Croisant histoire de l'art, histoire des idées politiques, histoire comparée des formes symbolique, ce livre a pour objet la représentation de la souveraineté du peuple dans le cadre des régimes républicains en Europe et en Amérique latine au milieu du XIXe siècle. Longtemps confortées par une interprétation chrétienne qui voulait ne voir qu'un seul monarque dans les Cieux, les catégories de la pensée politique forgées par Aristote ont imposé l'idée que le pouvoir royal ou princier avait pour lui l'évidence de la nature et la force d'une incarnation. Le Prince, le Roi ou le Tyran, étaient la forme visible du pouvoir. Celle-ci pouvait alors se prêter facilement à d'infinies stratégies de représentation et de célébration dont l'histoire et l'histoire de l'art se sont emparées très tôt. Mais quelle forme visible donner non au pouvoir d'un seul, mais au pouvoir du plus grand nombre, c'est-à-dire aux démocraties ? Comment donner à voir ce qu'est la République, régime caractérisé par le libre choix de la forme du gouvernement mais aussi des gouvernants, dont souveraineté est souvent partagée, contrôlée, provisoire et dont l'autorité ne vaut que pour autant qu'elle rencontre l'assentiment de ceux sur qui elle s'exerce par la loi, le peuple ? Comment signifier en même temps l'exaltation de la liberté et la soumission volontaire de chacun à la loi ? L'historiographie s'est beaucoup concentrée sur la figure de Marianne, au risque d'exagérer la singularité irréductible du modèle français et de son inventivité figurative. Certes, la décapitation symbolique et physique de la monarchie en 1793 a entraîné d'importantes transformations artistiques qui ont eu pour ambition de rendre visibles la nouvelle organisation des pouvoirs, le sacre du peuple et des masses, mais aussi l'unité de la Nation à travers des symboles, des allégories, des architectures qui sont encore en partie les nôtres (bonnet phrygien, faisceaux de licteurs, amphithéâtre pour les assemblées etc.). Mais ces stratégies visuelles n'ont rien de nécessaire, d'universel, d'immuable : d'autres expériences républicaines s'en dispensent ou les associent à un langage figuratif original, comme dans les Républiques d'Amérique latine qui cherchent à la fois à reprendre les formes figuratives de la Révolution française et à les combiner avec des éléments originaux qui évoquent leur histoire, leur population.

Esthétique des Républiques - Une anthropologie des images

Actes du colloque international qui s'est tenu en janvier 2007 à l'École du Louvre et à l'École normale supérieure (ENS), Paris. 
Établi à Paris à partir de 1736, J. Georg Wille est surtout connu aujourd'hui comme l'un des plus importants graveurs du XVIIIe siècle. Mais son rôle dépasse largement celui de la gravure. Collectionneur de tableaux, de dessins, de gravures et de médailles, pédagogue apprécié de ses nombreux élèves, ami de Mariette, de Diderot, de Winckelmann et de nombreux artistes et hommes de lettres, il est un importateur majeur de la culture germanique en France mais aussi un diffuseur de la culture française. Il a su tisser autour de lui un réseau dense, subtil et efficace d'échanges d'œuvres d'art et de livres dont les axes principaux s'orientent vers la Saxe, la Prusse, l'Autriche, la Suisse, la Russie et l'Italie. Les études rassemblées ici explorent les multiples facettes de ce passeur inspiré, contributeur décisif à l'histoire culturelle des Lumières en Europe.

Johann Georg Wille (1715-1808) et son milieu - Un réseau européen de l'art au XVIIIe siècle

L'ambitieuse exposition des primitifs français, organisée en 1904 au pavillon de marsan et à la bibliothèque nationale, rencontra un immense succès : elle révéla à un large public des artistes hors pair comme jean fouquet, le maître de moulins ou enguerrand quarton ; elle donna aussi un coup d'envoi aux recherches sur la peinture de cette époque, celle du xve siècle tout particulièrement.
 Depuis, études et révélations sur les primitifs français se sont multipliées, donnant lieu à des débats parfois passionnés.  le présent ouvrage, publié à l'occasion du 100e anniversaire de cette manifestation, retrace de manière très vivante l'histoire de cette patiente redécouverte et nous fournit l'état le plus récent des connaissances, sur des foyers artistiques tels que paris ou la provence notamment.
 Il réunit au fil de ses pages des tableaux prestigieux - la pietà d'avignon ou le triptyque de d'annonciation d'aix, exceptionnellement reconstitué au louvre en 2004 - mais aussi des oeuvres de techniques très variées, et parfois inattendues.  ce catalogue montre ainsi comment l'histoire de l'art, sans cesse réécrite, tente de cerner la personnalité de ces maîtres au génie protéiforme qui, tout en se réclamant des expériences conduites en italie et aux pays-bas, sont parvenus à forger un style d'une puissante originalité.

