant et se transportant d'un espace à un autre, accompagnés de leurs souvenirs. D'autres circulations valent encore pour des personnages de feuilletons télévisuels amalgamant des traces documentaires et des constructions fictionnelles. Enfin, ces circulations imbriquent représentations et usages, propageant les oeuvres auprès des publics qui les lisent, les voient ou les entendent, selon des dispositifs de médiation changeants et kaléidoscopiques par lesquels un lecteur, un spectateur et un auditeur d'une même oeuvre n'accèdent jamais tout à fait à une même adaptation. Au gré des retraitements et des modifications, c'est une épistémologie des circulations qui s'élabore et permet de comprendre qu'au coeur de l'Histoire, l'image, qu'elle soit fixe ou animée, est toujours mobile.

Des histoires, des images - Mélanges offerts à Myriam Tsikounas

Rêver la société pour la changer en cité idéale et participer ainsi à l'avènement d'un monde nouveau. Ce fut le désir de nombreux artistes, qui ne furent pas tous des figures d'avant-garde. Si cette ambition a parcouru tout le XIXe siècle et fut ravivée par chaque révolution, elle occupa une place singulière et méconnue sous la Troisième République, entre le souvenir de la Commune de Paris et l'Union sacrée de la Grande Guerre. Construit en portrait collectif d'une génération de peintres et sculpteurs du Paris fin-de-siècle, ce livre examine le rôle et la fonction d'artistes tels Rodin, Luce, Pissarro, Gallé, Gérôme, Toulouse-Lautrec, Signac, Adler, Prouvé ou Guitry. Convaincus de la performativité de leurs oeuvres, ils s'érigèrent en bâtisseurs d'art et réinventeurs de l'histoire, en fondateurs d'un art social, en défenseurs de causes ou combattants de la vérité, dont les armes étaient leurs oeuvres conçues comme des proclamations, des contestations ou des revendications, données à voir en République.

En 1936, le magazine illustré de la BBC The Listener sollicitait l'économiste John Maynard Keynes pour introduire une série d'articles formant une enquête internationale sur les rapports entre l'Art et l'Etat, en Europe et aux Etats-Unis. A l'heure où le nazisme et le stalinisme s'étaient établis et étendaient leur influence, tandis que la guerre d'Espagne cristallisait nettement les tensions entre le fascisme et la démocratie, il s'agissait pour The Listener d'offrir à ses lecteurs un panorama des politiques artistiques contemporaines et de leur permettre de réfléchir à la nécessaire distinction entre art et propagande. C'est dans cette perspective qu'il faut relire aujourd'hui le feuilleton de cette enquête, inédite en français, où se croisent d'un côté la parole officielle d'un urbaniste soviétique (Nikolay Milyutin), d'un dignitaire de l'Allemagne nazie (Hans Hinkel) et du poète futuriste Marinetti au nom de l'Italie mussolinienne, et de l'autre, les réflexions du philosophe américain Lewis Mumford, du critique d'art anglais Clive Bell (membre du groupe d'esthètes de Bloomsbury, à l'instar de Keynes) et du byzantiniste français Georges Duthuit, le gendre de Matisse, qui évalue ici la politique culturelle du Front populaire.

L'art et l'Etat - Une enquête de la BBC en 1936

Le Siège et la Commune de Paris, 1870-1871

Alors que la guerre de position figeait les fronts, les combattants s'adonnèrent à une intense activité artistique destinée à tromper l'attente et le cafard. À l'aide d'un outillage de fortune et de matériaux issus de la guerre industrielle - l'aluminium des fusées, le laiton des douilles d'obus de tous calibres, les éclats de projectiles... -, ils conçurent avec ingéniosité des bijoux et des bibelots. Leurs formes, leurs motifs et leurs inscriptions, le souci décoratif dont ils étaient investis - à la flexion d'un naturalisme naïf, d'une recherche d'expressivité et de l'Art nouveau désormais acculturé - trouvaient leurs sources dans une perpétuation de l'art populaire et dans l'expérience brutale de la guerre moderne. Très en vogue sur le front où elle contribua à structurer relations et sociabilités, et à l'arrière où ses amateurs étaient nombreux, cette pratique cristallisa des valeurs sociales, des enjeux artistiques et des projections psychanalytiques que cet ouvrage interroge. Ce qu'on qualifie sans doute trop rapidement de bricolage ou d'artisanat a constitué une culture matérielle et visuelle, qui a été l'objet d'une patrimonialisation et qui irrigue encore l'art contemporain et actuel.

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