"Un vagabond promis au gibet et un jeune noble déserteur échangent leurs identités et il est impossible de les lâcher d'une semelle jusqu'à la dernière ligne. Pourquoi ? Eh bien parce que c'est génial !" Anna Gavalda

Le cavalier suédois

Ce livre interroge la relation croisée qui lie arts et ville contemporaine, en ce qu'elle capte et génère des rythmes et flux, en ce qu'elle donne à les percevoir. Les oeuvres littéraires, chorégraphiques, plastiques, musicales que la ville contemporaine suscite se mesurent à l'intensité du présent urbain et technourbain, à ses violences, mais aussi au palimpseste que constitue la plupart des villes. Elles en saisissent ou en fixent les agencements complexes et les réseaux. Elles se donnent pour enjeu de décrypter et révéler les traces du passé, ses ruines, ses marques. Les unes décrivent, représentent la ville, d'autres s'y déploient, s'y inscrivent ou la modèlent. Ainsi les rythmes et flux de la ville sont captés, transformés, révélés par les pratiques artistiques. Différents schèmes de lecture et d'expérimentation opèrent : le trajet qui implique le corps de l'artiste, le cartographique, l'attitude archéologique, l'action qui s'inscrit dans le hic et nunc. Entre "pensée sauvage" et "pensée savante", pour rendre compte de ces multiples processus, ce livre s'articule en trois axes : "Déambuler dans la ville", "Déchiffer/enchiffrer", "Osmoses et contaminations". Dans une approche plurielle et interdisciplinaire (arts plastiques, littérature, musique, danse, photographie, cinéma, design) les oeuvres étudiées sont celles de Louis Andriessen, Kimsooja, Luc Larmor, Jean-Noël Blanc, Marina Chernikova, Jean-Luc Godard, Raymond Depardon, Sergio Larrain, William Klein, Magdi Senadgi, Georges Perec, Jean Rotin, Régis Jauffret, Philippe Vasset, François Bon, Eric Laurrent, et d'autres.

Art et ville contemporaine - Rytmes et flux

Du rythme même du déplacement dépend la façon dont les sites sont perçus.
La lenteur de la progression pédestre, la fréquence et la liberté induites par la promenade ou la flânerie n'entraînent pas les mêmes rapports aux lieux que tes modes de circulation rapides. Le rythme dépend des moyens de locomotion utilisés ; mais chaque voyageur possède sans doute aussi un tempo qui lui appartient en propre et qui détermine sa relation au monde. S'il est différents " arts du voyage ", ceux-ci sont caractérisés par une cadence spécifique, correspondant à une sensibilité et un projet personnels.
Et c'est ce tempo singulier que les oeuvres d'art inspirées par le déplacement (qu'elles soient littéraires, picturales, photographiques ou cinématographiques...) font partager à celui qui les reçoit.

Paysage au rythme des voyages

Ce recueil d'études consacré à l'œuvre de Cézanne ainsi qu'à des artistes fortement marqués par son influence veut montrer que, tout en menant à leur accomplissement les principales innovations picturales du XIXe siècle, Cézanne est à l'origine de celles qui ont transformé la pratique des arts au XXe siècle. L'ouvrage met en jeu trois approches complémentaires Conduites où l'œuvre de Cézanne est étudiée du point de vue de sa poïétique ; Œuvres où sont analysées un certain nombre de toiles, découvrant constantes et ruptures, permanence de thématiques et les enjeux de la pratique de la série ; Suites qui examine le profit que des artistes ultérieurs ont su tirer de l'observation de l'œuvre du peintre aixois. Notre regard contemporain est ainsi amené à confronter l'œuvre de Cézanne aux travaux de Fernand Léger, Paul Klee, Pierre Buraglio, Richard Diebenkorn et Pierre-Jean Amar, qui attestent la fécondité de l'exemple cézanien. Ces différentes approches sont dues à des auteurs d'horizons différents : conservateur du patrimoine, enseignants en esthétique, en arts plastiques, en sémiologie de l'image, en histoire de l'art et en philosophie.

