Tiberius Claudius Nero naît en 37 de notre ère, arrive au pouvoir en 54 et meurt en 68, à trente et un ans. Dernier descendant d'Auguste, fils d'Agrippine, il est adopté par Claude, a Sénèque et Burrus pour conseillers, instaure un pacte social et politique; sous son règne brûle Rome, sont persécutés pour la première fois les chrétiens, se trouve sans cesse révélée l'instabilité de l'Empire. Renversé par les militaires, il est contraint de se suicider. Ce ne sont pas ces seuls traits qui provoquent la passion. C'est la débauche, l'inceste avec la mère, le meurtre des deux épouses, les suicides imposés en série, la mise en scène d'un empereur en chanteur d'opéra, l'union avec les hommes. La figure de Néron a traversé l'histoire entière de l'Occident et inspiré au travers des siècles l'épigraphie, la numismatique, la littérature, l'art, et jusqu'au cinéma. Ce sont les péripéties de cette figure que retrace ici Donatien Grau. À l'interrogation «Qui est Néron?», trop ambitieuse et finalement stérile du fait de l'absence de sources intimes, l'auteur préfère «Qu'est-ce que Néron?», cherchant à démêler, plutôt que les bribes d'un savoir impossible, les fils d'une construction foisonnante et unique dans la tradition occidentale. Ce faisant, il ouvre un accès paradoxal aux arcanes de l'Occident, ses songeries les plus noires, comme ses rêves de lumière.

Néron en Occident, une figure de l'histoire

L'ouvrage Christoph von Weyhe. Au silence, publié à l'occasion de l'exposition qui présente, à la Galerie Azzedine Alaïa, l'ensemble des gouaches grand format de l'artiste, en constitue la première monographie scientifique. Christoph von Weyhe est né en 1937 à Halle (Saale), en Allemagne. Diplômé de l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris, il commence à travailler à la plume, afin de saisir l'image de ses paysages oniriques. Depuis trente-cinq années, il retourne au lieu où il a grandi le port de Hambourg et le transcrit en peinture. Il capture d'abord l'instant avec la gouache, et ensuite travaille à une réinvention de sa sensation initiale pendant des mois, et parfois des années. On découvrira dans ce volume les oeuvres mêmes, et les réactions d'artistes, d'écrivains, de chercheurs qui admirent cette oeuvre tenace et fidèle, y retrouvant aussi leur aspiration de Patrick Modiano à Paul McCarthy.

Christoph von Weyhe - Au silence

Cette étude entreprend d'analyser, pour la première fois, la façon dont des protagonistes de l'art et de la littérature modernes intitulèrent leurs oeuvres. Si c'est au milieu du XIXe siècle que les peintres commencent à donner à leurs oeuvres des noms qui sont davantage que des titres de convention, l'histoire a commencé bien plus tôt pour les écrivains et les poètes. Des années 1890 aux années 1920, c'est le récit d'une émulation entre le mot et l'image qui est ici raconté. Mettant en parallèle et en relation les pratiques développées par Paul Gauguin et Alfred Jarry, Paul Cézanne et Émile Zola, André Gide et Henri Matisse, Guillaume Apollinaire et Pablo Picasso, Francis Picabia et Tristan Tzara, André Breton et Max Ernst, Donatien Grau met au jour une polarité entre deux lignées, l'une accordant à la forme employée, poème ou tableau, toute son attention, avec un refus du contexte, l'autre voyant dans l'oeuvre d'art picturale ou littéraire une matrice politique, n'existant que dans la relation à l'espace public. Examinant aussi bien des chefs-d'oeuvre que des documents méconnus et inédits, tout en prenant en compte les cheminements individuels de chaque figure évoquée, cet ouvrage propose une nouvelle généalogie des pratiques littéraires et picturales, écrite à la lumière des titres. En effet, la nomination par les peintres et écrivains de leurs oeuvres, source de bien des inventions, se révèle être l'outil majeur qu'ils partagent : image et texte portent également des titres, et c'est un signe de la liberté de l'artiste moderne que de pouvoir les concevoir. La prise au sérieux des titres modernes pourrait bien offrir la clef de compréhension des rapports intimes entre les arts dans une époque canonique, où beaucoup reste encore à découvrir.