Primitifs francais decouverte

Claude Viallat est né à Nîmes en 1936. Il vit à Nîmes. Membre fondateur de Supports/Surfaces, son œuvre en incarne l'esthétique. Il en poursuit sans relâche l'expérimentation constitutive. Son travail, terme que la théorie Supports/Surfaces oppose à art ou création artistique, est fondé sur la répétition d'une forme simple fonctionnant comme un logo. Mais la forme, soi-disant trouvée par hasard, dont l'apposition sur un support découlerait des jeux décoratifs de l'habitat méditerranéen, n'est pas indéfinie, comme on l'a trop dit et écrit. Il s'agit d'une forme organique aux signifiés indéniablement anthropomorphiques. Son usage permet donc, la déconstruction du tableau en ses constituants matériels effectuée, de reprendre, comme à l'origine, le travail de peinture, d'organiser la navette dialectique entre la pratique et la théorie. C'est, depuis 1966, sur des supports de toile libre que ne structure plus un châssis que Claude Viallat appose sa forme. C'est la matière du support imprégné qui donne à la forme, en fonction de son tissage, de sa texture, un contour plus ou moins net, une intensité de ton plus ou moins forte. L'art de Claude Viallat se caractérise par la somptuosité de la couleur qui l'impose comme l'un des grands coloristes de l'histoire de la peinture occidentale. Les œuvres de Claude Viallat ont été exposées dans la plupart des lieux d'Europe, d'Amérique et d'Asie dédiés à la présentation de l'art moderne et contemporain et figurent dans la plupart des grandes collections publiques et privées.

Claude Viallat

Par le nombre de ses écrits comme par le rayonnement de son enseignement universitaire, Henri Focillon (1881-1943) peut être considéré comme l'un des plus grands historiens de l'art français et l'un des fondateurs de cette discipline. Cette exposition s'attache à montrer toute la complexité d'un personnage qui, intellectuel engagé depuis son entrée au parti socialiste en 1906 jusqu'à son exil aux Etats-Unis, se caractérise par la diversité de ses intérêts artistiques. En associant intimement l'art et son interprétation, elle est une invitation à relire des œuvres, connues ou moins connues, avec le regard, concis et poétique, du grand historien de l'art que fut Focillon.

La vie des formes - Henri Focillon et les arts

Le colloque Histoire de l’art du XIXe siècle (1848-1914). Bilans et perspectives qui s’était tenu fin 2007 à l’École du Louvre, au musée d’Orsay et à l’Institut national d’histoire de l’art était, à la fois tourné vers le passé et vers l’avenir des études dix-neuvièmistes. Quelques six cent auditeurs avaient assisté à cette manifestation à laquelle soixante-seize contributeurs, douze nationalités de chercheurs avaient apporté leur éclairage. Ce retour vers les vingt années de recherches qui ont accompagné la naissance et la jeunesse du musée d’Orsay, ouvert au public depuis les derniers jours de 1986, avait été, sinon l’occasion d’un bilan, du moins celui d’un regard rétrospectif. L’ambition des communications et des débats se devait d’être à la hauteur de l’importance des apports de ce grand musée pluridisciplinaire dans le paysage muséographique français de la fin du XXe siècle. C’est la raison pour laquelle ce colloque avait été organisé en dix sessions, quatre plénières et six concomitantes, les premières étant consacrées à des questions transversales, les secondes à des bilans établis par disciplines. Le lecteur trouvera dans ce volume de plus de sept cent pages d’actes, illustré de 271 images, plus qu’aucun auditeur ne put le faire alors, puisque les sessions consacrées aux différents domaines de la production artistique étaient simultanées.

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