Nathanaëlle Herbelin, née en 1989 en Israël, vit et travaille à Paris. Dans ses peintures, peuplées de ses êtres chers, des intérieurs et des paysages qu'elle traverse, elle construit des ponts entre l'intime et le politique. Diplômée de l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris (DNSAP, 2016), elle a notamment été invitée en 2015 à suivre la formation de la Cooper Union (New York, Etats-Unis). Son travail a été présenté, entre autres, à l'espace Bonnevalle (Noisy-le-Sec), à In-Box (Bruxelles), au musée des Beaux-Arts de Rennes, à la Collection Lambert (Avignon) et à la Fondation d'entreprise Ricard (Paris). Elle est actuellement représentée par la galerie Jousse Entreprise (Paris). Cette publication constitue la première monographie de l'artiste, retraçant son travail depuis ses débuts sur la scène française et internationale. Portraits de ses proches, scènes de genre remises au goût du jour, mises en scène du familier et de l'intime quasi anecdotique, intérieurs, natures mortes utilisant les objets les plus contemporains de nos quotidiens ou encore paysages font partie de son vocabulaire personnel. De sa touche délicate, de sa palette chromatique si caractéristique et rappelant certaines fresques, Nathanaëlle Herbelin raconte des histoires intimes et ouvre un univers dans lequel le temps semble suspendu, comme si elle voulait montrer des souvenirs ou des pans de sa mémoire. Cinq textes - quatre essais et un entretien avec l'artiste - ponctueront le livre afin de donner quelques clés de lecture de son oeuvre déjà prolifique ? : poétique de sa peinture, question du temps, de la mémoire, de l'espace, du paysage et de sa géographie, de la lumière, de l'intime et de l'ouverture et, bien sûr, de son rapport au dessin et à la photographie préalablement à la peinture.

Nathanaëlle Herbelin

Ceux qui connaissent déjà les écrits de Henry-Claude Cousseau retrouveront dans L'Oeil des mots son regard de Janus à double pupille, tourné simultanément vers l'extérieur et vers l'intérieur, à l'affût de ce qui rayonne des oeuvres d'art contemporaines et des mots qu'elles font naître. Nul n'a porté si loin la recherche de la sincérité, de la clarté et de la transparence dans la confrontation d'une oeuvre et des émotions raisonnées. Pour ceux qui ne l'ont pas encore lu, il se dévoilera comme un écrivain captivant dont les essais réunis ici sur Gaston Chaissac, Jean-Baptiste Huyhn, Annette Messager, Marc Couturier, Emmanuel Saulnier, Philippe Cognée, Daniel Dezeuze, Giuseppe Penone, Mrinali Mukherjee, ou les portraits de Cindy Sherman, de Jean-Michel Albérola, de Robert Groborne, de Joël Kermarrec, de François Bouillon ou de William Christie sont autant de victoires sur l'"aveuglante ostentation" du réel.

L'oeil des mots

Annette Messager - Melo-Meli

Art en Sabine : Art in Sabina

Catalogue de l'exposition au cabinet des dessins Jean Bonna des Beaux-Arts de Paris, présentant sept séries de dessins par François Bouillon, artiste et professeur de dessin avancé à l'Ecole des beaux-arts. Cet ouvrage fait suite aux volumes consacrés à Joël Kermarrec, Annette Messager et Giuseppe Penone dédiés au dessin contemporain.

CARNETS D'ETUDES : carnet d'études Tome 17 : Francois Bouillon, septième ciel

Ce livre prend comme point de départ, l'oeuvre de Giuseppe Penone, l'arbre/sculpture Gravité et Croissance, installée à Francfort devant la Banque Centrale Européenne en 2014. Il ouvre une réflexion sur l'un des aspects essentiels des recherches de l'artiste, considéré comme l'un des chefs de file du mouvement italien Arte Povera?: la Nature, prétexte à une confrontation et un basculement poétique avec notre réel.

Giuseppe Penone, arbre de Francfort

À l'invitation du musée d'Orsay, des artistes d'aujourd'hui dialoguent avec les collections en choisissant l'œuvre de laquelle ils se sentent proches. Naît ainsi la possibilité de voir les collections sous un nouveau jour. Subtiles et poétiques, les sculptures d'Emmanuel Saulnier, artiste français né en 1952, déploient un autre rapport au socle, au sol, à la terre, dans le paradoxe des matériaux utilisés, fragiles ou solides. Il a choisi d'installer son œuvre Ben Irakim. Je suis loin en correspondance avec la figure d'Odilon Redon et en particulier un dessin représentant Une tête coupée placée sur une table carrelée... Pour Saulnier, Redon donne une autre voie à la notion de déplacement, partir et partir loin, en proclamant l'impérieuse nécessité d'intérioriser ce déplacement, le rendant ainsi plus profond et plus intense.

