Né plus tardivement que le quatuor à cordes, après les instrumentations foisonnantes de la musique de chambre pour harmonie de la fin du xviiie siècle, le quintette à vents offre, par la richesse de ses timbres et l'amplitude des tessitures, un éventail de possibilités de traitement pour l'instrumentiste ou le compositeur. Cet ensemble de cinq instruments pourtant bien connu des musiciens - composé, rappelons-le, d'une flûte, un hautbois, une clarinette, un cor et un basson - est moins familier des mélomanes que le quatuor à cordes ou le duo piano-violon. Les oeuvres pour cette formation sont nombreuses ? : cet ouvrage mentionne ainsi celles de Ropartz, Nielsen, Schmitt, Schoenberg, Milhaud, Hindemith, Carter et s'attarde plus particulièrement sur celles de Reicha et Ligeti. Les auteurs de cet ouvrage retracent l'essor du quintette à vent en se focalisant sur les points clefs de son histoire, sur les mutations des genres à travers les époques. Ils s'appuient notamment sur plusieurs pièces et enregistrements du xxe siècle. Un entretien avec Gilles Silvestrini et Sergio Menozzi, compositeurs contemporains, apporte pour conclure l'ouvrage un regard actuel et ouvert sur le monde, une manière de nous dire que cette formation semble encore promise à un bel avenir.

Musique de chambre 1, Le Quintette à vent - Des origines à la floraison du genre

Ce nouveau volume de la collection Mélotonia propose une réflexion sur les composantes de la violence comme énergie intra-musicale, en lien avec le contexte qui l'a fait naître, le geste artistique qui en résulte, la perception qui en découle.
Quels sont les ancrages rituels et primitifs de la violence en musique ? Quel rôle la musique joue-t-elle dans les épisodes de violence mis en scène à l'opéra ou au cinéma, notamment dans les films de guerre ? Comment a-t-elle accompagné les révoltes, les traumatismes, les mouvements sociaux, pour le coup bien réels, du xxe siècle, que ce soit la Révolution russe de 1917, l'extermination des Juifs d'Europe par les nazis, la colonisation ou la contre-culture des années 1970 ? Enfin, en quoi la violence a-t-elle pu être considérée comme une catégorie esthétique à part entière par certains courants tels que le mouvement politique et littéraire allemand du Sturm und Drang ou la seconde École de Vienne ?
Autant de questions passionnantes auxquelles ce riche volume répond, ponctué d'interludes sous forme d'entretiens avec des musiciens ou des peintres qui ouvriront la réflexion à d'autres horizons.

La violence en musique

Depuis environ deux siècles, le répertoire instrumental et le concert laissent une large place au violoncelle. Instrument qui sait à la fois accompagner et chanter, ce grand violon a su intégrer une multitude de formations. Par son association avec l'instrument polyphonique des romantiques par excellence, il a vu ses résonances et son expressivité amplifiées ; ensemble, dès le XVIIIe siècle, piano et violoncelle offrent aux instrumentistes professionnels, aux amateurs et aux mélomanes des pièces d'une grande diversité esthétique. Malgré ce succès qui se mesure à la fois par une attirance croissante pour les classes de violoncelle et par des concerts de sonate de plus en plus fréquents, la musicologie a consacré peu de recherches à cette formation. Constituant ainsi la première étude en langue française sur le sujet, ce livre interroge les origines et l'évolution du genre et de son répertoire, des sonates de Beethoven aux compositions actuelles, selon des approches organologiques, historiques, sociologiques, esthétiques ou analytiques. Des regards d'interprètes et de pédagogues enrichissent la réflexion musicologique et permettent au lecteur, qu'il soit musicologue, violoncelliste, pianiste ou mélomane, de s'informer sur un genre qui attendait une exploration approfondie.

Le duo violoncelle piano, approches d'un genre

D'une réflexion sur la matière et l'énergie générées par la musique émergent les notions de foisonnement et de prolifération. L'une et l'autre sous-entendent une matière dense, animée d'une énergie qui peut prendre des orientations différentes. Celles-ci sont évoquées au sein des trois grandes parties qui composent cet ouvrage, entrecoupées d'interludes (propres à la collection « Mélotonia ») donnant la parole à des musiciens et compositeurs.
En premier lieu sont dépeints des répertoires où les canons et polyphonies foisonnent, à l'imitation des arabesques végétales et picturales, à l'instar des compositions de Jean-Sébastien Bach ou du compositeur marocain Ahmed Essyad. Puis c'est l'inscription du foisonnement au plus profond du geste compositionnel et interprétatif qui est étudié, dans les premières oeuvres d'Alban Berg, dans le champ jazzistique ou dans le travail musical du cinéaste Jean Grémillon. Suivent quelques études sur les foisonnements intertextuels, qui nous font voyager de la littérature (avec le mythe de Faust) aux arts visuels, en passant par les Fantaisies de Liszt. Un ouvrage d'une très grande richesse donc, en un mot foisonnant.

Foisonnements et proliférations en musique

Première énergie du processus vital, le souffle s'est imposé pour inaugurer cette nouvelle collection "Mélotonia". Entre immatérialité et matérialité, il s'incarne dans la musique à différents niveaux - fonctionnel, formel, esthétique, symbolique... La dimension anthropologique du souffle innerve l'ensemble de l'ouvrage, plus particulièrement le préambule du philosophe Bernard Sève et la synthèse de Jacques Viret sur le souffle et la voix. Du rôle subtil du qi dans la flûte chinoise (François Picard) à la gigantesque respiration de l'orgue (Odile Jutten), le souffle instrumental revêt, au-delà de ses fonctionnalités physiologiques, une dimension métaphorique que Céline Chabot-Canet décèle également dans la chanson enregistrée. Ce premier volume oscille donc entre ancrage anthropologique, analyse musicologique (Denis Le Touzé, sur le Prélude à "l'Après-midi d'un faune", Makis Solomos, sur la musique contemporaine) et propos de compositeurs (l'interlude de Bertrand Merlier et le témoignage autobiographique de Michel Chion).

Le souffle en musique

Même si, selon de récentes études, le rire n'est plus le propre de l'homme, ce geste corporel et sonore naît d'une énergie,à dont se sont emparés les compositeurs et les musiciens. Cet ouvrage se propose donc de réfléchir à la manière dont le rire se manifeste en musique, dévoilant, au-delà de ses ancrages psychologiques, sociologiques ou anthropologiques, de véritables significations esthétiques. Dès lors que l'on conçoit de rire en musique, levant cet interdit qu'évoque en préambule Denys Acker, plusieurs questions essentielles surgissent : de qui rit-on ? avec qui rit-on ? et pourquoi rit-on ? De Rameau aux "nègres debussystes", du jazz à la chanson puis aux expressions verbales de la révolte dans le rap, le rire prend des sens divers. Mais il faut attendre les explorations désinhibitrices de la musique contemporaine pour que le rire s'inscrive pleinement comme matière sonore et signe gestuel au sein même de la composition. Pour évoquer ces registres variés, les contributions des spécialistes alternent ici avec des interludes : variations cinématographiques, poésie et extraits du journal d'un compositeur.

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