Robert Morris - [rétrospective 1961-1994 , [exposition , Musée national d'art moderne-Centre de création industrielle, Centre Georges Pompidou, Paris, [5 juillet-23 octobre 1995

Christs, Vierges, Pietàs, Crucifixions, enfers, paradis, offrandes, chutes, dons, échanges : la vision chrétienne du monde semble revenir en force. Où ? Dans le domaine de l'art le plus contemporain.
Catherine Grenier développe ce qui apparaîtra à certains comme une provocation en commençant par une étude détaillée de cette nouvelle iconographie. L'homme y est réinterprété comme corps incarné, faible, en échec. Cette religion insiste sur l'ordinaire et l'accessible, elle est hantée par la dérision, la mort et le deuil. Après une modernité désincarnée proposant ses icônes majestueuses, on en revient à une image incarnée, une image d'après la chute.
En profondeur, il se dit là un renversement des modèles de l'art lui-même : A Prométhée succède Sisyphe ou mieux le Christ souffrant, un homme sans modèle, sans lien, inscrit dans une condition humaine à laquelle il ne peut échapper.
Les persuasives analyses de Catherine Grenier sont menées sur un large corpus d'œuvres d'artistes comme Hirst, Alÿs, Jankowski, Cattelan, Gordon, Rondinone, Wallinger, Pfeiffer, Taylor Wood, Kulig, Meese, Serrano, Sorin, Stoll, Wearing, Delvoye, Kersels, Guilleminot, Mac Queen, Billingham, Tuymans, Dumas, Ahtila, etc., etc.
Yves Michaud

L'Art Contemporain Est-Il Chretien ?

Avec plus de 500 expositions depuis sa création en 1966, la galerie Daniel Templon est l'un  des acteurs phares de la scène artistique contemporaine internationale.  Dans une somme de 950 pages, la galerie propose un parcours rétrospectif sur ses  expositions à travers les images, les écrits et les articles de l'époque.  L'histoire de la galerie Templon reflète et anticipe le développement du marché de l'art et  l'engouement actuel pour l'art contemporain.  Abstraction, Nouveau Réalisme, Pop art, Minimalisme, Art conceptuel, Support-Surface, Transavant-  garde italienne, Néo-expressionnisme, Nouvelle figuration américaine…, la galerie a su  pressentir ou accompagner l'émergence de nouveaux courants et de nouveaux artistes aujourd'hui  reconnus.  La galerie Daniel Templon a par exemple été la première à exposer en France Michel Journiac,  Martin Barré, Christian Boltanski, Ben, Joseph Kosuth, Art Language, Donald Judd, Andy Warhol,  Willem de Kooning, Jim Dine, Richard Serra, Helmut Newton, Jörg Immendorff, Jean-Michel  Basquiat, Francesco Clemente, Robert Longo, Jake and Dinos Chapman, Jonathan Meese, Julian  Schnabel, Eric Fischl, Iván Navarro, Kehinde Wiley ou Jitish Kallat.  Ellsworth Kelly, Frank Stella, Roy Lichtenstein et Robert Rauschenberg, César, Arman, Claude  Viallat, Gérard Garouste, Chiharu Shiota…, quelque 300 artistes se sont installés entre les murs de  la galerie.  Le livre des 50 ans prend un parti documentaire qui en fait un ouvrage de référence : 1 300  photos des expositions et des oeuvres sont mises en regard des textes critiques parus à l'époque.  Ce parti-pris permet de mesurer l'évolution de notre regard sur l'art contemporain depuis un demisiècle  et fait de l'ouvrage le livre le plus authentique et le plus complet paru sur un demi siècle  d'art contemporain.  La rétrospective des expositions est précédée d'un texte de Germano Celant, historien et  théoricien de l'arte povera, critique et curateur, actuel directeur artistique de la Fondation Prada à  Milan et ami de longue date de Daniel Templon.  Mis en librairie juste avant la Fiac, en septembre 2016, la sortie du livre est soutenue par une  campagne de relations presse nationale et donnera lieu à un événement pendant la Foire.

Galerie Templon 50 years

ÿþ "  Ce livre constitue un document exceptionnel. Réalisé à partir d'entretiens directs menés sur une période de deux ans avec Catherine Grenier, il dévoile les éléments les plus importants de la vie et de la carrière de Maurizio Cattelan. Les traumatismes de l'enfance, l'émancipation précoce, l'aspiration radicale à la liberté, la rencontre avec l'art, la peur de la perte et de l'échec, l'obsession de l'image, la multiplication des rôles, la présence singulière au monde, l'art de provoquer ou de dérouter : l'artiste se livre au travers d'un récit extrêmement personnel et original. Ces entretiens sont pour Cattelan un nouveau " saut dans le vide " : après des années de silence, l'artiste prend la parole et parle sans détour ni ironie au moment où il envisage de mettre un terme à ses activités de plasticien.

