Fernand Léger découvre New York en 1931. Il l'avait déjà rêvée en peinture, mais la réalité ne le déçoit pas. Les lettres adressées à son amie Simone Hermann, livrent au jour le jour des descriptions enthousiastes. S'ouvre alors une courte période où la peinture l'occupera moins que le dessin et l'écriture, une écriture curieusement proche de celle de Louis Ferdinand Céline, dont a priori tout l'éloigne...

Léger, Céline, deux Français à New York

Art, littérature, ethnographie... Entrecroisant ces trois disciplines, l'ouvrage, publié à l'occasion de l'exposition "Leiris & Co.", présentée au Centre Pompidou-Metz, retrace la vie et l'oeuvre de Michel Leiris (1901-1990). Ecrivain, poète, ethnologue, ami des grands artistes de son temps : Masson, Picasso, Miro, Giacometti, Lam, Bacon, Michel Leiris se situe à la périphérie des grands courants du siècle et annonce de façon visionnaire les enjeux contemporains issus de la mondialisation et des études postcoloniales. Plus qu'un portrait de l'homme aux multiples facettes, il s'agit ici d'une autre lecture de la modernité qui va de Raymond Roussel à Picasso, en passant par l'Afrique (la mission Dakar-Djibouti en 1931), le jazz, la tauromachie, l'opéra. En marge du surréalisme, il rencontre Max Jacob, puis Georges Bataille, avec lequel il partage non seulement l'aventure de la revue Documents, mais aussi l'intérêt pour le sacré, l'érotisme et la mort. Pendant la guerre il se lie avec Jean-Paul Sartre, puis avec Aimé Césaire, qui lui fait découvrir le syncrétisme des Antilles. Son engagement révolutionnaire va le conduire également en Chine et à Cuba. Son oeuvre littéraire (L'Age d'homme, L'Afrique fantôme, La Règle du jeu) est une vaste quête autobiographique, dans laquelle il souhaite "introduire ne fût-ce que l'ombre d'une corne de taureau". Conçu comme un journal, le livre déroule année par année une chronologie de Michel Leiris, dialoguant avec une cinquantaine d'essais de nombreux auteurs. Largement illustré d'oeuvres, de documents, et de manuscrits, il constitue l'ouvrage le plus complet sur le parcours de cet écrivain singulier dont l'oeuvre a une résonance particulière sur l'art de notre temps.

Leiris & Co

Avec ce catalogue consacré à Simon Hantaï, l'occasion est enfin donnée de découvrir l'ensemble de l'oeuvre de l'un des artistes majeurs de la seconde moitié du XXe siècle. Des premières peintures faisant suite à l'arrivée de Hantaï à Paris, en 1948, jusqu'aux pliages, ce sont soixante années d'une vie de peintre que cette publication, qui accompagne la première rétrospective de son oeuvre depuis 1976, nous révèle dans la complexité de sa création et dans son extrême diversité : des peintures surréalistes aux peintures d'écriture, des Mariales, première série des oeuvres procédant du "pliage comme méthode", aux Laissées, la démarche de Hantaï est analysée à chaque étape de son développement. Essais, témoignages des proches, ainsi qu'une chronologie approfondie comportant de nombreuses illustrations inédites, viennent enrichir ce premier ouvrage de référence sur l'artiste.