Cézanne, d'un siècle à l'autre

Miroirs, fragments, mosaïques... L'œuvre d'art au XXe siècle s'est construite selon certains principes de discontinuité. La totalité et l'unité de l'œuvre ont été soumises à des liaisons et déliaisons particulièrement marquées. Cet ouvrage explore ces opérations dans les domaines des arts plastiques, du cinéma, de la littérature, de la musique, de la photographie. Certaines opérations insistent d'un langage à l'autre. Leur repérage dans des œuvres diverses permet de dégager les matrices de la création artistique au XXe siècle. La notion de " schème " est particulièrement utilisée pour réfléchir et analyser la fabrique de l'art. Les œuvres étudiées ici sont celles de Marcel Proust et de Gérard Macé, de Paul-Armand Gette et de Français Méchain, de Raymond Reynaud et de François Righi, de Raymond Depardon, de Henry Cowell et de Luciano Berio, et d'autres. CIEREC, Travaux 120, Collection " Arts ".

Miroirs, fragments, mosaïques : schèmes et création dans l'art du XXᵉ siècle

Mouches équipées de micros enregistreurs. Danseur de claquettes en éponge. Machines aussi compliquées qu'inutiles. Le " loufoque " caractérise plusieurs œuvres littéraires, artistiques de la fin du XXe siècle. Elles combinent absurde et ludique, burlesque et fantaisie. Le " loufoque " est à définir et à caractériser par rapport à l' " incongru ", au " nonsense ", au " carnavalesque ". Les études réunies ici parcourent les domaines de la littérature, des arts plastiques, du cinéma, de la bande dessiné, du cirque, des albums de jeunesse, de la danse. Les œuvres de Jean Echenoz, Eric Chevillard, celles d'Erik Dietman, Glen Baxter, le cinéma des Monty Python et bien d'autres univers saugrenus sont parcourus. Il y est aussi question de cuisines et d'encyclopédies loufoques.
Par-delà l'analyse des œuvres singulières, l'objectif est de préciser les rapports du loufoque à la dérision sociale, au kitsch, à la pratique citationnelle, à l'univers machinique. Certaines figures apparaissent alors de façon insistante, celles de la taxonomie monstrueuse, de la chimère, de l'ange étrange, du robot déglingué.

Figures Du Loufoque A La Fin Du Xxeme Siecle. Arts Et Litteratures

Représenter ou non les poils et les rides dans une sculpture. Etirer un cou, renfler exagérément un sein. Saisir le vol d'un oiseau... La sculpture grecque, selon Hegel, s'interdit les détails superflus ou bestiaux. Ingres déforme le corps de ses odalisques. Kertész choisit la position d'un pigeon plutôt que l'ordre des monuments pour déclencher sa photographie de la ville.
Chaque représentation des corps, des lieux implique une pratique du détail. Tantôt celle-ci respecte la totalité de son objet, tantôt elle le distord, le fractionne. Il est possible de distinguer différentes pratiques et différents types de détail. L'Esthétique de Hegel et d'autres discours sur l'art se méfient du détail, de sa prolifération. L'érotique d'Ingres étire les doigts, les cous, gonfle les seins. Les libertins de Sade se polarisent sur une parcelle de chair. Les détails que choisissent Borges, Perec dans leurs récits résument leur vision du monde.
Le détail est sans doute lié à une esthétique, un système descriptif. En un sens, les stratégies descriptives sont influencées par l'ordre visuel, les appareils optiques du temps. Fernand Léger fait l'éloge du cinéma qui lui a appris à voir en gros plan une chaussure, une narine. Cependant les détails, leur découpe et ordonnancement ne sont pas seulement le produit d'appareillages optiques explicites ou implicites dans l'œuvre littéraire, picturale. Ils sont liés à une logique de l'écriture.
Détails, fragments, points révèlent et condensent parfois la logique de l'œuvre. Ils en sont alors le rejet et le monogramme.

Ses oeuvres

Ses derniers livres