 "  Maurizio Cattelan est un artiste contemporain. Il est né à Padoue en 1960 et vit à New York.Catherine Grenier est directrice-adjointe du Musée national d'art moderne, centre Pompidou. Elle connaît Maurizio Cattelan depuis 1997 et a réalisé deux projets avec lui : Abracadabra (exposition collective) à la Tate Gallery (1999), installation de  L'arbre, forum du Centre Pompidou, 2000. Elle est l'auteur d'un livre d'entretiens avec Christian Boltanski, La vie possible de Christian Boltanski (Seuil 2010) et d'un essai sur l'art contemporain, La Revanche des émotions (Seuil, 2008).

Le saut dans le vide

Pied de nez ironique et critique à tous les avatars de l'art moderne, le travail de Erik Dietman a suivi, depuis la fin des années 50 marquée par les amitiés avec les membres de Fluxus, un cheminement inclassable. Empruntant les modes formels les plus divers, du plus noble au plus populaire, ses oeuvres déambulent entre tous les registres du langage, qu'il soumet à un processus d'associations et d'interprétations toujours renouvelé. De l'objet à la sculpture, ses recherches singulières placent son oeuvre parmi les rares expressions accomplies d'une sculpture contemporaine. Cet ouvrage rassemble des textes de Nicolas Bourriaud, critique d'art, Olle Granath, directeur du Nationalmuseum de Stockholm, Catherine Grenier et Jean-Pierre Bordaz, conservateurs au Musée national d'art moderne, ainsi qu'un entretien de l'artiste avec Irmeline Lebeer, éditeur et critique d'art. Une biographie richement illustrée réunit un choix de textes critiques et d'écrits de l'artiste.

Erik Dietman

L'art du XXIème siècle est né sous le signe de l'émotion : le pathos et le rire, les stimulations sensorielles et l'empathie sont aujourd'hui les modes d'adresse privilégiés par les artistes. Au travers d'une analyse très documentée de la scène artistique contemporaine, Catherine Grenier met en lumière le passage « du concept à l'affect » dont témoignent des oeuvres qui réaniment les forces vives de la tragédie, du drame ou de la comédie. Enfants terribles de la modernité, héritiers de Goya et de Shakespeare, les artistes convoqués par l'auteur répondent aux pulsions dépressives de notre temps par une interpellation directe du spectateur. Le trauma, la Vanité, le grotesque, l'animalité, l'immaturité sont les zones d'exploration dans lesquelles l'art nous invite à renouer avec une forme de connaissance sensible : la connaissance pathétique.

La revanche des émotions

Annette Messager

Revendiquant innovation et révolution, l'idée de modernité au XXe siècle est liée à celle d'une destruction positive et féconde : le "big bang" moderne qui a pulvérisé toutes les valeurs établies. Le champ de la création a été le lieu d'une rénovation radicale : destruction des formes par le cubisme, défiguration par l'expressionnisme, subversion des images par le dadaïsme, etc. Affranchis du poids de l'histoire et du carcan de la culture académique, les artistes ont apporté, en opérant un bouleversement profond, un renouvellement total de la perception et de l'interprétation. Cet ouvrage accompagne au plus près un parcours de la collection inédit, conçu à partir de cette thématique fondamentale. Il est articulé autour de huit propositions centrales qui traversent tout le siècle : destruction, construction/déconstruction, primitivismes et archaïsmes, sexe, guerre, subversion, mélancolie et réenchantement. Ce large déploiement, tout à la fois trans-historique - art moderne et art contemporain y sont confrontés à chaque fois - et interdisciplinaire - arts plastiques, architecture, design, photographie, vidéo sont étroitement associés -, apportera une lecture renouvelée des phénomènes culturels et artistiques du XXe siècle, ainsi qu'une compréhension des pulsions et des procédures qui y ont été à l'œuvre.

Big Bang - Destruction et création dans l'art du 20e siècle

La Manipulation des images dans l'art contemporain

L'art et la vie de Gérard Garouste sont peuplés de fantômes et de hantises. L'artiste livre ici, sans aucun fard, tous les tourments intimes qui ont façonné son parcours : la violence et l'antisémitisme de son père, la dyslexie, l'échec, la folie, la dépression, l'incompréhension.

