La production pluridisciplinaire de Mai-Thu Perret se déploie à travers différents médiums aussi variés que la sculpture, la peinture, la vidéo, le son, mais aussi le texte ou même encore la céramique. Marquée par les mouvements avant-gardistes du XXe siècle et par les philosophies orientales, l'oeuvre de Mai-Thu Perret comporte de nombreuses références culturelles, historiques et littéraires.
Mai-Thu Perret a commencé sa carrière d'artiste à la fin des années 1990, après des études de lettres à Cambridge tout en dirigeant l'espace d'art contemporain Forde à Genève. Elle se fait remarquer sur la scène internationale avec son oeuvre The Crystal Frontier (1999), un récit autour d'une communauté imaginaire de femmes parties vivre dans le désert du Nouveau Mexique. Elle poursuit la chronique de cette communauté utopique depuis plus de dix ans en créant, pour donner corps à cette collectivité, un journal de bord et des objets qui appartiendraient à ces femmes. Dans son travail, Mai-Thu Perret se plaît à mêler fiction et réalité en glissant des références historiques et littéraires, pour brouiller les pistes et multiplier les interprétations. C'est par la fiction qu'elle revient sur le passé pour interroger le présent. A travers son travail, elle réfléchit à l'héritage de la pensée utopiste dans la société capitaliste contemporaine. Son oeuvre Perpetual Time Clock est liée au rythme de la vie dans une communauté. Cette horloge géante marque le temps par des symboles qui représentent la routine dans une journée qui structure la vie en communauté.
Mai-Thu Perret a remporté le Zurich Art Prize ainsi que le Manor Art Award Geneva.

Mai-Thu Perret

Couvrant les vingt dernières années de la pratique d'Agnès Thurnauer, cette publication entrecroise ses différentes séries et expositions majeures, et montre comment la pertinence conceptuelle de son travail est obtenue par un rejet du style et une vision libre de la peinture conçue non pas comme un dispositif figuratif / abstrait, mais comme un moyen de donner une représentation aux questions liées à l'art, à la politique, au corps et à l'auto-investigation -  « la peinture dans le champ élargi ».

Des essais inédits du critique d'art et conservateur américain Dean Daderko, de la présidente du Musée Picasso Cécile Debray et de l'écrivaine Elisabeth Lebovici, ainsi qu'une introduction de l'éditeur Clément Dirié, offrent de nouvelles perspectives sur l'oeuvre de l'artiste, tandis qu'une longue conversation avec le commissaire italien Lorenzo Benedetti reflète l'étendue de la réflexion de Thurnauer sur sa propre pratique et sur l'art en général.

L'artiste franco-suisse Agnès Thurnauer (née en 1962 à Paris) est l'une des figures artistiques les plus reconnues de la scène artistique contemporaine française. Depuis le milieu des années 1990, elle a construit une oeuvre novatrice avec laquelle elle explore principalement le langage (mots, signification, réciprocité) à travers la peinture, la sculpture et l'installation. Dans sa pratique, l'écriture est souvent intégrée à l'image, de différentes manières expressives, et la puissance allusive dégagée par le sujet renvoie le spectateur à l'histoire de l'art aussi bien qu'à des préoccupations contemporaines. La qualité visuelle du langage est également éprouvée en trois dimensions à travers ses sculptures constituées de moulages de lettres à différentes échelles, permettant d'impliquer à la fois le regard et le corps.

Agnès Thurnauer

Lili Reynaud-Dewar

Zoe Leonard - [exposition, Paris, Centre national de la photographie, 9 septembre-2 novembre 1998

Olga Kisseleva, une " artiste forte en maths ", vit entre Saint-Pétersbourg et Paris. Elle travaille au croisement de monde divers - celui des labyrinthes gothiques et celui des technologies les plus récentes, celui de la recherche scientifique et celui des nouvelles cultures urbaines. Les messages qu'elle encode sur ses tags sont des invitations au jeu : Cross Worlds, qui signifie " mondes croisés " appelle immédiatement Cross Words, c'est à dire mots croisés.

