Que voit-on ? Comment se sont élaborés les différents types de sculpture ? Comment voit-on ? Comment s'exprime le sculpteur ? A quoi sert la sculpture ? Où contempler des oeuvres sculptées ? Qu'en a-t-on dit ? L'objectif de ce livre n'est pas de proposer une histoire générale de la sculpture, mais de fournir plutôt au lecteur - étudiant, amateur, curieux, érudit - des clés pour améliorer son regard et sa compréhension des oeuvres, en acceptant le défi d'embrasser un millénaire de sculpture dans la sphère culturelle occidentale. Art de l'espace, art du temps, à l'instar de la musique, la sculpture est un objet d'étude qui se laisse difficilement saisir. Il faut en faire le tour, multiplier les points de vue, se déplacer, être capable d'envisager une combinatoire extrêmement complexe de qualités formelles, traverser mille ans d'histoire et de styles. Huit chapitres proposent autant de chemins pour regarder la sculpture : par les lieux, les techniques, les formes, les conditions de présentation et de perception, les thèmes et les sujets, les styles dans leurs constantes récurrentes, les usages et les fonctions, et enfin les textes interprétatifs, littéraires ou poétiques. Cet ouvrage invite à redécouvrir le " rôle divin de la sculpture " , comme l'écrivait Baudelaire dans son Salon de 1859, grâce à la maîtrise des outils pédagogiques essentiels.

Comment regarder la sculpture - Mille ans de sculpture occidentale

Parmi les études sur la sculpture française du XIXe siècle, une de ses manifestations fondamentales a encore été très peu étudiée : le relief, qui permet de confronter la sculpture aux autres arts. Le relief serait ainsi propice à la définition et à l'épanouissement du romantisme et du symbolisme en sculpture, deux courants artistiques dont la définition même semble résider davantage du côté de la peinture.

Le relief, au croisement des arts du XIXe siècle

Le colloque Histoire de l’art du XIXe siècle (1848-1914). Bilans et perspectives qui s’était tenu fin 2007 à l’École du Louvre, au musée d’Orsay et à l’Institut national d’histoire de l’art était, à la fois tourné vers le passé et vers l’avenir des études dix-neuvièmistes. Quelques six cent auditeurs avaient assisté à cette manifestation à laquelle soixante-seize contributeurs, douze nationalités de chercheurs avaient apporté leur éclairage. Ce retour vers les vingt années de recherches qui ont accompagné la naissance et la jeunesse du musée d’Orsay, ouvert au public depuis les derniers jours de 1986, avait été, sinon l’occasion d’un bilan, du moins celui d’un regard rétrospectif. L’ambition des communications et des débats se devait d’être à la hauteur de l’importance des apports de ce grand musée pluridisciplinaire dans le paysage muséographique français de la fin du XXe siècle. C’est la raison pour laquelle ce colloque avait été organisé en dix sessions, quatre plénières et six concomitantes, les premières étant consacrées à des questions transversales, les secondes à des bilans établis par disciplines. Le lecteur trouvera dans ce volume de plus de sept cent pages d’actes, illustré de 271 images, plus qu’aucun auditeur ne put le faire alors, puisque les sessions consacrées aux différents domaines de la production artistique étaient simultanées.