Emmanuel Saulnier / Odilon Redon

Carte blanche à Jiang Dahai

L'Inde, marges - Dessins tantriques

Exposition du 13 février au 8 avril 2007L'exposition Paradjanov le magnifique, du célèbre cinéaste, dans le cadre de la saison Arménie mon amie, Année de l'Arménie en France, permet de montrer pour la première fois en France les oeuvres et les films sur fan du cinéaste arménien Sergueï Paradjanov. En présentant de nombreux films et plus de soixante-dix oeuvres, réalisées entre 1970 et 1990, (dessins, collages, photomontages, objets, sculptures) rassemblées par grandes thématiques (Les Autoportraits, Les Icônes, Les Oeuvres de l'enfermement, Le Cinéma, Les Episodes de la vie de la Joconde, les chefs-d'oeuvres des années quatre-vingt, Les Chapeaux, les Films), Paradjanov le magnifique a pour ambition de souligner la complexité et la richesse de la relation que cet artiste entretient avec l'image. (...)Paradjanov, dans ses films ou dans ses collages, entretient un lien étroit avec l'histoire de l'art, qui ne saurait nous laisser indifférent. Il précisait : «Dans mes films, les gens ne se parlent pas, on a l'impression qu'ils sont tous sourds et muets. C'est vrai, mais dans la peinture aussi, les gens se regardent, mais ne se parlent pas. Dans une fresque religieuse, la Vierge ne parle pas à Jésus, pas plus que les anges. La peinture est muette, mes films aussi...».Le cinéaste, qui revendiquait une vraie passion, «créer une dynamique dans une image statique», appliquait tant cette méthode à ses montages d'images fixes qu'à ses films, comme l'a si justement souligné Sofiko Tchiaourelli, l'une de ses actrices principales : «chaque cadre de Paradjanov était un tableau. Il pouvait prendre le moindre morceau de tissu, déplacer de quelques centimètres un accessoire et créer ainsi une image d'une beauté et d'une force étonnantes.» (Extrait de la préface d'Henry-Claude Cousseau)

Paradjanov le magnifique

Le geste affectueux du Centaure et Faune d'Auguste Rodin en couverture de ce volume, placé sous le signe de la " naissance de la modernité " en hommage à Jacques Vilain, résume le propos du livre : Un dessin à l'encre et à la gouache de Rodin, connu par cette lithographie d'Auguste Clot, en tête d'un recueil d'essais offerts au charismatique ancien directeur du musée Rodin ; un motif très ancien revisité par un artiste emblématique des tensions, à la fin du xixe siècle, entre la grande tradition et la rupture, entre l'antique et l'actuel, entre héritage et création ; deux êtres hybrides, mi-divins, mi-humains - et leur geste de conciliation - qui annoncent la paradoxale unité d'un volume éclectique, comme le veut le genre. Quarante essais originaux concernant tous les domaines abordés par Jacques Vilain dans sa carrière : architecture et arts décoratifs, dessin, peinture et sculpture, mais aussi les travaux et missions menés par lui à la tête d'un des grands musées nationaux, qui en ont fait un établissement exemplaire. Dix-huit hommages, enfin, à l'homme de goût et d'esprit, à l'amoureux de la beauté et de la table, au conservateur général du patrimoine au grand style.

Naissance de la modernité - Mélanges offerts à Jacques Vilain

Il y a maintes façons d'écrire sur l'art. On pourrait dire de celle de ce choix de textes (écrits entre 1976 et 2004) qu'elle s'apparente à une variante de l'art du portrait. Portrait de l'auteur tout d'abord, puisque cette trentaine de textes représente tout un pan de son activité professionnelle, mais aussi portrait des œuvres qu'il analyse, dans son effort d'en rendre la singularité tangible. A mi-chemin entre l'histoire de l'art, la critique et une écriture d'inflexion littéraire, sa démarche cherche à traduire plutôt qu'à démontrer. Elle revendique une approche sensible comme moyen de transmission du projet de l'artiste. Aller au cœur d'un travail, saisir sa complexité, c'est aussi garder une certaine distance avec les conventions du genre. Regarder, commenter une œuvre, c'est l'interpréter. Ce travail relève en grande partie d'une pratique de déchiffrement, de mise au jour dont l'acte créateur est ici l'emblème, parce qu'il est justement un moment de clarté dans ce qu'on pourrait appeler l'obscurité ou l'énigme du réel.

La nuit claire

Nature

Improvisateur de génie, Gaston Chaissac (1910-1964) a créé une des oeuvres les plus singulières de son époque. Fils de cordonnier, il est initié à la peinture par Otto Freundlich et Jeanne Kosnick-Kloss, rencontrés par hasard à Paris, en 1937. Encouragé dans cette voie, il invente très rapidement un alphabet pictural qu'il va faire évoluer tout au long de sa vie. Au cours de ces années cruciales, dans un Paris en pleine mutation, Chaissac assimile l'essentiel du contexte artistique d'alors et se forge une vaste culture. Prolifique, ludique, et polymorphe, sa production visuelle aborde tous les genres. L'étourdissant dessinateur qu'il est dès ses débuts exerce sa verve aussi bien dans le domaine de la peinture et du collage, que celui des objets récupérés, métamorphosés avec autant de faconde que de délicatesse, composant un monde paradoxal, à la fois théâtral et confidentiel. Au plasticien se superpose en même temps l'écrivain, dans une activité en miroir, qui révèle un prodigieux épistolier et un poète hors norme. Des milliers de lettres envoyées pendant plus de vingt ans tous azimuts, vont lui permettre aussi de tisser des liens avec grand nombre de ses contemporains (Albert Gleizes, André Bloc, Raymond Queneau, Jean Paulhan, Anatole Jakovsky, André Lhote, Jean Dubuffet, ...) tout en restant volontairement en marge depuis le bocage vendéen qu'il ne quittera jamais. Ce monument épistolaire unique en son genre fascine par l'aisance des jugements, la pertinence des points de vue et la lucidité avec laquelle celui qui se disait "peintre rustique moderne" , joue de son besoin paradoxal de distance et de proximité. Cette première monographie, en forme de portrait, met volontairement à égalité le peintre et l'écrivain, et dessine l'aventure de Gaston Chaissac comme l'une des mutations les plus représentatives que la modernité a connue au siècle dernier.

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