Sculpteur prolifique, Raymond Delamarre (1890-1986) a exprimé, de la médaille au monumental, sa quête d'une statuaire épurée, aux formes élégantes à travers soixante années de création. Grand Prix de Rome en 1919, il est propulsé avec éclat dans l'entre-deux-guerres. L'Exposition internationale de 1925 est le premier pas d'une collaboration féconde avec Michel Roux-Spitz, qui les mènera à la réalisation du célèbre Monument à la défense du canal de Suez et au décor de la façade de la chapelle du CHU de Nantes. Lors de l'Exposition coloniale de 1931, il s'illustre en réalisant quatre Béatitudes et un Sacré-Coeur. Les allégories de cet artiste du sacré, comme du profane - Paris, Ville lumière pour l'Exposition universelle de Bruxelles, Arts et monuments régionaux pour le paquebot Normandie, Les Connaissances humaines pour le palais de Chaillot, surplombant aujourd'hui encore la place du Trocadéro -, exaltent le savoir scientifique et culturel français. Engagé dans la reconstruction d'après 1945, il pare de bas-reliefs l'hôtel de ville de Grand-Couronne, l'hôtel des Postes de Louviers ou encore le centre des chèques postaux de Dijon. Ses sculptures redonnent de l'élan aux lycées de Brest, Perpignan et Fort-de-France. Ardent créateur de la période Art déco, il répond à des commandes privées, dont Mowgli restera la plus marquante, tant par l'originalité que par la richesse de sa composition.

Raymond Delamarre : sculpteur et médailleur

Peintre de la mélancolie, de la solitude et de l'angoisse mais aussi peintre de l'âme, Edvard Munch est l'un des grands noms de l'art moderne. Le Cri (1893), son chef-d'oeuvre, est aussi célèbre que la Nuit étoilée (1889) de son contemporain Van Gogh, artiste génial et torturé auquel il est parfois torturé. Munch aurait bien pu finir comme ce dernier. Constamment au bord de l'abîme, il traverse la vie en étant marqué par le deuil, poursuivi par la maladie et l'insécurité. Le peintre norvégien doit aussi affronter l'imncompréhension du public, parfois le scandale. Rejetant le naturalisme, Munch s'inscrit dans la mouvance expressionniste et symboliste. Peintre littéraire (parfois rapproché d'Ibsen), filant des thèmes obsessionnels, Munch est un brillant coloriste, d'un rare intensité psychologique. Exprimant ses émotions profondes, il fait de son art un véritable outil de catharsis, "un examen de conscience et une tentative de comprendre (ses) rapports avec l'existence". Cet ouvrage abordera la mélancolie exprimée par Munch à travers son oeuvre peint et gravé, ses relations à l'expression de la sensualité et l'érotisme féminin (souvent teinté d'angoisse), ses paysages lyriques et parfois violents. 2. 11.

Edvard Munch, états d'âme

Nudité, lascivité, sensualité, provocation, impudeur, ou obscénité. Durant le XIXe siècle, l'érotisme prend une place nouvelle dans la culture visuelle occidentale, notamment grâce à l'essor de procédés de reproduction tels que la photographie, la presse ou la lithographie. Ce genre est principalement produit par des artistes masculins, à destination d'un public qui l'est aussi. La littérature fantasme sur les rapports amoureux entre les peintres et leurs modèles, la photographie de nu devient un enjeu commercial, le réalisme dévoile la crudité du corps et les dessinateurs ne cessent de croquer les impudeurs de la femme. Fruit d'une recherche longue et méticuleuse cet ouvrage revient sur les grandes réflexions menées sur le thème de la nudité dans le champ de l'histoire de l'art et de l'histoire des sensibilités. Il étudie la réception de cette nudité en France, en s'appuyant des sources documentaires et iconographiques renouvelées (oeuvres méconnues, dessins et photographies, journaux et revues, ouvrages, archives, textes de lois) et permet de mieux comprendre cette histoire de l'art érotique du xixe siècle, longtemps pérennisée par le seul goût de la description. En replaçant les oeuvres dans leur contexte, en comparant les expressions et les esthétiques, et étudiant la culture visuelle du temps, Claire Maingon ouvre de nouveaux champs de réflexion, tout en permettant de faire découvrir des artistes méconnus ou oubliés tels que Broc, Gavarni, Makart, Beaumont, Dubufe, Galimard, Ranft, Eakins ou Lambeaux, aux côtés des grands noms de l'histoire de l'art du xixe siècle, David, Ingres, Delacroix, Courbet, Manet, Rodin, Gérôme, Falguière, Forain, Gervex.

L'oeil en rut - Art et érotisme en France au XIXe siècle

"La République nous appelle, /Sachons vaincre ou sachons périr ! " Ces paroles du Chant du départ révolutionnaire de Marie-Joseph Chénier pourraient, un siècle plus tard, être reprises par les Poilus de 1914. Car les troupes qui se sont fait décimer dans les tranchées de Verdun avaient hérité de 1789 une profonde culture du sacrifice. Une véritable propagande d'Etat, nourrie de récits légendaires, de cérémonies commémoratives et de toute une imagerie d'Epinal, a en effet vu le jour dès les premiers combats de la République, en 1792. Elle a durablement façonné l'imaginaire national, dans un culte de la souffrance qui s'est perpétué en 1914-1918, et dont les monuments aux morts témoignent avec une force pathétique. Pour la première fois, deux spécialistes de chaque période collaborent pour révéler les liens sanglants qui unissent Grande Guerre et Révolution française.

