On Adrian Piper's radical pedagogy of transgression and the importance of soul and funk music in the African American struggle for emancipation.

From 1982 to 1984, Adrian Piper staged a number of audience-interactive performances in universities or museum settings, under the title Funk Lessons. Using the didactic format of a "lesson" (including characteristic paraphernalia such as blackboards), Piper endeavored to teach the basic moves of funk dance to a mostly white, college-educated audience. Filmed by Sam Samore in 1983, one of the piece's more successful iterations lives on as a videotape, and in Piper's own written reflections, "Notes on Funk."

Considering Piper's broader conceptual-political practice and her long-standing interest in dance, Elvan Zabunyan reveals how Funk Lessons troubles conceptions of knowledge and pedagogy rooted in white, "high culture" through their subtle mimetic subversion. The study foregrounds the key political significance of funk and soul music as the soundtrack of the civil rights movement. By teaching to transgress essentialist categories of race and class through knowledge embodied in dance and music, Funk Lessons opens up new paths for sensory identification and self-transcendence.

Adrian Piper : Funk lessons

"Cent cinquante-deux images composent les pages de ce livre. Les regarder de la première à la dernière est un déplacement visuel conçu par Thierry Lefébure comme un voyage à la fois spatial et temporel. Voyage spatial, car le photographe a choisi de faire se rencontrer deux séjours new-yorkais distincts ; voyage temporel, car ces deux séjours sont séparés de trente ans. 1988 et 2018 sont les dates qui donnent ses bornes chronologiques au titre de l'ouvrage. Les photographies de 1988 sont en noir et blanc, celles de 2018 en couleurs" -extrait du texte de Elvan Zabunyan

Two Times in Conay Island -1988 & 2018

Recueil de travaux inédits, d'études historiques, et de propositions esthétiques, cette anthologie d'approches théoriques et artistiques féministes en art contemporain affirme la nécessité de penser l'articulation entre art et histoire globale, art et genre, art et corporéités, art et post-colonialité, à partir de références textuelles, visuelles, performatives et conceptuelles.

Avec les contributions de : Marie-Laure Allain Bonilla, Émilie Blanc, Johanna Renard et Elvan Zabunyan.

Constellations subjectives ; pour une histoire féministe de l'art

Recueil de travaux inédits, de croisements artistiques, d'études historiques et de propositions esthétiques qui convoquent une pensée politique de l'art contemporain, cette anthologie affirme la nécessité de sonder l'articulation entre art et histoire globale, entre art et genre, entre art et corporéités, entre art et décolonialité, à partir de références textuelles, visuelles, performatives et conceptuelles.

Transnationale, pluridisciplinaire, intersectionnelle, elle témoigne de l'intrication des pratiques théoriques, artistiques et activistes féministes, queers et décoloniales. Composée pour mettre en résonance plusieurs temporalités de la création et de la réflexion, elle présente, ensemble et bout à bout, des textes théoriques, des écrits manifestaires, des scripts et des traces photographiques des ouvres et des performances : autant d'actions militantes, de pratiques artistiques et de recherches théoriques qui, en transformant profondément les discours sur les identités et en favorisant les recoupements entre leurs diverses facettes - classe, genre, race, orientation sexuelle... - invitent à élaborer des politiques coalitionnelles.

Avec des contributions de Muriel Andrin, Clélia Barbut, Dalida María Benfield, Rebecca Close, Anne Creissels, Stéphanie Dadour, Katy Deepwell, Fabienne Dumont, María Galindo, Virginie Jourdain, Aurélie Journée-Duez, Melanie Klein, Verónica Lahitte, Dominique Malaquais, Anyely Marín Cisneros, Liza Petiteau, Griselda Pollock et Nataliya Tchermalykh.

Constellations subjectives - Pour une histoire féministe de l'art

Kehinde Wiley - Tahiti

Dans le courant de sa brève vie, l'artiste coréenne-américaine, Theresa Hak Kyung Cha (1951-1982) a produit un travail artistique, littéraire et critique qui en fait une figure exemplaire, même si encore trop méconnue, de l'art contemporain américain. Est ici retracé ce parcours singulier qui se forge à la lumière d'une période exceptionnelle à la fois de l'histoire et de l'histoire de l'art. Theresa Hak Kyung Cha est à Berkeley en 1968, à Paris en 1976, à New York en 1980 et s'engage dans une pratique de l'art et de la pensée où sont brassés les concepts les plus novateurs des théories visuelles ou filmiques, de la philosophie, de la linguistique et de la littérature comparée. Theresa Hak Kyung Cha, Berkeley, 1968 est aussi une réflexion inédite sur la représentation de territoires culturels déplacés et leur rapport à la mémoire.

Theresa Hak Kyung Cha - Berkeley - 1968

Comment se pose, aujourd'hui, la question de la mise en histoire de la performance dans sa relation à l'archive, dans son rapport à une réflexion théorique et un discours critique sur le féminisme et les gender studies, dans son lien aux pratiques contemporaines ? De quelle manière l'analyse de ce médium artistique permet-elle de soulever, depuis les années 1960, des interrogations critiques, esthétiques et historiques inédites ? A travers plusieurs essais et un ensemble de textes historiques, d'entretiens et de documents d'archives inédits, l'objectif de cette publication est d'aborder la question de la trace de la performance et d'éclairer la manière dont les artistes et les critiques ont conçu et théorisé la fonction de l'archive dans le protocole artistique : entre document et oeuvre.

La performance - Entre archives et pratiques contemporaines

Figure majeure de l'art contemporain américain, Martha Rosler réalise, depuis le milieu des années 1960, une œuvre exigeante qui interroge et utilise conjointement plusieurs médiums de représentation. Photomontage, photographie, performance, écrit et vidéo sont ainsi pour l'artiste des formes d'expression qui lui permettent de créer des réponses artistiques radicales au contexte culturel, économique et social de son époque. Engagée depuis toujours dans les mouvements de revendication contre les offensives militaires menées par son pays, inscrite dans les premiers groupes féministes californiens dès leur émergence à la fin des années 1960, analysant les modifications sociales et économiques de l'espace public et urbain, dénonçant l'hégémonie des médias et du système de marchés ou encore se référant à la culture populaire, Martha Rosler propose également des relectures critiques de l'histoire de l'art contemporain. Ses réflexions théoriques et esthétiques sur le pop art, la photographie documentaire, l'art conceptuel et post-conceptuel ou encore sur les pratiques visuelles féministes sont devenues des références. Considérée aujourd'hui comme l'une des personnalités artistiques parmi les plus tranchantes de la scène internationale, ayant su garder une réelle intégrité dans sa forme créative, Martha Rosler continue de produire, quarante ans après ses débuts, un véritable travail politique en phase avec l'actualité la plus récente. À l'occasion de la publication de cette première monographie de l'artiste en français, le choix a été fait de présenter ses réalisations artistiques de façon exhaustive. Des traductions inédites de certains de ses essais, des textes d'auteurs, des entretiens et des notices accompagnent les nombreuses reproductions de ses œuvres. Projet éditorial exceptionnel, à la fois parcours visuel et expérience intellectuelle, " sur/sous le pavé " se veut un outil scientifique nécessaire pour notre histoire de l'art contemporain.

Ses oeuvres

Ses derniers livres