Nous entraînant au coeur des rouages de la création, cet entretien révèle un personnage à la franchise déconcertante, teintée d'humour et de tendresse. Garouste y décrit toutes les étapes de son art et les chocs heureux qui l'ont conduit à des choix décisifs. Autodidacte initié tout d'abord par l'art brut pratiqué par son oncle, réfractaire à l'enseignement des Beaux-Arts, il a emprunté une voie singulière, souvent à contre-courant. L'artiste désigne ses maîtres : Duchamp, en qui il découvre une radicalité indépassable, le Tintoret, le Greco, Zurbarán, Manet, De Chirico...

Témoignant de ses découvertes et de ses engagements, il évoque aussi sa passion pour l'étude talmudique, sa conversion au judaïsme, ainsi que la création de La Source, association artistique dédiée aux enfants défavorisés.

Vraiment peindre

L'art et la vie de Gérard Garouste sont peuplés de fantômes et de hantises. L'artiste livre ici, sans aucun fard, tous les tourments intimes qui ont façonné son parcours : la violence et l'antisémitisme de son père, la dyslexie, l'échec, la folie, la dépression, l'incompréhension.

Nous entraînant au cour des rouages de la création, cet entretien révèle un personnage à la franchise déconcertante, teintée d'humour et de tendresse. Garouste y décrit toutes les étapes de son art et les chocs heureux qui l'ont conduit à des choix décisifs. Autodidacte initié tout d'abord par l'art brut pratiqué par son oncle, réfractaire à l'enseignement des Beaux-Arts, il a emprunté une voie singulière, souvent à contre-courant. L'artiste désigne ses maîtres : Duchamp, en qui il découvre une radicalité indépassable, le Tintoret, le Greco, Zurbarán, Manet, De Chirico.

Témoignant de ses découvertes et de ses engagements, il évoque aussi sa passion pour l'étude talmudique, sa conversion au judaïsme, ainsi que la création de La Source, association artistique dédiée aux enfants défavorisés.

Vraiment peindre - Entretien

Avec l'Homme qui marche, Giacometti concentre la puissance évocatrice de son couvre et incarne l'aspiration la plus importante de son époque : humaniser le monde, l'histoire et l'art. Cet ouvrage, richement illustré, raconte l'histoire de cette oeuvre, l'une des plus célèbres du XXe siècle. La généalogie du motif y est retracée, depuis la Femme qui marche de la période surréaliste, jusqu'aux icônes créées en 1959-1960. Des textes inédits rappellent la fortune du motif depuis l'Antiquité et documentent la démarche créative de Giacometti d'une variation à une autre. // With Walking Man, Giacometti succeeded in concentrating the suggestive energy of his oeuvre to epitomise the most powerful aspiration of his time : to humanise the world, history and art. This fully illustrated catalogue tells the story of that oeuvre, one of 20th Century's most recognisable works of art. The genealogy of the motif is traced back, from the Walking Woman of the Surrealist period, to the icons created in 1959-1960. New texts expand on the richness of that motif going back to Antiquity and document Giacometti's creative approach from one variation to the next.

Alberto Giacometti / L'homme qui marche

Multiple modernities 1905-1970

L'art et la vie de Gérard Garouste sont peuplés de fantômes et de hantises. L'artiste livre ici, sans aucun fard, tous les tourments intimes qui ont façonné son parcours : la violence et l'anti- sémitisme de son père, la dyslexie, l'échec, la folie, la dépression, l'incompréhension. Nous entraînant au coeur des rouages de la création, cet entretien révèle un personnage à la franchise déconcertante, teintée d'humour et de tendresse. Garouste y décrit toutes les étapes de son art et les chocs heureux qui l'ont conduit à des choix décisifs. Autodidacte initié tout d'abord par l'art brut pratiqué par son oncle, réfractaire à l'enseignement des Beaux-Arts, il a emprunté une voie singulière, souvent à contre-courant. Lartiste désigne ses maîtres : Duchamp, en qui il découvre une radicalité indépassable, le Tintoret, le Greco, Zurbarán, Manet, De Chirico... Témoignant de ses découvertes et de ses engagements, il évoque aussi sa passion pour l'étude talmudique, sa conversion au judaïsme, ainsi que la création de La Source, association artistique dédiée aux enfants défavorisés.

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