Apparu sur les scènes de la Révolution française, le mélodrame, périodiquement donné pour mort, régulièrement renaissant, n'a cessé d'infléchir la fiction populaire ou savante, depuis le XIXe siècle. Le tournant des années soixante-dix marque pourtant le point de départ d'une nouvelle relation au mélodrame : Fassbinder redécouvre Douglas Sirk et sa trilogie allemande instaure une relation directe à l'émotion, aux codes et aux enjeux du genre. À sa suite, Pedro Almodóvar comme Todd Haynes, Iñarritu, Gus van Sant, Amos Gitai ou Robert Guédiguian explorent les multiples voies du mélodrame. Au même moment, la critique savante, puis la philosophie s'emploient à réévaluer le mélodrame, à mettre au jour à la fois son esthétique et sa signification sociale et politique. Comment cerner et définir le mélodrame tel que l'aborde le cinéma contemporain ? Quels échos, quelles résonances du cinéma classique viennent animer les plans d'aujourd'hui, jusqu'à rendre perceptible, par-delà l'émotion directe, le feuilletage de la temporalité ? Que reste-t-il, surtout, dans le cinéma des trente dernières années, du projet esthétique et politique qui sous-tendait le théâtre de Pixérécourt, les romans d'Eugène Sue, puis les films de Griffith ? Conçu pour installer le peuple au cour du drame, pour en faire à la fois le destinataire et le sujet d'une fiction aux ambitions éducatives, le mélodrame n'a cessé, cependant, de poser la question du peuple, de sa définition, de sa permanence. Ce questionnement interroge plus que jamais le cinéma contemporain, de l'Inde au Pakistan, de la Turquie aux États-Unis, des Philippines à l'Europe ou au Japon. Si les réponses sont parfois indécises, toujours complexes, elles s'attachent aujourd'hui encore à réinventer la mission originelle du mélodrame : faire advenir le peuple, créer une communauté d'émotion et de désir dont le sens transcende la fugacité du moment, dépasse les clivages, ouvre la voie d'une possible émancipation.

Le mélodrame dans le cinéma contemporain - Une fabrique de peuples

Réputé pour son goût de la démesure (La Grande Parade, Duel au soleil, Le Rebelle), King Vidor a traversé les époques et les genres du cinéma hollywoodien classique. De La Foule et d'Hallelujah à Salomon et la reine de Saba, il a marqué l'histoire du cinéma de son empreinte. Poète épique pour ses admirateurs, raciste et fasciste pour ceux que heurtent Le Grand Passage ou Le Rebelle, Vidor échappe aux étiquettes. Taxés de misogynie, ses mélodrames (Stella Dallas, Ruby Gentry) sont aujourd'hui relus et réhabilités par les féministes. Cinéaste de la violence et du désir, Vidor se fait, dans Guerre et paix, portraitiste amoureux d'Audrey Hepburn. Artiste personnel au coeur d'un système standardisé, il est peut-être avant tout le premier véritable auteur du cinéma américain.

King Vidor

La musique au risque des images

Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

Musset - Des repères pour situer l'auteur, ses écrits, l'œuvre étudiée. Une analyse de l'œuvre sous forme de résumés et de commentaires. Une synthèse littéraire thématique. Des jugements critiques, des sujets de travaux, une bibliographie

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