Durant la Renaissance, le dialogue est partout, dans tous les champs du savoir et de l'expression "littéraire" comme dans tous les pays d'Europe. Ses formes sont d'une déconcertante diversité, s'adaptant et se déployant selon des temporalités elles-mêmes très variables. L'on pourrait s'amuser à dire, en partant du constat qu'il faut attendre le dernier tiers du XVIe siècle pour voir apparaître ses premières théorisations (Carlo Sigonio, Sperone Speroni, Torquato Tasso), que, pendant longtemps, s'il est partout, le dialogue n'est à proprement parler nulle part : il reste sans territoire défini, ni même sans doute définissable, dans l'univers des genres de l'écrit et a fortiori dans ses relevés cartographiques. Sans territoire circonscrit au sens propre non plus, puisque né dans sa forme "moderne" en Italie (avec Pétrarque comme initiateur), mais en un âge que caractérisent la densité et la continuité des échanges entre lettrés de différentes "nations", il semble étendre inexorablement et durablement son aire d'extension. Absolument et définitivement sans territoire ? L'observateur attentif pourra cependant distinguer des "couleurs locales" : outre le cas, italien, le mieux connu sans doute, le plus logiquement marqué par des studia humanitatis, y aurait-il un filon espagnol, marqué par un esprit de sérieux couplé à la promotion résolue des langues vulgaires, castillan au premier chef, et volontiers tourné vers les horizons géographiques nouveaux ? Une veine française, très sensible à l'hybridation, voire à la déconstruction ? Et qu'en est-il des aires laissées de côté, l'anglophone notamment ?

Les Etats du dialogue à l'âge de l'humanisme

Cet ouvrage réunit trois arts de poésie française écrits vers la fin du XVe siècle, l'Instructif de seconde rhétorique, l'Art de rhétorique de Molinet et un Traité de rhétorique. Ces ouvrages dressent un état des lieux du savoir poétique dont bénéficiaient les poètes de la première Renaissance et leurs lecteurs.

La Muse et le Compas : poétiques à l'aube de l'âge moderne - Anthologie

La tragédie du XVIe siècle constitue encore un point aveugle de l'histoire du théâtre français. Ce genre rassemble pourtant des pièces d'avant-garde, dont le siècle suivant atténuera les audaces pour s'accommoder au goût d'un public plus policé. Acculturation humaniste du modèle antique ou instauration d'un théâtre calviniste militant, volonté didactique de présenter des personnages au comportement exemplaire ou scandaleux, puissance rhétorique des discours et violence crue des spectacles : telles sont les principales caractéristiques de cette dramaturgie originale.

Les quatre tragédies reproduites intégralement dans ce volume, deux à sujet biblique et deux à sujet profane, rendent compte de la diversité des expériences auxquelles ce théâtre a donné lieu, en faisant ressortir la singularité de chaque auteur.

Théâtre tragique du XVIe siècle

S'adressant à tous les candidats aux concours, en particulier Agrégation et CAPES. Clefs concours offre une synthèse par sujet. Conçu comme un repère par rapport aux monographies et aux cours et comme un outil de révision, chaque ouvrage est articulé autour de fiches thématiques permettant de faire le point sur les acquis de la recherche. Synthèse des travaux les plus récents, Clefs concours permet de s'orienter dans la bibliographie et de mettre en perspective l'évolution des savoirs. Tous les titres sont organisés autour d'une structure commune : des repères : un rappel du contexte historique et littéraire ; les grandes "problématiques", indispensables à la compréhension des enjeux de l'œuvre ; le "travail du texte" consacré aux questions de langue, de stylistique et de grammaire ; des outils méthodologiques, notamment bibliographiques ; un système de circulation entre les fiches et les références bibliographiques.

Du Bellay - La Deffence et illustration de la langue françoyse, L'Olive

L'oeuvre tragique d'Etienne Jodelle (1532-1573) est à la fois célèbre et méconnue. Célèbre, parce qu'on se souvient qu'il est l'auteur de Cleopatre captive, la première tragédie à l'antique, en cinq actes et en vers, écrite en français; méconnue parce que cette pièce fondatrice n'est guère étudiée, et moins encore Didon se sacrifiant, deuxième et dernière tragédie connue du poète. L'inscription de cette seconde pièce au programme de l'Agrégation est donc l'occasion d'analyser en détail un véritable chef-d'oeuvre négligé, et du même coup de jeter un regard renouvelé sur l'histoire d'un genre, la tragédie française, qu'on ne considère généralement que dans les formes qu'il a reçues au XVIIe siècle. Pourquoi représenter l'histoire de Didon au milieu des années 1550 ? Pourquoi glorifier ainsi la fureur et la parole passionnée d'une femme sacrifiée à la raison d'Etat romaine ? Pourquoi ce constat amer que "bien souvent l'amour à la mort nous marie" ? A ces questions qui engagent l'interprétation du sujet de la pièce s'en ajouteront d'autres, de deux ordres : il s'agit d'une part de rendre compte de l'écriture de Jodelle, cette rhétorique âpre et tendue qui compte parmi les plus singulières du XVIe siècle, et d'autre part d'interroger de manière renouvelée la dramaturgie à l'oeuvre dans cette tragédie.