Histoire de l'art du XIXe siècle (1848-1914) - Bilans et perspectives

Alors que la peinture suscita la création d un genre littéraire, l ekphrasis, et donna naissance à certaines des plus belles pages de la littérature, la sculpture peut laisser penser qu elle entretient des rapports complexes et plus rares avec l écriture. Pourtant, lorsque Victor Hugo faisait dire au Jupiter de Phidias : « L angle de mon sourcil touche à l axe du monde », il changeait le regard sur l uvre muette. Et David d Angers, le plus grand sculpteur du début du XIXe siècle, considère son art comme une « écriture monumentale », alors que Bourdelle parle de « petit livre de marbre »...Ainsi les figures nées sous le ciseau des plus habiles sculpteurs ont parfois suscité de belles productions littéraires. De grands écrivains romanciers ou essayistes (Montesquieu, Hippolyte Taine, Stendhal, George Sand, Émile Zola) ; de savoureux poètes (Pierre de Ronsard, Boileau, La Fontaine, Philippe d Arbaud, Philippe de Massa, Alphonse de Lamartine), de remarquables narrateurs (Jérôme de Lalande, Louis Liger, Dezallier d Argenville, comte de Caylus, Charles-Nicolas Cochin) ou critiques (Francesco Milizia, Abbé Dubos, Denis Diderot, Quatremère de Quincy, Winckelmann) et même des artistes eux-mêmes (Benvenutto Cellini, Henry Moore) se sont essayés à faire revivre, sous leur plume, la vibration de la pierre, la qualité peaussière, la vie qui jaillit du bloc.
Plus méconnus que ceux consacrés à la peinture, mais non moins passionnant, ce sont ces extraits des plus belles pages de la littérature, consacrées aux plus belles réalisations de la sculpture qui sont ici présentées et réunies pour la première fois.

écrire la sculpture, de l'Antiquité à Louise Bourgeois

L'Ecole du Louvre organise, depuis l'an 2000, en partenariat avec l'Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, des journées d'études consacrées à la fortune de Venise en France. Cet ouvrage, richement illustré de reproductions de gravures, peintures et sculptures, reprend les actes des deux journées d'étude réalisées autour du thème " Venise en France. Du romantisme au symbolisme " et qui ont réuni, selon une approche pluridisciplinaire, des chercheurs autour du regard porté par le XIXe siècle français sur la cité des Doges et sur sa production artistique depuis ses origines. Ce volume éclaire des études historiques menées par Pierre Daru sur la Sérénissime, des évocations littéraires sur la peinture et la civilisation vénitiennes (Musset, Sand ou Gautier), des analyses sur l'art comme celles de Charles Blanc et Hippolyte Taine, sans oublier la production des peintres (Joyant, Moreau, Delaunay, Hébert, Ziem), des sculpteurs, des architectes et des musiciens.

Venise en France - Du romantisme au symbolisme

Que signifie, dans les discours sur l'art qui traversent le XIXe siècle jusqu'à la mise en cause de la figuration au XXe Siècle, la constante référence au canon de proportions ? Pourquoi cette ambition normative revient-elle avec force du néoclassicisme à Le Corbusier ? Art, proportions, science et métaphysique semblaient pourtant avoir été fixés depuis la Renaissance dans un équilibre stable. Mais, au XXe siècle, les termes de cet édifice changent. L'idée de canon resurgit avec une particulière acuité au moment où le système de représentation connaît dans l'art occidental des remises en cause profondes. Voyageant à travers l'extraordinaire floraison de théories de proportions et les surprenantes rêveries auxquelles elles donnent lieu, Claire Barbillon montre comment la question du canon participe directement d'une réflexion sur la création artistique et annonce le passage à l'abstraction.

Les canons du corps humain au XIXe siècle - L'art et la règle

Que signifie, dans les discours sur l'art qui traversent le XIXe siècle jusqu'à la mise en cause de la figuration au XXe siècle, la constante référence au canon de proportions ? Pourquoi cette ambition normative revient-elle avec force du néoclassicisme à Le Corbusier ? Art, proportions, science et métaphysique semblaient pourtant avoir été fixés depuis la Renaissance dans un équilibre stable. Mais, au XXe siècle, les termes de cet édifice changent. L'idée de canon resurgit avec une particulière acuité au moment où le système de représentation connaît dans l'art occidental des remises en cause profondes. Voyageant à travers l'extraordinaire floraison de théories de proportions et les surprenantes rêveries auxquelles elles donnent lieu, Claire Barbillon montre comment la question du canon participe directement d'une réflexion sur la création artistique et annonce le passage à l'abstraction. Claire Barbillon a été pensionnaire à l'Institut national d'histoire de l'art, puis maître de conférences à l'université Bordeaux-III-Michel-de-Montaigne. Elle est directrice des études à l'École du Louvre.

Ses oeuvres

Ses derniers livres