Grâce à cet ouvrage de référence sur Odilon Redon (1840-1916), on connaîtra mieux ce que l'artiste avait accumulé au cours de sa vie, et pourquoi il disait avec fierté : "Rien ne se perd chez moi." Fruit de six années de recherches, Redon retrouvé. OEuvres et documents inédits s'appuie sur un ensemble exceptionnel de documents (lettres, pièces d'archives et photographies) divulgués pour la première fois et mis en relation avec une abondante iconographie, rappelant toute la profondeur du noir dans son ouvre graphique et la richesse chromatique de ses pastels et tableaux. Deux carnets de dessins inédits sont reproduits en intégralité et apportent un nouvel éclairage sur les débuts de celui qu'on appela "le prince du rêve". Des premiers noirs, qui ont séduit la génération décadente, jusqu'à la couleur que l'artiste dit avoir "épousée", ce livre éclaire sous un jour nouveau la vie, la carrière et l'oeuvre de Redon, un maître de l'art moderne aux côtés de Cézanne, Gauguin et Van Gogh, et qui fut, comme eux, passionnément collectionné par son ami Gustave Fayot (1865-1925).

Redon retrouvé - Oeuvres et documents inédits

Publier la correspondance d'Andries Bonger et Odilon Redon revient à réaliser un projet souvent formulé, parfois entrepris, mais jamais mené à bien. L'intérêt de ces documents vient de la personnalité de leurs auteurs ainsi que de la durée, de la profondeur et de la qualité de leur échange. Ce diaologue entre l'artiste, grand symboliste du XIXe, et son collectionneur apporte un éclairage nouveau et inédit sur l'oeuvre d'Odilon Redon.

Sans adieu : Andries Bonger, Odilon Redon, correspondance 1894-1916

À la mort de son père, Libero Gamboni se trouve confronté au devoir de mémoire. Faut-il conserver intacte la collection d'objets accumulés dans la maison familiale  ? Les voyages qu'il entreprend, les musées qu'il visite sont l'occasion d'échanger une correspondance avec Dario Gamboni, son cousin. Alimentées par cette question pressante, les interrogations fusent entre l'architecte et l'historien de l'art.
Les musées qui intéressent Dario & Libero sont d'une nature particulière  : créés par des artistes et/ou des collectionneurs, ils permettent d'apprécier l'accrochage comme un mode d'expression, une forme d'art au carré  : ainsi le musée Gustave Moreau à Paris ou la fondation Barnes à Philadelphie. Dans ces «  musées d'auteur  » -  comme on parle de «  films d'auteur  » - priment l'expérience et l'intimité.
Reprise par Dario Gamboni et enrichie d'un appareil de notes, la correspondance entre Dario & Libero constitue une histoire exceptionnelle des musées d'artistes et de collectionneurs. Le Musée comme expérience décrit et analyse pour la première fois le phénomène comme un tout, de ses débuts vers 1800 jusqu'à l'époque actuelle, qui en représente un nouvel âge d'or après celui des années 1900.
Ce livre examine en profondeur quinze cas répartis autour du globe, choisis pour leur caractère représentatif et la qualité de leur disposition, auxquels le jeu des comparaisons ajoute plus d'une centaine d'autres musées.
En tissant des liens entre passé et présent, ce dialogue itinérant nourrit la réflexion sur l'avenir de nos musées et les modes de conservation, à l'heure où les grandes institutions publiques multiplient succursales et événements médiatiques. Écrit comme un récit de voyage, il restitue le plaisir de la découverte et la saveur de l'expérience dans ces lieux dépositaires de notre histoire.

