Méconnue du grand public comme des spécialistes, la collection de dessins du musée des Arts décoratifs est pourtant l'une des plus riches du monde. Elle compte près de 200000 oeuvres, qui s'échelonnent du XVe au XXIe siècle et s'étendent jusqu'au Japon. Son importance et ses contours sont le fruit de l'histoire singulière de cette institution créée en 1864 par des industriels, des fabricants, des créateurs et des collectionneurs généreux. Les esquisses de grands maîtres, comme Le Brun, Watteau, Fragonard et Degas, côtoient les dessins d'architectes et de décorateurs, tels Mallet-Stevens ou Chareau, et les productions d'ébénistes on de maisons de joaillerie et de couture. Des artistes attachés au musée lui ont offert une sélection de leurs oeuvres, ponctuelle pour Rodin, large pour Dubuffet, voire la totalité de leur fonds graphique, pour Emilio Terry ou Jean Royère.

Le dessin sans réserve : Collections du Musée des Arts décoratifs

Charles Le Brun (1619-1690)

C'est un fait remarquable et pourtant peu connu : le Cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale de France peut s'enorgueillir d'une des plus belles collections de dessins français du XVIIe siècle. D'une très grande richesse, celle-ci couvre tout le siècle, du règne d'Henri IV jusqu'à la mort de Louis XIV. Outre des dessins de peintres illustres bien représentés dans les collections publiques, de Martin Fréminet à Simon Vouet et Charles Le Brun en passant par Michel Corneille le père ou Philippe de Champaigne, elle abrite de nombreux dessins de graveurs, tels Jacques Callot, Sébastien Leclerc, Jean et Pierre Lepautre ou encore Robert Nanteuil, tous aquafortistes ou burinistes de grand talent. Dans les genres les plus divers (portrait, paysages, "modes", compositions funéraires, projets architecturaux, illustrations d'almanachs, images satiriques), ces dessins donnent une image éclatante, foisonnante et originale du Grand Siècle, trop souvent appréhendé par le seul biais de la peinture d'histoire et de ses représentants. Publié à l'occasion de l'exposition "Dessins français du XVIIe siècle", présentée au printemps 2014 à la Bibliothèque nationale de France, cet ouvrage met l'accent sur une centaine de chefs-d'oeuvre issus de ce fonds exceptionnel. Somptueusement illustré, signé par les plus grands spécialistes, il séduira les connaisseurs désireux d'apprécier la qualité d'oeuvres souvent inédites ou nouvellement attribuées, ainsi que les amateurs, qui trouveront là matière à cultiver leur goût pour l'extraordinaire richesse de la scène artistique du XVIIe siècle français.

Dessins français du XVIIe siècle - Collections du département des Estampes et de la Photographie

L'un des principaux acteurs du bouillonnement artistique de la Rome du XVIIe siècle, dont les effets se font sentir aussi bien à Florence qu'à Paris et plus encore à Versailles. Pietro Berrettini da Cortona (1597-1669) compose avec Bernini et Borromini la triade des grands maîtres du Baroque romain. Au service de trois papes successifs, Urbain VIII, Innocent X et Alexandre VII, il a profondément transformé l'art de peindre dans la Ville éternelle, enrichissant la leçon d'Annibale Carracci par ses recherches sur l'illusionnisme, l'unification de l'espace figuré et la lumière vénitienne. Artiste aux dons variés, il est également un architecte reconnu, qui a rompu avec la planéité des façades d'église et a été sollicité par Louis XIV pour le palais du Louvre. Son talent et ses commandes prestigieuses ont attiré vers lui de nombreux élèves et disciples, dont Ciro Ferri (1634-1685), le plus fidèle et l'un des plus doués. Formé dans la tradition du dessin florentin, Cortona a élaboré un style par essence romain, celui de l'Eglise triomphante qui se plaît à glorifier la Création. Par ses études de nus sensuels à la sanguine, ses drapés irradiants à la pierre noire, ses recherches de composition à la plume, il a fait du dessin un instrument privilégié de son invention, laquelle s'est démultipliée grâce aux variations de Ciro Ferri, et diffusée en Europe grâce aux gravures.

Pietro da Cortona et Ciro Ferri

Comment Charles Le Brun devint-il premier peintre de Louis XIV ? Tirant profit de la découverte de nouvelles oeuvres peintes, dessinées et gravées, de nombreux documents d'archives inédits et d'une lecture critique des sources, cet ouvrage reconsidère l'ascension du peintre en articulant réseau social et création artistique. Issu d'un milieu familial modeste, mais lié au monde de l'écriture et à celui de la gravure pour lequel il produisit ses premières oeuvres, Le Brun n'était pas un héritier. Mais il fut assurément une " créature ", au sens du XVIIe siècle : la protection du chancelier Séguier lui permit d'accéder à des commandes prestigieuses, du cardinal de Richelieu comme plus tard du roi, de fréquenter un milieu de lettrés, de partir à Rome en compagnie de Nicolas Poussin, ou encore de consolider les fondements de l'Académie royale de peinture et de sculpture. A la tête de chantiers de décoration à Paris et à Vaux-le-Vicomte, Le Brun sollicita de nombreux collaborateurs avec lesquels il entretint des liens juridiques, artistiques et sociaux dont l'analyse éclaire les modes de production au Grand Siècle et invite à remettre en cause la conception actuelle de la notion d' "atelier ".

Ses oeuvres

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