Olga Kisseleva - Mondes croisés

L'historienne et critique d'art revisite, avec sa mémoire de témoin, les liens entre art et activisme durant les « années sida » en France et aux États-Unis. Composé de textes monographiques, d'entretiens et d'essais thématiques, cet ouvrage rédigé à la première personne rend compte d'une créativité artistique et activiste née de l'urgence de vivre et du combat pour la reconnaissance de tous·tes.

Restituer la parole des ami·e·s de lutte, articuler les « je » et « nous » d'alors et d'aujourd'hui, faire retour sur des faits et affects peu connus du public français, analyser l'« épidémie de la représentation » consécutif à l'apparition du sida : telle est l'entreprise de cet ouvrage, conçu par Elisabeth Lebovici comme un véritable « discours de la méthode » où, toujours, le personnel est politique, le public et le privé s'intriquent. Engagée aux côtés des activistes français et américains de la lutte contre le sida, observatrice privilégiée, en tant qu'historienne de l'art et journaliste, des débats et enjeux des années 1980 et 1990, l'auteure analyse ce moment charnière des liens entre art et activisme, qu'elle revisite avec sa mémoire de témoin, en survivante affectée.
Monographies, entretiens et essais thématiques composent ce volume, rédigé de manière assumée - la seule possible - à la première personne. Il propose ainsi, dans un va-et-vient constant entre les États-Unis et la France, une cosmologie élective : ACT UP, les « arbres téléphoniques », Richard Baquié, Gregg Bordowitz, Alain Buffard, Douglas Crimp, les « enterrements politiques », General Idea, Nan Goldin, Félix González-Torres, Gran Fury, L'Hiver de l'amour, Roni Horn, Eve Kosofsky Sedgwick, Zoe Leonard, Mark Morrisroe, William Ollander, le « Patchwork de noms », The Real Estate Show, Lionel Soukaz, Philippe Thomas, Georges Tony Stoll, Paul Vecchiali, David Wojnarowicz, Dana Wyse, les zaps, etc.
Illustré par de nombreuses archives et ephemera qui soulignent l'importance du graphisme dans la lutte contre le sida, Ce que le sida m'a fait est un ouvrage nécessaire pour comprendre les « années sida », cette période d'une créativité artistique et activiste née de l'urgence de vivre et du combat pour la reconnaissance de tous·tes.

Cette publication s'inscrit dans la collection Lectures Maison Rouge, dont l'ambition est de proposer des textes d'artistes qui interrogent à la fois la muséographie, l'écriture de l'exposition et le travail de certains artistes eux-mêmes, sous la direction de Patricia Falguières.

Ce que le sida m'a fait ; art et activisme à la fin du XXe siècle

Absalon Absalon est le catalogue de l'exposition éponyme présentée au Capc-musée d'art contemporain de Bordeaux en 2021. L'exposition rapproche Absalon de plusieurs de ses contemporains, dont Felix Gonzalez-Torres, Robert Gober ou Marie-Ange Guilleminot, et réalise des associations par affinités avec des oeuvres de Mona Hatoum, Alain Buffard, Laura Lamiel et Myriam Mihindou. Ce livre, qui publie des archives de l'artiste pour la première fois en français (textes, conférence) est également la seule monographie en circulation actuellement sur l'oeuvre d'Absalon, depuis le catalogue du KunstWerke de Berlin il y a dix ans. Le catalogue Absalon Absalon est non seulement une documentation de l'exposition, incluant de nombreuses vues d'installation, mais aussi un prolongement de ce projet, à travers la publication d'un ensemble de documents inédits d'Absalon : textes d'artiste, photographies d'archives, transcription d'une conférence. Le catalogue est accompagné d'un essai des commissaires Guillaume Désanges et François Piron, ainsi que d'un entretien avec l'historienne de l'art Elisabeth Lebovici, qui renouvellent l'approche de cette oeuvre depuis un point de vue contemporain.