Titres

Le destin de Michael Werner, galériste de renommée internationale et collectionneur éclairé, est intimement lié au courant de la peinture allemande représenté par Georg Baselitz, Jorg Immendorf, Markus Lüpertz et A. R. Penck. La donation d'un ensemble exceptionnel de sa Collection au musée d'art-moderne de la ville de Paris est un geste unique dans l'histoire de l'art contemporain. Unique par la qualité et le nombre d'oeuvres concernées, toutes reproduites dans cet ouvrage, mais aussi parce que cet ensemble quitte son territoire d'origine pour rejoindre une institution française. Parti à la rencontre de Michael Werner dans son Château de Märkisch Wilmersdorf, Donatien Grau retrace l'itinéraire de l'un des acteurs déterminants de l'histoire de l'art de ces cinquante dernières années et analyse avec acuité les enjeux historiques, politiques et artistiques de sa donation.

Le dernier château - Sur la donation Michael Werner

Deux expositions dans deux villes européennes. Deux livres regroupés en un ouvrage aux éditions du Fonds Mercator

Adel Abdessemed - Octichronie ; L'antidote

Dans cette enquête au travers de la poésie grecque archaïque et classique, d'Homère à Platon, nous partons à la recherche des traces de ces moments originels de la création occidentale où la poésie, s'énonçant, se met en scène. On y découvre des figures de poètes dès les origines, une incarnation des plus profonds questionnements créateurs par les figures des muses et une parole poétique qui est en permanence à l'interface entre divinités et humanité, où les discours sont placés les uns contre les autres, dans leurs raisonnements et leurs contradictions. La poésie s'affirme comme l'espace commun du sacré et du profane, l'emplacement d'une parole autre, toujours mise en scène. 

L'ensemble du corpus canonique grec - celui-là même auquel est attribué le fondement de notre civilisation - est l'objet de cet examen : l'Iliade et l'Odyssée, la Théogonie, les Hymnes homériques, la poésie lyrique, les trois grands tragiques, Eschyle, Sophocle, Euripide, après eux le comique Aristophane, donnent à voir les oscillations d'une parole qui intègre les conditions de son énonciation et les joue dans la dramatisation de son ambition. Platon assume son rôle de sceau des poètes. La référence à des auteurs antérieurs, déjà explicite dans la poésie lyrique, est omniprésente. L'intertextualité est antique.

En prenant au sérieux les textes et leurs variations, c'est à la substance même de cette parole poétique qu'il nous est donné accès.

La parole au miroir - Dans la poésie grecque archaïque et classique

Au milieu des années 1970, Sylvère Lotringer a créé Semiotext(e), un groupe philosophique devenu magazine puis maison d'édition. Depuis sa création, Semiotext(e) est le lieu de rencontres libres : John Cage lisant Nietzsche, à travers Deleuze ; punk et philosophie ; la possibilité de sexualités et de politiques alternatives ; le dialogue immédiat entre artistes et philosophes. La vie artistique et intellectuelle américaine des cinquante dernières années en est largement tributaire. Le modèle de la revue et de la maison d'édition tourne essentiellement autour de la notion de collectif, et leur créateur Sylvère Lotringer s'est rarement livré à la continuité de son parcours personnel : son existence d'enfant caché pendant la Seconde Guerre mondiale ; l'expérience libératrice puis traumatisante du collectif dans le kibboutz ; son activisme parisien dans les années 1960 ; son temps d'errance, qui le mena, par Istanbul, aux Etats-Unis ; et puis, bien sûr, ses années américaines, la façon dont il mêlait sa vie nocturne à l'expérimentation formelle qu'il a inventée avec Semiotext(e) et avec ses cours. Depuis le début des années 2010, Donatien Grau a pris l'habitude de rendre visite à Sylvère Lotringer lors de ses voyages à Los Angeles ; certains de leurs dialogues ont été publiés ou tenus en public. Ceux-ci nous donnent accès à la vie de Sylvère Lotringer, ses amitiés, ses choix, son admiration pour certains des plus grands penseurs de notre temps. Les conversations montrent des éclats de vie, des traces d'un voyage, à travers les textes et l'existence elle-même, avec une intensité rare.

