Ce catalogue d'exposition du musée Rodin confronte les oeuvres du photographe américain Robert Mapplethorpe (1946-1989) à celles de Rodin, dans un dialogue fort. Le premier a beau sculpter les corps à travers son objectif, et le second recourir à la photographie tout au long de sa carrière, rien ne semble lier les deux artistes. L'un court après la forme parfaite, l'autre s’obstine à capturer le mouvement dans la matière. Rien de spontané chez Mapplethorpe le méticuleux, tandis que Rodin s'en remet aux fulgurances du geste, quitte à en accepter l’expression accidentelle.  Les plans hyper maîtrisés de l’un font écho aux rondes-bosses tourmentées de l’autre. La fragmentation des corps, leur examen compulsif, les drapés qui les dissimulent à peine signent une quête commune, également sensuelle. Distantes de près d’un siècle, les deux oeuvres présentent d’innombrables similitudes et produisent des diptyques saisissants.

Mapplethorpe Rodin

Un " mémorial " constitué de témoignages et d'entretiens avec des proches, des modèles, des collaborateurs et des spécialistes de Robert Mapplethorpe (Pierre Apraxine, Pierre Bergé, Germano Celant, Lucinda Childs, Marcus Leatherdale, Richard Marshall, Betina Rheims...).

Mapplethorpe, vivant ; réponses à des questions

Il avait un visage d'ange et un look de dandy rock'n'roll, ce qui, ajouté à son génie de photographe, fit de lui une légende mondiale de l'art contemporain.Mais qui était vraiment le génial et scandaleux Robert Mapplethorpe ?Un virtuose du noir et blanc ? Un enfant terrible du trash sexuel du New York des Seventies ? Une brebis galeuse du Queens ? Un mondain qui dînait avec Saint Laurent, Loulou de la Falaise ou la soeur de la reine d'Angleterre ? L'enfant chéri de sa mère ? Le fils honni de son père ? La coqueluche des galeristes branchés ?Pour saisir sur le vif le destin de cet artiste, Judith Benhamou-Huet a choisi d'interroger une quarantaine de personnes qui l'ont rencontré ou fréquenté. De son premier boy-friend officiel à son dernier - qui le veilla sur son lit de mort. De son avocat à son frère cadet. En passant par Ken Moody, son modèle mythique... tous racontent le parcours déterminé et exceptionnel de l'artiste qui mourut en 1989 sur l'autel du sida.Variation sur la création, l'argent, l'art, ce récit biographique éclaté et stylisé tente de traquer la vérité d'un être hors normes.Et qui, par-delà les effets de mode, reste aussi un explorateur incomparable des âmes errantes entre le Bien et le Mal.

Dans la vie noire et blanche de Robert Mapplethorpe

Ouro Preto, capitale du Baroque brésilien. Dans ce royaume de l'excès et de la luxuriance œuvre un prince des souffrances et du génie : Aleijadinho, aussi surnommé le Michel Ange du Brésil. Né au XVIIIe siècle d'un père architecte portugais et d'une mère esclave noire, Aleijadinho incarne à lui seul la grande légende du baroque brésilien. Métisse, il devient, malgré les obstacles, une icône de la sculpture brésilienne. Toute sa carrière se déroula dans sa région natale, le Minas Gerais, où il laisse de nombreuses traces de sa créativité. Son œuvre magistrale se trouve dans un village du nom de Congonhas do Campo, où il construit un "théâtre de saints", ensemble de sculptures de pierre représentant les douze prophètes. Fortement influencé par le Baroque allemand et portugais, l'artiste fut victime, à la fin de sa vie, d'une maladie dégénérative provoquant la perte progressive du mouvement des doigts. Il continua néanmoins à travailler en attachant des instruments à ses bras. Le sculpteur est encore aujourd'hui, pour les Brésiliens, une espèce de saint, un artiste grandiose dont le style évolutif symbolise ses origines mixtes. Très pieux, il affiche sa prédilection pour les thèmes religieux. Son répertoire, animé par un grand sens de la théâtralité, est influencé par les courants artistiques européens, mais laisse aussi transparaître des accès primitifs hérités de la tradition et de la sculpture sur bois africaine. Ce livre rappelle, dans sa présentation, les Bibles et livres de prière. De nombreuses photographies et illustrations accompagnent le texte de Judith Benhamou, qui s'attache à faire connaître cet artiste encore méconnu du grand public français.

Aleijadinho

La société contemporaine considère d'un mauvais oil les Jeff Koons et autres Damien Hirst qui ne cachent pas leur désir de richesse. Pourtant, des artistes ont toujours créé pour devenir prospères et reconnus. Au XXe siècle, Magritte a "fabriqué" en série ses pipes qui n'en étaient pas. Mais, bien avant lui, Cranach fut le peintre fortuné d'une infinité de Lucrèce, de Judith et autres Vénus, qui se ressemblent toutes - en se reproduisant déjà aui XVIe siècle comme des clones. La "Factory" de Rubens, si elle n'était pas franchement rock'n'roll, n'en restait pas moins un lieu de production quasi mécanisé destiné à ce que les toiles du maître d'Anvers envahissent toutes les cours d'Europe. Quant à Courbet, l'homme de L'origine du monde, il comptait bien sur une fine stratégie médiatique pour devenir riche et célèbre. Même Van Gogh, l'archétype de l'artiste maudit, mort pauvre et incompris, avait pour protecteur un des plus grands marchands de tableaux de Paris, autrement dit son frère Théo. Ce livre démontre en treize cas courant à travers l'histoire les idées préconçues sur des artistes qui appartiennent à la posterité - et prouve, au passage, que l'appât du gain n'est pas le privilège de la période actuelle. Un voyage dans la grande histoire de l'art remplie de toutes petites histoires d'hommes devenus d'immenses artistes.

Les artistes ont toujours aimé l'argent - De Dürer à Damien Hirst

Depuis la vente du tableau « Les Tournesols » de Vincent Van Gogh, adjugé par Christie's pour la somme record de 39,9 millions de dollars le 30 mars 1987, l'intérêt pour le marché de l'art est devenu un véritable phénomène de société et désormais, les records de prix sont révélateurs des nouvelles tendances de relations à l'art. De « L'homme qui marche » de Giacometti (1960), datant de 1905, sculpture monumentale vendue récemment 92 621 600 millions de dollars, à la sculpture du « Golden Calf » (veau avec des cornes de taureau et des sabots de cheval en plaqué or) de l'artiste contemporain Damien Hirst vendue à 16 millions de dollars en passant par le tableau méconnu de Rubens représentant « Le Massacre des Innocents », qui sommeillait dans la collection d'un particulier, vendu à 45 millions de livres sterlings alors qu'il était estimé entre 4 et 6 millions à Londres en 2002, les records n'ont cessé de provoquer la surprise et de mettre la presse en émoi depuis une vingtaine d'années. Tableaux anciens, impressionnistes, postimpressionnistes, modernes, contemporains mais aussi photographies, installations, sculptures... 150 oeuvres, adjugées pour des sommes exceptionnelles, selon leur catégorie, la période de l'artiste ou la technique sont ici répertoriées et donnent la mesure du prix que notre société attache à l'art aujourd'hui. Et pour chaque oeuvre une histoire, qui s'inscrit parfaitement dans l'histoire de l'art, mais aussi sa petite histoire du marché qui l'inscrit dans notre époque.

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