Les multiples facettes de la culture et de l'histoire des spectacles en Alsace et en Lorraine de 1871 à 1946 sont mises en relation dans cet ouvrage avec des moments charnières de l'histoire franco-allemande. Dans les spectacles se cristallisent les changements de mentalité, les transformations de l'environnement matériel, l'évolution des arts, des sciences et des techniques. L'ouvrage montre comment les différentes formes d'expression artistique - architecture, défilés, cérémonies, théâtre, music-hall, musique classique, cinéma, radio, café, foire, cirque - ont fait communiquer, malgré les guerres et les idéologies, les deux côtés de la frontière. Une région frontière âprement disputée pendant près d'un siècle a vu ainsi non seulement la confrontation mais l'interpénétration de deux cultures nationales. La constitution de l'Alsace-Lorraine en tant qu'entité "germanique" spécifique, le sentiment d'identité régionale ("alsacianité" et "Français lorrains") ont donc, paradoxalement, préparé le rapprochement franco-allemand et la création d'une communauté politique européenne.

Culture et histoire des spectacles en Alsace et en Lorraine - De l'annexion à la décentralisation (1871-1946)

Lorsqu'en mars 1931 Charlie Chaplin vint présenter à Paris son nouveau film, Les Lumières de la ville, le public parisien lui réserva un accueil triomphal. A peine le célèbre cinéaste paraissait-il au balcon du Crillon que la foule le saluait en criant « Vive Charlot! ».
Non pas « vive Chaplin! »... De fait, City Lights est un « objet-frontière » qui fait communiquer des savoir-faire différents - un mélodrame et une comédie, un film d'auteur et un long métrage sonore sans paroles. Le film signe discrètement, dans la carrière de son auteur, le passage du muet au parlant, le passage du petit film au grand film et le passage de l'emploi de Charlot à celui de Chaplin. Autant de raisons de l'étudier, à la fois d'un point de vue technique, d'un point de vue artistique et d'un point de vue culturel.

Les lumières de la ville, de Charlie Chaplin ; analyse d'une oeuvre ; City Lights ; 1931

Le centenaire de la parution d'un des ouvrages fondateurs de la sociologie et de l'anthropologie religieuses - Les formes élémentaires de la vie religieuse (1912) d'Emile Durkheim - a donné lieu à différentes manifestations scientifiques pendant l'année 2012. Les deuxièmes biennales Durkheim/Mauss qui se sont déroulées à Epinal les 19 et 20 octobre n'ont pas dérogé au fétichisme des anniversaires en interrogeant le triptyque "Sociétés, cultures et religion" qui est au coeur de l'ouvrage. L'idée de consacrer ces Biennales à une évaluation du sens que conservait encore aujourd'hui cette oeuvre s'est imposée tout naturellement. D'abord, bien entendu, du fait du caractère testamentaire de l'oeuvre, qui constitue le dernier écrit majeur du fondateur de la sociologie française. Ensuite, en raison de sa portée intellectuelle et de sa postérité scientifique qui, du fait de l'apport épistémologique et méthodologique de Marcel Mauss, excèdent largement tant le cadre disciplinaire de la sociologie que le domaine de l'étude sociologique des religions. Relire l'ouvrage offre ainsi l'occasion d'articuler une réflexion épistémologique à des analyses issues d'enquêtes et de terrains et de faire communiquer des disciplines et des objets encore trop souvent séparés. Les 14 contributions réunies dans cet ouvrage permettent d'apprécier l'actualité scientifique du texte durkheimien relu, grâce à la multiplication de travaux de références sur l'école française de sociologie, en tenant compte de l'apport propre de Mauss à l'élaboration et à la transmission de la pensée durkheimienne (Partie I). Elles permettent également de tester la pertinence empirique des concepts et des instruments d'analyse du phénomène religieux forgés par ces deux auteurs, pertinence non seulement pour observer les cultures religieuses contemporaines (Partie II), mais aussi pour analyser les émotions artistiques (Partie III) et réfléchir la magie du discours (Partie IV).