J'étais plus américain que les Américains - Sylvère Lotringer en conversation avec Donatien Grau

"D'autres pourraient proposer des récits différents, et j'aimerais qu'avec leurs connaissances, l'intersection de leur vie avec celle d'Azzedine, dont il avait su discerner bien avant tout autre combien elle serait fructueuse, ils écrivent une pièce de la Vie Alaïa. Mon métier d'historien m'a appris que, si l'on croit en la biographie, une personne, quand elle meurt, est à jamais inconnaissable en elle-même - si tant est que l'on puisse jamais connaître quiconque -, surtout si elle n'a laissé aucun discours, pas de mémoires. Azzedine, climatique, couturier, ne l'a pas fait. J'ai ici rassemblé quelques pièces, en témoin. L'inventaire de la Fondation, complet de tout y compris du plus modeste, permettra de compléter, d'en dire davantage sur cette vie au nom d'un homme qui la donna à toutes." Donatien Grau

La Vie Alaïa

Cet ouvrage constitue la première étude philosophique d'une boutique qui défie le terme même de "boutique" ; elle a suscité la création d'une appellation nouvelle, qui, depuis, s'est démultipliée et répandue à travers le monde : concept store. Ce lieu porte le nom de l'adresse où il a été fondé à Milan, en 1990 : 10 Corso Como. Réunissant galerie d'art, librairie, restaurant, hôtel, espace de vente de vêtements et d'objets, il est devenu une véritable institution, et a ouvert de nouveaux sites à Pékin, Shanghai, Séoul et bientôt New York. Manifestant la vision de sa fondatrice, Carla Sozzani, figure centrale de la mode, 10 Corso Como invite à repenser les catégories que nous considérions les plus figées - le temps, le goût, la contemplation -, et à entrer dans une existence merveilleusement instable, où nous sommes rendus sensibles à toutes les choses qui existent avec nous ; un musée à ciel ouvert.

Le musée transitoire - Sur 10 Corso Como

Cette étude entreprend d'analyser, pour la première fois, la façon dont des protagonistes de l'art et de la littérature modernes intitulèrent leurs oeuvres. Si c'est au milieu du XIXe siècle que les peintres commencent à donner à leurs oeuvres des noms qui sont davantage que des titres de convention, l'histoire a commencé bien plus tôt pour les écrivains et les poètes. Des années 1890 aux années 1920, c'est le récit d'une émulation entre le mot et l'image qui est ici raconté. Mettant en parallèle et en relation les pratiques développées par Paul Gauguin et Alfred Jarry, Paul Cézanne et Emile Zola, André Gide et Henri Matisse, Guillaume Apollinaire et Pablo Picasso, Francis Picabia et Tristan Tzara, André Breton et Max Ernst, Donatien Grau met au jour une polarité entre deux lignées, l'une accordant à la forme employée, poème ou tableau, toute son attention, avec un refus du contexte, l'autre voyant dans l'oeuvre d'art picturale ou littéraire une matrice politique, n'existant que dans la relation à l'espace public. Examinant aussi bien des chefs-d'oeuvre que des documents méconnus et inédits, tout en prenant en compte les cheminements individuels de chaque figure évoquée, cet ouvrage propose une nouvelle généalogie des pratiques littéraires et picturales, écrite à la lumière des titres. En effet, la nomination par les peintres et écrivains de leurs oeuvres, source de bien des inventions, se révèle être l'outil majeur qu'ils partagent : image et texte portent également des titres, et c'est un signe de la liberté de l'artiste moderne que de pouvoir les concevoir. La prise au sérieux des titres modernes pourrait bien offrir la clef de compréhension des rapports intimes entre les arts dans une époque canonique, où beaucoup reste encore à découvrir.

Titres - Une histoire de l'art et de la littérature modernes

Universitaire et intellectuel américain de premier plan ayant contribué à définir le dialogue culturel américano-français, spécialiste de la littérature française et du Nouveau Roman, Tom Bishop retrace son parcours au fil de conversations avec Donatien Grau.
En 2012, Tom Bishop a invité Donatien Grau à donner une conférence à l'Université de New York. A partir de cette invitation, des conversations, une amitié se sont développées - dont certaines sont rassemblées dans ce livre. Tom Bishop retrace son parcours, sa propre histoire : son départ de Vienne, ses études, ses rencontres, ses choix, sa conception de la littérature et de la vie, son rapport au monde politique et économique ; la manière dont il a contribué à définir la profession de « curator » telle qu'elle se pratique aujourd'hui. Dans ces entretiens, il se présente à la fois comme un savant, un organisateur, un acteur majeur de la vie intellectuelle : un individu, avec ses déclarations, sa colère, ses refus, sa loyauté, son appétit insatiable de découverte et de nouveauté, son profond attachement à l'université, lieu de liberté et de création.