Simon Hantaï

Le travail de François Rouan, né à Montpellier en 1943, est depuis longtemps exposé à travers le monde mais l'artiste n'avait jamais fait l'objet d'une rétrospective dans sa ville natale. Le musée Fabre de Montpellier Méditerranée Métropole a souhaité mettre son oeuvre en lumière et revenir à la source de son art, la peinture, dont il n'a de cesse d'interroger la nature et d'en livrer sa vision, libre et unique. "La peinture véritable se révèle là où l'objet opère une résistance à livrer entièrement son image (François Rouan). Marqué par les papiers découpés de Matisse et son amitié avec Balthus lors de son séjour à la Villa Médicis, François Rouan ne suit cependant aucun chemin préétabli. Inventée dès les débuts de sa carrière vers 1965, sa technique du tressage - audelà d'un procédé, un véritable état d'esprit - est le fil rouge de cette exposition dans la mesure où elle gouverne l'oeuvre de l'artiste. En présentant une soixantaine de tableaux, choisis parmi les plus importants, pour jalonner ces cinq dizaines d'années de création de 1966 à 2016 , l'exposition nous invite à découvrir cette oeuvre prolifique, qui oscille entre une monochromie presque austère et une exubérance colorée avec en filagramme, la représentation du corps, omniprésente. Elle est également l'occasion de présenter les dernières peintures sorties de l'atelier de l'artiste et encore jamais montrées au public. Le catalogue comprend notamment cinq essais qui apportent des clés de lecture nouvelles sur l'oeuvre de l'artiste ainsi qu'une chronologie très complète et accompagnée de visuels inédits.

François Rouan - Tressages 1966-2016

Quelques formes, quelques lignes, peu ou pas de couleurs, voilà ce qu'on pourrait décrire comme le territoire de Robert Groborne, depuis quarante ans qu'il en prend la mesure, obstinément. Son oeuvre, subtile et sensible, se joue de toutes les contraintes, de tous les refus, de tous les dépouillement par lui-même acceptés, sinon choisis et revendiqués, pour venir opérer dans un espace sans frontières. Espace traversé, où se croisent toutes sortes de "disciplines" : les grandes catégories commodes qui ont nom peinture, sculptire, gravure, dessin, mais surtout toutes celles que Robert Groborne invente au jour le jour pour mieux les mettre en contact et les obliger à travailler ensemble.

Robert Groborne, voyageur immobile

François Rouan est de ceux qui ont regardé Matisse. Les papiers découpés des années 1965-1966 en témoignent d’abord : tout a commencé avec ces travaux sur papier, colorés, découpés, entrecroisés, retournés ou tressés. Mais déjà la découpe ne sert pas seulement à quantifier la couleur. Elle devient pour Rouan un outil – ou mieux, un modèle – pour arracher le plan moderniste à la tentation du lisse, de la pureté simplificatrice et minimaliste. Des premiers papiers aux toiles tressées de plus en plus complexes des années 1969-1970, tressées dessus/dessous, dedans/dehors, à trois ou quatre trames, la peinture a fait surface, littéralement. Le champ du tableau se fend et s’ouvre pour produire une épaisseur de sillons et de plis, pour laisser passer du corps. Aujourd’hui, le travail de peinture de François Rouan reconduit ces mêmes procédures de tressage, toujours pour ouvrir le plan du tableau à plus de corporéité, pour affirmer la réalité d’une rugosité, pour faire surgir la présence de corps et de figures non immédiatement identifiables en tant que tels, mais empreints dans la substance même du tableau. Le livre La découpe comme modèle confronte ces deux séquences de travail de peinture de Rouan, distantes de quarante ans : celle des années 1966-1970, et la plus récente, celle des années 2007-2011.

François Rouan - La découpe comme modèle

Les Fauves ou la couleur libérée. - Avec diapositives

A partir de 1850, la côte méditerranéenne - entre la Catalogne eu le golfe de Gênes - a exercé sur de nombreux peintres, nés pour la plupart dans le Nord de la France ou de l'Europe, une fascination irrésistible. Loin du goût traditionnel pour l'orientalisme, le pittoresque ou l'Antiquité, la lumière et les couleurs méditerranéennes agissent sur eux comme une révélation, celle d'une liberté picturale nouvelle, acquise dans la délectation et la sensualité.
Cet ouvrage mène de l'immensité marine saluée par Courbet aux célèbres fenêtres ouvertes de Bonnard et de Matisse, en passant par les hymnes au mistral de Monet, les scintillements de Cross et de Signac, les nouvelles mythologies de Puvis de Chavannes et de Picasso ou le fauvisme de Derain, Braque et Matisse. Il souligne ainsi le rôle essentiel que la Méditerranée a joué dans l'histoire de l'art européen et témoigne, à travers une centaine d'oeuvres magnifiques, de l'émerveillement des peintres devant la mer et le soleil.

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