Le musée comme expérience

Ce livre se propose d'explorer le vaste champ constitué par l' " image double " sur une période qui va de l'Antiquité à nos jours. L'expression désigne des catégories variées : image composite, image cachée, image naturelle, image potentielle, anamorphose, etc. A travers une centaine d'exemples, le livre envisage la manière dont les artistes ont exploité, selon les situations historiques et culturelles, les possibilités formelles et sémantiques des images doubles. En s'opposant à la doxa, ces images visent à surprendre, intriguer et solliciter le spectateur. La période couverte compte des temps forts - la Renaissance et la période contemporaine - qui correspondent aux moments et aux lieux où le recours à l'image double a été d'une intensité et d'une importance particulières. Dans l'art de la Renaissance, la présence fréquente de l'image double renvoie à une pensée marquée par l'analogie et l'anthropomorphisme, par le goût pour le paradoxe et l'énigme, par la réflexion morale sur les apparences trompeuses. A l'époque moderne et contemporaine, l'utilisation de l'ambiguïté et de la polysémie visuelles manifeste une réflexivité de l'image et participe d'une transformation de la communication esthétique, au terme de laquelle ce sont, selon la formule célèbre de Duchamp, les regardeurs qui font les tableaux. La sélection propose un éventail d'images et d'objets très divers non seulement par leur date et leur provenance mais aussi par leurs fonctions et statuts originels, de l'image de culte à la caricature en passant par le tableau de cabinet : comment rendre justice à ces différences tout en mettant au jour les modèles, les procédés, voire les mécanismes qui les traversent ? L'ouvrage propose d'analyser, outre des exemples inédits, quelques chefs-d'oeuvre envisagés pour la première fois sous l'angle de l'image double : La Mort de saint François de Giotto, la Madone Bardi de Botticelli, L'Escamoteur de Jérôme Bosch, la Vénus de Goltzius, Le Nu allongé de Bonnard, Le Rêve de Picasso. Spécialistes de périodes et aires culturelles variées - arts premiers, Antiquité, Moyen Age, Renaissance, période moderne, art contemporain -, les auteurs ont récemment réorienté le débat sur ce type d'images en l'envisageant dans une perspective historique et théorique large. Les essais introductifs de Michel Weemans, Dario Gamboni et Jean-Hubert Martin abordent les mécanismes de perception mis en oeuvre par l'image double, sa récurrence à travers les époques et les cultures.

Voir double - Pièges et révélations du visible

Abondamment illustré et riche en études d'oeuvres qui en révèlent des aspects inédits, ce grand livre constitue la première enquête systématique sur la question du caractère ambigu et subjectif de l'image artistique dans l'histoire, image " potentielle " tant qu'elle n'est pas actualisée au travers de la vision active du " regardeur ", dans un acte interprétatif impliquant la mémoire et l'imagination.

Images potentielles - Ambiguïté et indétermination dans l'art moderne

Premier livre à examiner de façon systématique l'iconoclasme et le vandalisme au cours de la période contemporaine, cette étude propose une vue d'ensemble, au plan international, des attaques portées contre des oeuvres d'art et des biens culturels, en interrogeant les liens entre l'histoire récente (notamment celle des avant-gardes) et les grands épisodes iconoclastes anciens, et en s'appuyant sur les apports de plusieurs disciplines dont la sociologie, la psychologie et la criminologie.

La Destruction de l'art - Iconoclasme et vandalisme depuis la Révolution française

Conservées dans des fonds publics ou privés, dispersées ou connues sous la forme d'inventaires souvent incomplets, rangées avec soin ou laissées au gré des hasards de la vie, les collections de livres formées au cours du temps par les artistes de la modernité forment des objets fascinants. De Redon à Rutault, de Picasso à Pagès, de Kandinsky à Nemours, de Duchamp à Raymond Hains, les enjeux de la lecture, de l'accumulation, de la perte ou de la dissémination des livres, de la représentation de l'objet, voire des bibliothèques elles-mêmes, ont mérité des analyses fines et complètes. L'exploration de ces étagères matérielles ou " hypothétiques " (Italo Calvino) incite à ouvrir de nouvelles voies dans l'étude des liens de l'art et de l'imprimé, du faire et du lire. De la fin du XIXe siècle à nos jours, la re-définition de l'art passerait-elle par la révision du lien complexe qu'entretiennent les artistes avec leur bibliothèque

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