Relire Durkheim et Mauss - Emotions : religions, arts, politiques

Chef d'oeuvre d'Ernst Lubitsch, To be or not to be est une démonstration de virtuosité technique, un sommet de la production hollywoodienne de l'âge d'or. Au-delà des stars qu'il mobilise, il représente l'aboutissement d'un savoir-faire collectif : l'imagination de Melchior Lengyel, la photographie de Rudolf Maté, la musique de Werner Heyman, le métier et les accents de Félix Bressart et de Sig Ruman, les seconds rôles fétiches de Lubitsch, contribuent à la construction de sa qualité artistique singulière. Mais To be or not to be est aussi bien plus que cela. Il donne une leçon d'humanité, fondée sur le plaisir de jouer avec la réalité qu'offrent le théâtre et le cinéma. L'approche anthropologique, ici, aide à mieux comprendre la forme de résistance esthétique à la barbarie que propose ce film, et surtout la manière dont il fait du rire une arme de dénonciation de la violence des Nazis et, au delà, de toute forme de totalitarisme. Le livre inclut une analyse inédite de la célèbre séquence d'ouverture par Laurent Jullier.

Analyse d'une oeuvre : To be or not to be - Ernst Lubitsch, 1942

La cinéphilie est un invention française : née dans les années 1910 dans la petit cercle parisien des amoureux du « septième art », elle a changé de forme en devenant populaire à travers le culte des stars, puis a gagné ses quartiers de noblesse à partir de la Seconde Guerre mondiale. Longtemps monopolisé par la critique professionnelle, le discours cinéphile s'est profondément transformé depuis les années 1990 avec l'arrivée des nouvelles technologies. En analysant l'évolution des manières de consommer, d'aimer et de célébrer les films du passé comme ceux du présent, cet ouvrage nous offre une autre histoire du cinéma.

Cinéphiles et cinéphilies - Histoire et devenir de la culture cinématographique

Du fait de son lien étroit avec l'industrialisation des sociétés et le développement du marché mondial. Le cinéma est inséparable de la modernité et de ses batailles. Le reconnaître, c'est retrouver la mémoire du cinéma comme loisir privilégié des citadins, et notamment de la classe ouvrière. C'est constater le vecteur de civilisation qu'il a représenté en particulier pour cette classe en permettant à ses membres de cultiver leur plaisir au-delà des préjugés sociaux, des frontières nationales et des engagements idéologiques et religieux. Parler de cinéma, c'est parler des personnes qui le regardent. Dans ce livre. l'observation ethnographique. l'implication biographique de l'auteur sont utilisées pour rendre compte des liens qui se tissent entre l'expérience des spectateurs, la mémoire familiale de l'immigration. la mémoire collective locale, la sociabilité culturelle et la culture cinématographique. A contrario d'une vision intellectuelle qui tend à distinguer la cinéphilie et la réflexion sur le cinéma du loisir cinématographique ordinaire. Jean-Marc Leveratto valorise la capacité des personnes à se laisser prendre par les films, à les critiquer - et à se critiquer soi-même - pour en éprouver la qualité artistique et la valeur éthique. C'est cette expertise cinématographique du spectateur ordinaire consistant à savoir ne pas parler que du cinéma, mais du monde tel qu'il peut être changé. que ce livre met en évidence.

Cinéma, spaghettis, classe ouvrière et immigration

Ce livre traite de la magie du spectacle. Le spectacle et sa séduction sont souvent considérés avec mépris (ils ne seraientpas dignes de l'art) ou avec effroi (telle la télévision, qui aurait la faculté de faire de nos enfants des criminels). S'y attacher serait à la fois faire preuve d'inconsistance intellectuelle et contribuer au retour de la barbarie. La démarche anthropologique consiste, plus sérieusement, à étudier la manière dont le spectateur peut prendre plaisir au spectacle. En imposant à l'observateur de se prendre lui-même comme objet, de s'inclure dans l'observation, elle permet de donner toute leur importance à la compétence artistique du spectateur, à sa sensibilité personnelle et à son sens de la responsabilité, à son attention aux choses et aux personnes que le spectacle touche. Adopter le point de vuede ce spectateur compétent, qui sait contrôler le plaisir du spectacle, et le transmettre à autrui, c'est rappeler la manière dont les techniques artistiques - la peinture, le théâtre,la danse, l'opéra, le roman, etc. - constituent d'abord des techniques du corps pour l'individu qui y trouve le moyen de cultiver un plaisir artistique, et la force du lien social éphémère que ces techniques permettent de nouer avec autrui.Ce livre entend ainsi contribuer à la reconnaissance du savoir ordinaire du spectacle - de l'industrie du fantôme au feuilleton gay, de l'estampe japonaise au mélodrame du Boulevard, de l'art contemporain à la comédie musicale, de la star au figurant, du corps idéalisé au corps stigmatisé - et à la manière dont il peut servir au développement d'une commune humanité.

Livres