La souffrance et la gloire - Le culte du martyre, de la Révolution à Verdun

Musée invisible, mis en caisses pendant la première guerre mondiale, le Louvre s'est dissimulé aux yeux du monde pendant quatre ans. L'histoire de cet exil est méconnue, tout comme celle des hommes qui l'ont rendu possible. Paul Jamot, conservateur du musée, a veillé à la préservation des collections nationales remisées dans l'église des Jacobins, à Toulouse. Ce livre raconte son histoire, aux cotés de la Joconde, icône instrumentalisée dans la propagande de guerre, au même titre que la Victoire de Somorhrace, dont l'image a participé au mythe patriotique soutenant l'effort de la France en guerre. Cet ouvrage revient sur le contexte de l'art à Paris pendant la première guerre mondiale. Bien qu'absentes au regard du public, les oeuvres majeures du Louvre ont continué à nourrir l'imaginaire des artistes (Picasso notamment) et seront remises en valeur dans une présentation nouvelle des collections, qui inaugure l'histoire du Louvre au XXe siècle.

Le musée invisible - Le Louvre et la Grande Guerre (1914-1921)

Les salons ont une importance essentielle dans l'histoire de l'art français. Dans ces expositions qui réunissent des milliers d'artistes, rivalisent l'art officiel, académique, et l'art moderne. A travers le prisme des salons, c'est toute l'évolution de :l'école française, de la Grande Guerre à l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes, qui est présentée ici. Il s'agit d'une époque de rupture, imposée par les circonstances. Le réalisme connaît alors une crise, le classicisme, un nouvel âge d'or. Aux salons des Artistes français et la Nationale des beaux-arts, au Salon d'automne, à ceux des Artistes indépendants et des Tuileries, se révèlent la nécessité de penser l'oeuvre d'art au seuil d'une nouvelle ère historique et artistique. Les artistes modernes (Léger, Picabia, Matisse...), tout comme les plus traditionnels qu'ils côtoient (Landowski, Maurice Denis...), concourent à rénover la tradition française et à préparer l'art de l'après-guerre. Cet ouvrage, qui fait sa place à la sculpture commémorative, exposée aux salons comme oeuvre d'art et non comme monument, et montre les conséquences de la Grande Guerre le monde des artistes et sur l'esthétique académique moderne, renouvelle l'approche de l'art de l'entre-deux-guerres.

L'âge critique des salons : 1914-1925 - L'école française, la tradition et l'art moderne

Monet, Renoir, Boudin, Picasso, Sisley et de nombreux autres peintres de l'impressionnime se sont pris de passion pour la Normandie, ses côtes rocheuses, ses villes et villages, ses bords de Seine... A la manière de promenades, nous suivons ces artistes sur les lieux qu'ils ont aimés et fréquentés. Un parcours plein de charme et de nostalgie où se confrontent les images d'hier et celles d'aujourd'hui.

Le grand guide de la Normandie - Sur les pas des impressionnistes

Principal représentant des sculpteurs Art déco, Alfred Janniot est aussi indubitablement l'un des chefs de file de la sculpture post-rodinienne, au même titre que Maillol, Despiau ou Bourdelle. Après des études de sculpteur à l'Ecole nationale des Beaux-Arts de Paris, il débute sa carrière en obtenant une mention honorable au Salon des Artistes français de 1910. Dès 1919, il prend place dans la vie artistique et officielle de son temps en remportant le Grand Prix de Rome, qui lui ouvre alors la voie des commandes d'Etat et concrétise ainsi son ambition d'être un sculpteur du monumental. Artiste prolifique, Janniot expose au Salon des Artistes français, au Salon des Tuileries et au Salon d'Automne. En 1935, il représente la section française à l'Exposition de Bruxelles et au Canada. En 1938, il participe à une importante manifestation internationale : la Biennale de Venise. De nombreuses municipalités françaises font appel à ses talents de sculpteur du monumental : Bordeaux, Puteaux, Châteauroux, Nice. Professeur à l'Ecole nationale des Beaux-Arts de Paris de 1945 à 1959, où il forme entre autres César, il crée avec Marcel Gimond la " section du Monumental " faisant éclater les cloisonnements entre l'architecture, la peinture et la sculpture. Aujourd'hui, 90% de son oeuvre est classée à l'inventaire des monuments historiques français. Consacré à deux chefs-d'oeuvre d'Alfred Janniot, très différents l'un de l'autre, le Monument aux morts (1923-28) et la Fontaine du Soleil (1933-56), ce livre a pour but de faire redécouvrir aux passionnés de sculptures monumentales, ces trésors du patrimoine. Cet ouvrage est essentiel pour la compréhension de la relation entre la ville de Nice et l'artiste mais aussi, pour la découverte de deux monuments majeurs de l'Art déco en France. Livré dans son écrin cartonné, ce luxueux livre d'art entoilé de 80 pages est agrémenté de près de 150 illustrations, parmi lesquelles de nombreuses photos d'archives. Articulé en deux parties, il retrace avec précision l'histoire mouvementée de la construction de chacun des monuments et en propose une analyse iconographique dynamique, tout en les resituant dans la lignée des grands chefs-d'oeuvre mondiaux, tous connus du grand pubic.

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