La littérature est un voyage de découverte : Tom Bishop en conversation avec Donatien Grau

À l'automne 2014, le grand artiste californien Paul McCarthy réalisa une exposition majeure à Paris. Cette exposition s'articula autour d'un projet réalisé à la Monnaie de Paris, The Chocolate Factory (« l'usine de chocolat »), et d'une oeuvre monumentale qui fut montée sur la place Vendôme R Tree. Quelques jours après, l'oeuvre fut intentionnellement dégonflée, et l'artiste agressé. Cette oeuvre devint alors l'une des plus célèbres du monde, car elle interrogeait notre rapport à l'espace public. On la vit sur toutes les chaînes de télévisions, dans tous les journaux, de la presse française au New York Times.
L'oeuvre de Paul McCarthy dans son ensemble n'a jamais cessé de mettre en question nos conventions, et de soulever les problèmes essentiels de notre vie : notre liberté, la relation que nous avons à notre corps, à la société de consommation, au pouvoir. L'artiste, s'il est capable d'une intervention musclée dans l'espace public, comme il le fit sur la place Vendôme, fut aussi, pendant vingt ans, professeur à l'Université de Californie à Los Angeles (UCLA), où il introduisit la théorie critique.
Il avait ainsi invité l'universitaire Donatien Grau à ouvrir, en dialogue avec lui, son exposition en forum, pour permettre à des voix puissantes et singulières, de venir s'y exprimer, en consonance avec les préoccupations qui sont les siennes. Pendant près de quatre mois, d'octobre 2014 à janvier 2015, on y parla des criminels, de l'avant-garde, de la subversion, de la fabrication du chocolat, de numismatique antique, de Donatello et de Ghiberti, d'histoire de l'art américain, du statut métaphysique des choses, du rapport entre roman et philosophie, de l'origine de nos sensations, et on y débattit de l'importance d'une oeuvre qui avait, comme rarement, touché l'espace public. Y vinrent s'exprimer certaines des plus éminente figures dans des domaines qui allaient du journalisme indépendant à la pensée, voire la chocolaterie.
Ce sont ces interventions qui sont ici données à lire. On y découvre, d'un entretien à un autre, les enjeux de l'art dans nos vies, et de cette intervention artistique qui représenta un véritable événement dans la vie publique. On y sent, comme le souligne dans sa préface Fleur Pellerin, qui fut ministre de la Culture quand l'exposition eut lieu, l'extraordinaire vitalité de la vie intellectuelle française : il est donné au lecteur de découvrir, en quelques dizaines de pages, la recherche en train de se faire en philosophie, en politique, en littérature, du fait de l'invitation d'un artiste. Ce qui en ressort est à la fois la résultante d'un grand moment dans l'histoire contemporaine de l'art, le portrait multiple d'une oeuvre forte, et une entrée privilégiée dans certaines des propositions les plus remarquables exprimées aujourd'hui dans le champ de la pensée.

Paul in Paris  / Paris in Paul

Situé dans Rome, ville, par l'Antiquité, de l'histoire et non de la fiction, par le catholicisme, de la religion et non du roman, ce genre a été ouvert par Madame de Staël avec Corinne ou l'Italie (1807). Il compte parmi ses pratiquants des auteurs majeurs tels que George Sand, Alexandre Dumas, les Goncourt, Paul Bourget, Emile Zola, André Gide, Jules Romains, Marguerite Yourcenar, Paul Morand, Michel Butor, et d'autres encore à découvrir ici.
Le roman romain s'établit comme un genre à part entière, s'opposant à la tradition moribonde, au début du XIXe siècle, du Voyage et de son récit, et prenant en compte la modernisation de Rome, qui passe d'à peine cent mille habitants au début du XIXe siècle, à deux cent mille en 1870, un million sous le fascisme, et deux millions dans les années 1960. La prise en compte romanesque de la Ville est comme une manière de se confronter à la modernité.
Il ressort de cet ouvrage la façon dont la littérature française s'est saisie de Rome par le roman afin de se confronter à ses propres interrogations, par le biais du rapport historique à une ville qui est aussi un modèle de civilisation. Rome est alors à la fois la cité antique, qui fait rêver les écrivains, le coeur battant d'un catholicisme en question, et la capitale d'un nouvel état, l'Italie ; c'est aussi la seule ville jumelée avec Paris. Le roman romain permet d'élucider une interrogation de la modernité, de ses valeurs et de sa politique, au coeur de la littérature.

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