Le Louvre est un lieu fondamental pour la compréhension de l'oeuvre de Pablo Picasso (1881-1973). Depuis sa toute première visite en 1900 jusqu'à l'exposition de ses propres oeuvres dans la Grande Galerie en 1971, le musée occupe une place à part dans l'imaginaire de l'artiste. Il intervient dans sa conception même de l'art, et d'innombrables créations de Picasso découlent de dessins, gravures, peintures, sculptures ou objets d'art conservés au Louvre. Selon les époques, Picasso a pu compter, au sein du musée, sur la confiance et le soutien de profonds admirateurs, mais il a aussi dû composer avec de puissants détracteurs. A bien des égards, la relation entre le Louvre et celui qui lui destina sa collection d'oeuvres anciennes et modernes fait penser à une passionnante suite de rencontres au sommet, émaillée de quelques rendez-vous manqués. L'ouvrage met en lumière les liens forts qu'ont tissés l'artiste catalan et le célèbre musée parisien au fil du XXe siècle et se propose de suivre Picasso dans ses pérégrinations à travers les collections du Louvre. Outre des confrontations d'oeuvres d'art, il fait la part belle aux documents d'archives évoquant les salles du musée que fréquenta Picasso et la place tenue par le Louvre dans la documentation personnelle de l'artiste et, plus largement, dans son imaginaire.

Les Louvre de Pablo Picasso

Les éditions du Griffon publient la monographie de référence de Martial Raysse, un ouvrage d'envergure, exhaustif, luxueux et abondamment illustré, dédié à la pratique picturale de l'artiste depuis 1957 jusqu'aux années 2010. Dimitri Salmon y conte avec érudition les nombreuses métamorphoses d'une peinture qui a su cristalliser les enjeux des époques qu'elle a traversées, et témoigner de leur sensibilité et de leurs mutations.

"peindre comme toujours" ; de l'épopée picturale de Martial Raysse

Peu de maîtres anciens jouissent en France d'une popularité comparable à celle de Georges de La Tour. Redécouvert en 1915 après avoir sombré dans le plus profond oubli, le peintre est devenu en quelques décennies l'égal d'un Claude Lorrain, d'un Nicolas Poussin, voire d'un Vermeer ou d'un Rembrandt. Emouvant et étrange mélange de réalisme et de spiritualité, son oeuvre nous est parvenu de façon fragmentaire, on le sait, mais un sujet semble avoir retenu son attention toute sa carrière durant, un sujet de prédilection dont il a multiplié les versions de ses débuts jusqu'à la fin de sa vie : saint Jérôme. Présentée en 2013 au Musée départemental Georges de La Tour à l'occasion du dixième anniversaire de son ouverture au public, l'exposition réunit autour du Saint Jérôme du Prado, le dernier chef, d'oeuvre redécouvert du maître lorrain, toutes les compositions de La Tour aujourd'hui connues sur ce thème. La confrontation inédite de ces toiles provenant de collections publiques et privées un ensemble constitué d'originaux, d'oeuvres d'atelier, de copies anciennes et même de quelques tableaux ayant autrefois été considérés comme de La Tour entend témoigner de la puissance plastique et de l'originalité iconographique caractérisant des interprétations picturales profondément marquantes, conçues par un artiste qui non seulement garde avec le temps sa part de mystère mais encore, depuis bientôt un siècle, sans cesse se donne et se reprend.

Saint Jérôme & Georges de La Tour

Depuis une vingtaine d’années, par la peinture, la photographie, la vidéo et la conception d’installations, Pascal Lièvre orchestre le télescopage de registres culturels à première vue antinomiques. Radical, parfois cocasse, toujours troublant, le travail d’hybridation et d’appropriation auquel il procède aboutit à des propositions plastiques autant que politiques. Celles-ci consistent notamment à interroger l’histoire de l’art en tentant d’en faire l’expérience à nouveau.
Pascal Lièvre réactive des standards, des figures iconiques de la culture aussi bien savante que populaire. Comme si en la rejouant l’artiste pouvait déjouer l’image : la décontextualiser, en tirer sa substance et la recontextualiser. L’idée est ici de se pencher, à l’occasion d’une exposition à Clichy-la-garenne, sur une série d’oeuvres récentes considérée par son auteur à un moment donné comme close. Cet ensemble de peintures, puisque c’est avant tout de Peinture qu’il est question, Made in France, essaie de revenir dans le détail sur les enjeux soulevés par cette série, du point de vue de ses sources et de la pratique picturale qui la caractérisent, d’abord, puis sous l’angle de la vision qu’elle offre du monde, une vision qui pourra être mise en perspective avec les démarches d’autres plasticiens contemporains. Made in France le livre, imprimé en deux couleurs (le bleu et le rouge du drapeau de la France), reproduit toute la série de peintures et offre le blanc comme espace de mise en valeur de ces dernières.

Made in France

Archétype de la sensualité, La Grande Odalisque affiche depuis bientôt deux siècles cette " volupté profonde " (Baudelaire) emblématique des fantasmes que peut susciter un nu féminin. Le regard qu'elle adresse à celui qui la contemple, à la fois inquisiteur et nonchalant, sa nudité presque intégrale, troublante sinon dérangeante, les distorsions anatomiques volontaires qu'on lui a tant reprochées par le passé - " Elle a trois vertèbres de trop ! " (Kératry) -, tout fascine dans L'Odalisque d'Ingres. Audacieuse à bien des égards, cette figure à l'érotisme d'autant plus exacerbé qu'il ne sert aucune narration ne pouvait que provoquer l'incompréhension de ses contemporains. Avant de devenir, sans doute, le nu le plus célèbre de la peinture française, La Grande Odalisque dut, en effet, affronter une hostilité quasi unanime d'une violence inouïe. Evoquant la question complexe de ses diverses versions dessinées, peintes et gravées, réexaminant avec minutie son histoire à la lueur d'informations inédites, Dimitri Salmon apporte un éclairage nouveau sur ce chef-d'œuvre jadis tant décrié et petit à petit élevé au rang d'incarnation de la beauté idéale. Une beauté paradoxale qui sera loin de laisser indifférents les créateurs des XIXe et XXe siècles.

Ingres - La Grande Odalisque

Grâce à plus de 400 illustrations, Jean-Pierre Cuzin et Dimitri Salmon explorent l'œuvre, les sources et surtout la postérité d'Ingres. De Seurat à Matisse, de Dali à Cindy Sherman, analogies, transpositions, hommages et clins d'œil de ses successeurs aident à voir un Ingres renouvelé, insolent, plus que jamais actuel.

Ingres - Regards croisés

Bousculée, chahutée, souvent même quelque peu malmenée, la si connue et pourtant encore tellement énigmatique vénus de mile résiste aux agressions en règle que, parfois, elle subit.
 Comme aux hypothèses échafaudées pour découvrir les secrets que jalousement elle garde.  superbe, mi chef-d'oeuvre, mi-cliché, elle triomphe de tous les pièges qu'on lui tend et sa célébrité va croissant.  modeste, imperturbable et digne bien que quotidiennement parodiée, elle s'est comme contentée de devenir ce que l'on a petit à petit fait d'elle : un mythe.

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