Absalon Absalon

The first and much anticipated monograph on the groundbreaking work of one of today's most celebrated multimedia artists.
French artist Lili Reynaud-Dewar creates environments and situations in which she uses her own body to examine the dual experience of vulnerability and empowerment that results from acts of exposing oneself to the world. Evolving through a range of media such as performance, video, installation, sound, and literature, her work considers the fluid border between public and private space, challenging conventions related to the body, sexuality, power relations, and institutional spaces. This is the first book to document her remarkable career.

Japonais Takashi Murakami, les français Xavier Veilhan et Bernar Venet, elle sera la première femme, la plus jeune artiste aussi, à occuper les lieux. Sa démarche s'inscrit dans la réappropriation d'objets du quotidien qu'elle s'ingénie à transformer à l'aide de techniques inventives et inattendues héritées du ready made et du Pop Art. 
Ces déplacements produisent des ?uvres hybrides réalisées avec les matériaux et l'artisanat de son pays, azulejos, " crochet " : elles sont cousues, soudées, dorées... En un mot, l'objet d'une métamorphose. Ce livre rassemble autour d'un essai rétrospectif d'Elisabeth Lebovici les pièces majeures de son ?uvre. Les reproductions des ?uvres installées à Versailles y seront également reproduites. 
Un long entretien avec le commissaire de l'exposition Jean-François Chougnet complétera cet ouvrage. Avec plus de 100 reproductions ce livre est la première monographie de référence consacrée à l'artiste en France.

Joana Vasconcelos

L'historienne et critique d'art revisite, avec sa mémoire de témoin, les liens entre art et activisme durant les "années sida" en France et aux États-Unis. Composé de textes monographiques, d'entretiens et d'essais thématiques, cet ouvrage rédigé à la première personne rend compte d'une créativité artistique et activiste née de l'urgence de vivre et du combat pour la reconnaissance de tous·tes.

Ce que le sida m’a fait – Art et activisme à la fin du 20e siècle

Formée à la sculpture par Ossip Zadkine, Marie-Pierre Thiébaut (1933-2010) collabore en 1967 et 1968, en Algérie, avec l'architecte Fernand Pouillon. La découverte du Sud algérien et de ses constructions traditionnelles aux volumes simples et à la décoration dépouillée influence durablement son art, imprégné par la lumière et par une connivence avec la matière et les matériaux (pierre, bronze, bois et plâtre, mais aussi terre, ciment ou papier). Ses architectures-sculptures épurées traduisent parfaitement le lien intime que Marie-Pierre Thiébaut entretient avec la nature, tandis que ses séries d'empreintes de doigts, paumes, mains, seins et ventres, véritables estampes du vivant, soulignent l'omniprésence du corps de l'artiste au sein du processus créatif. Cette publication accompagne l'exposition organisée par La Piscine autour de deux importantes donations d'oeuvres de l'artiste consenties par Michelle Porte.

Marie-Pierre Thiébaut - La forme-geste

Peintures d'écran 2001-2004 - Edition bilingue français-anglais

La défaite du rouge-gorge - 2001 - 23 minutes Lucie est une jeune femme d'une trentaine d'années, timide et introvertie. Au cours d'une fête, elle rencontre Bertrand dont elle s'empresse de tomber amoureuse. Impatiente de vivre le grand amour, elle projette sur lui la foule de ses espoirs et de ses attentes. Portraits filmés (extrait) - 2002 - 1 min. 04. Collection Fonds national d'art contemporain. Face caméra, douze personnes racontent chacune un souvenir. Chamonix - 2002 - 13 minutes Réalisé à la suite des Portraits filmés, Chamonix reprend le même dispositif sur le mode fictionnel : neuf souvenirs réunis sont interprétés par des comédiens. Ritratti (extrait) - 2003 - 1 min. 34. Une version italienne des Portraits filmés tournée à Rome.

Livres