Lectures d'Etienne Jodelle - Didon se sacrifiant

Durant la Renaissance, le dialogue est partout, dans tous les champs du savoir et de l'expression « littéraire » comme dans tous les pays d'Europe. Ses formes sont d'une déconcertante diversité, s'adaptant et se déployant selon des temporalités elles-mêmes très variables. L'on pourrait s'amuser à dire, en partant du constat qu'il faut attendre le dernier tiers du XVIe siècle pour voir apparaître ses premières théorisations (Carlo Sigonio, Sperone Speroni, Torquato Tasso), que, pendant longtemps, s'il est partout, le dialogue n'est à proprement parler nulle part : il reste sans territoire défini, ni même sans doute définissable, dans l'univers des genres de l'écrit et a fortiori dans ses relevés cartographiques. Sans territoire circonscrit au sens propre non plus, puisque né dans sa forme « moderne » en Italie (avec Pétrarque comme initiateur), mais en un âge que caractérisent la densité et la continuité des échanges entre lettrés de différentes « nations », il semble étendre inexorablement et durablement son aire d'extension. Absolument et définitivement sans territoire ? L'observateur attentif pourra cependant distinguer des « couleurs locales » : outre le cas, italien, le mieux connu sans doute, le plus logiquement marqué par des studia humanitatis, y aurait-il un filon espagnol, marqué par un esprit de sérieux couplé à la promotion résolue des langues vulgaires, castillan au premier chef, et volontiers tourné vers les horizons géographiques nouveaux ? Une veine française, très sensible à l'hybridation, voire à la déconstruction ? Et qu'en est-il des aires laissées de côté, l'anglophone notamment ?

En 1562 éclate la première guerre de Religion qui ouvre une période de quarante ans de convulsions.
Ronsard doit alors redéfinir la nature et le rôle de la poésie. Pour lui donner une valeur politique, il s'était auparavant attaché à la célébration d'un royaume glorieux : il lui faut adapter son discours aux " miseres de ce temps ", " ce temps que le cruel orage Menace les François d'un si piteux naufrage ". Il veut d'abord croire en la politique pour éviter le conflit, et s'adresse à Charles IX, l'enfant roi, pour l'éduquer ou à sa mère, Catherine de Médicis, régente du royaume; puis, quand la guerre est là, il entre lui-même en lice : lâchant la bride à la polémique qu'il retenait jusqu'alors, il dénonce les protestants comme responsables des malheurs du temps.
S'ensuivra une guerre de libelles où s'entrelacent les enjeux politiques, religieux et poétiques. Pour analyser la dimension polémique de l'entreprise, ce volume réunit des spécialistes de la littérature du xvie siècle. II interroge d'abord la manière dont Ronsard rend compte des événements, désignant l'adversaire et le représentant pour que sa perversité apparaisse évidente. Le poète fait également valoir son système de valeur contre celui des protestants, dont il doit aussi rendre compte.
II cherche enfin à défendre son statut ébranlé par la polémique, et c'est une figure idéale du poète qu'il esquisse sur le dos de ses adversaires.

Lectures de Ronsard ; discours des misères de ce temps

Le recueil de Maurice Scève, Delie. Object de plus haulte vertu (1544), compte parmi les plus énigmatiques de la poésie française. Le lecteur est d'abord tenté d'attribuer sa perplexité à la langue du poète, remarquable par sa beauté incantatoire, par sa densité et par son obscurité délibérée, ou encore à la composition extrêmement concertée du recueil, dont la clé éventuelle nous échappe : les quatre-cent quarante-neuf dizains qui composent l'oeuvre sont rythmés par cinquante emblèmes, images symboliques qui représentent de façon cryptée un aspect de la relation amoureuse. Plus profondément, il faut interroger le projet de Scève pour saisir la force et la nouveauté du livre, qui inaugure une étape nouvelle dans l'histoire poétique : c'est le premier recueil de poésie amoureuse pensé comme un tout cohérent de la poésie française. Scève s'approprie ainsi le modèle de Pétrarque, et il le réinterprète, afin de permettre une conjonction inédite entre la poésie amoureuse et la philosophie néo-platonicienne. Les discours qu'il fait fusionner s'en trouvent tous transformés, dans leurs enjeux, leur visée et leur forme. L'introduction de ce volume analyse l'entreprise de Scève dans son contexte culturel, à partir des différents éléments dont il opère la synthèse. Les articles qui constituent le corps de l'ouvrage sont dus à des spécialistes de la littérature du xvie siècle : ils interrogent le rapport entre la poésie et les conceptions psychologiques qui la sous tendent ; ils décryptent les images grâce auxquelles l'amant représente sa dame ; ils interrogent la poétique et l'écriture du poète. Tous s'attachent à éclaircir, sur un point particulier, comment l'écriture de Scève est la forme d'une pensée.

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