Redonner à Albert Schmidt (1883-1970) la place qu'il mérite parmi les artistes suisses du XXe siècle, le sortir de l'ombre de Ferdinand Hodler dont on l'a trop hâtivement recouvert, le confirmer au nombre des peintres majeurs du courant symboliste européen auquel il n'a cessé de s'inscrire sa vie durant, enfin mettre en lumière les caractéristiques stylistiques qui lui sont propres et le distinguent de ses pairs, telles sont les ambitions principales de cette publication qui voit le jour en 2020, date anniversaire du cinquantième anniversaire de la mort du peintre. Une Association Albert Schmidt a ainsi été créée à l'été 2016, sous les auspices d'un couple de collectionneurs. Elle s'est donné pour but d'inventorier le patrimoine pictural de l'artiste et de publier un ouvrage de référence, accessible à tous, scientifiquement rigoureux et richement illustré.

Albert Schmidt - Un symboliste expressif

Venu d'Allemagne et d'Angleterre, le courant romantique bouleverse fondamentalement les conceptions artistiques littéraires, musicales et picturales européennes. Cette exposition traite de la pierre, de la fascination qu'elle exerce sur les artistes romantiques, et de sa représentation dans la peinture de cette période, qu'il s'agisse de pierre naturelle ou bien de pierre bâtie. Cet élément noble n'échappant pas à l'inéluctable dégradation du temps, son observation, son contact ou son analyse ramènent notre héros romantique à sa fragile condition d'être humain. Pour le troisième volet de son cycle consacré au grands courants picturaux européens, la Fondation Pierre Arnaud vous présente ainsi un "drame romantique du temps qui passe" au travers d'un corpus rassemblant de grands artistes suisses, allemands, français et anglais : Cari Gustav Carus, François Diday, Alexandre Calame, Johann Heinrich Füssli, Gustave Doré, Théodore Géricault, Victor Hugo, Francisco de Goya, John Ruskin, Caspar Wolf.

Romantisme - Mélancolie des pierres

Cet ouvrage met en scène le dialogue fécond que les arts occidentaux et africains ont noué au fil des siècles, un dialogue qui mêle fascination et rejet du côté occidental, admiration et dérision du côté africain.

Dès la période médiévale, les Européens installent des comptoirs le long des côtes africaines, étapes bienvenues sur la route des Indes. Ces haltes portuaires favorisent les échanges : étoffes, verroterie, métaux européens contre ivoire et objets gravés africains. Toutefois, ce n'est que dans la seconde moitié du XIXe siècle que les Européens prennent réellement conscience des richesses du continent africain et entreprennent une colonisation systématique. L'engouement pour l'Afrique touche tous les domaines, l'art en particulier.

Ce bel album présente des oeuvres réalisées entre le XVIIe et le XXe siècle, par des artistes africains, anonymes pour la plupart, et par des artistes européens aussi renommés que Théodore Géricault, Félix Vallotton ou Man Ray. Hommes blancs et hommes noirs se sont observés, découverts, admirés. Chacun livre son regard sur l'autre, sur ce qui le caractérise : les statues africaines se parent d'accessoires occidentaux, dont le célèbre casque colonial, signe de pouvoir. Les oeuvres européennes tour à tour magnifient le corps africain ou au contraire stigmatisent ses « défauts » en regard des canons de la beauté occidentale.

Impressions d'Afrique ; homme blanc, homme noir

Dès le mois de mai 2015, la Fondation Pierre Arnaud invite son public à découvrir une partie de la collection à l'origine de sa création.
 
D'origine française, installé au Maroc, Pierre Arnaud séjourne régulièrement en Valais avant de choisir de s'y installer. Un ami rencontré sur le Haut-Plateau de Crans-Montana l'initie à la peinture valaisanne. Pierre Arnaud achète alors quelques oeuvres significatives des peintres de l'Ecole de Savièse. Par la suite, il élargit ses choix à d'autres thématiques et c'est dans cet esprit plus universel que sa fille Sylvie et son beau-fils, Daniel Salzmann, poursuivent l'enrichissement de la collection. Inauguré en 2013, le Centre d'art sis à Lens perpétue la mémoire de cet homme simple et généreux.
 
Intitulée « Collection Pierre Arnaud. Une passion suisse », l'exposition à l'origine de ce catalogue s'articule autour de cinq thèmes : paysage, nature morte, intériorité, intimité, portrait. Un parcours d'un peu moins de cent oeuvres souligne la sensibilité qui a guidé la constitution de la collection. De la fin du XIXe jusqu'aux dernières décennies du XXe siècle, les grands noms de la peinture helvétique s'y côtoient : Cuno Amiet, Félix Vallotton, René Auberjonois, Alice Bailly, François Diday, Raphaël Ritz, Rodolphe-Théophile Bosshard, ainsi que les peintres de l'Ecole de Savièse : Marguerite Burnat-Provins, Ernest Biéler, Edouard Vallet, ou encore Charles-Clos Olsommer, Léo Andenmatten et Albert Chavaz.
 
Les oeuvres exposées et réunies dans ce catalogue témoignent de l'excellence de la peinture suisse, de sa richesse et sa vitalité, de son insertion dans les grands courants picturaux européens. Elles montrent également l'originalité avec laquelle ces artistes se sont appropriés les modes et thèmes en vogue avec une originalité qui ne se dément jamais.

Collection Pierre Arnaud ; une passion suisse

Une rencontre décisive avec un collectionneur avisé de peinture prélude à la réalisation de cet ouvrage, qui présente des artistes ayant vécu entre 1850 et 1950. Loin de se résumer à une suite de beaux paysages, la peinture valaisanne exprime des valeurs universelles, se soucie de son temps, de la marche inexorable du progrès et des peurs qui s'ensuivent. Elle évoque la mort, la transcendance et interroge la nature même de la peinture, sa faculté à restituer le monde, à l'interpréter, à le célébrer par la couleur et la lumière. Ce livre rassemble des artistes venus de tous horizons, fondamentalement libres dans leur démarche et leur appréhension du véritable paradis terrestre qu'était le Valais aux confins du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Un sentiment d'incomparable nostalgie accompagne d'ailleurs notre appréhension de cette peinture, l'impression qu'un monde a disparu, ce que pressentaient déjà les artistes dont le message fondamental et crépusculaire semble susurrer à l'oreille de tout visiteur : Vous pouvez venir, vous pouvez voir, mais vous ne devez toucher à rien. L'enjeu de cet ouvrage est précisément de décrire ce réalisme inquiet qui sourd de tous les tableaux valaisans et dont Ernest Biéler se fit l'écho, un jour de 1942 où il évoqua, nous rapporte son épouse, ce Rhône extraordinaire, resté intact, qui n'a pas été dérangé. Pourvu qu'on ne s'en avise pas...

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