La collection de photographies du Centre Pompidou est aujourd'hui riche de 40 000 épreuves : elle est devenue l'une des plus importantes en Europe. Cette collection est aujourd'hui l'un des rares ensembles au monde apte à présenter une histoire complète de la photographie moderne et contemporaine dans toute sa diversité, avec des points forts, notamment pour la photographie des années 1920 et 1930, l'œuvre de Man Ray, de Brassaï, de Brancusi, la Nouvelle vision et le Surréalisme.

The Pencil of Culture - 10 ans d'acquisitions de photographies au Centre Pompidou

L'univers de Kobro et Strzeminski.
Le mouvment artistique de l'Unisme reconnaît dans l'existence objective du tableau sa seule raison d'être, voulant ainsi éliminer toute valeur non plastique : évocative, émotive, symbolique.
Ce programme artisique fut proposé par Katarzyna Kobro et Wladyslaw Strzeminski, deux figures incontournables de l'histoire des avant-gardes artistiques des années 1920 et 1930.
Collaborateurs de Kasimir Malevitch et Vladimir Tatline, les deux artistes ont toujours été persuadés de l'indispensable rôle social de l'art tout en restant fidèles à la notion de l'art pur, à savoir à une peinture non seulement dans son état brut, mais aussi qui est capable d'accompagner et de bouleverser le quotidien de son spectateur.
C'est pour cette raison qu'ils ont consacré leur vie à l'enseignement et la diffusion de l'art moderne dans la société à travers des publications ou la création d'une collection publique qui deviendra ensuite la première d'Europe.
Ce couple, à la fois professionnel et personnel, incarne pleinement les idées des courants artistiques tels que le Constructivisme ou le Suprématisme, d'autant plus qu'ils en ont proposé l'évolution dans la théorie et la pratique de l'Unisme.

Katarzyna Kobro et Wladyslaw Strzeminski ; une avant-garde polonaise

Cet ouvrage, qui accompagne la première exposition personnelle de l'artiste en France, présente son travail en 4 parties thématiques : - Vers l'abstraction, qui montre l'ensemble de photographies abstraites réalisées entre 1948 et 1950 qui reste par sa cohérence et son originalité, exceptionnel dans l'histoire de l'art ; ainsi que sa série Asymétrie, réalisée à partir de 1980 pendant les vingt dernières années de son activité artistique. Une évidente proximité des formes se dégage de ces deux ensembles, mais le dernier est entamé au moment où l'artiste a derrière lui sa fascination pour le structuralisme et les théories du langage et où sa conscience de l'image est toute autre. - Peintures et esquisses, qui présente son travail pictural et met en évidence les liens formels entre ses deux pratiques. - Proximité du réel, beauté du quotidien, à travers plusieurs séries réalisées dans les années 1960-1970 (Existences ; Paysages ; et plusieurs nus) qui surprennent par leur intensité et leur attention portée à ce qui devrait être marginal. Dans ces travaux l'appareil photo semble être un outil de documentation du réel mais il est en fait un moyen de dénoncer le réalisme photographique promu par le pouvoir en place. - Représentation soumise aux systèmes qui explore la notion de signe dans l'images et qui débouchera sur ses montages photographiques, véritable mise en abîme de l'image photographique dans l'image.

Dlubak - Un héritier des avant-gardes

Brassaï, flâneur nocturne, s'intéresse dès ses débuts à la culture populaire. Il est le premier, dans l'histoire de la photographie moderne, à penser intuitivement l'appareil photographique comme un outil de dissection des murs urbains.Montrés pour la première fois dans le contexte surréaliste (La revue Minotaure), ces dessins trouvés photographiés sont alors lus comme l'expression de l'inconscient de la métropole. La série des Graffiti, à laquelle le photographe travaillera pendant plus de vingt-cinq ans, comporte plusieurs centaines d'images dont une partie, est encore aujourd'hui, méconnue. Cet ouvrage, en intégrant les inédits et des œuvres de Picasso, Dubuffet, Prévert, propose un regard nouveau sur ce célèbre ensemble

Graffiti Brassaï. Le Langage du Mur

Au début du XXe siècle, les artistes d'avant-gardes tels Alexandre Rodchenko, Laszlo Moholy-Nagy, György Kepes ou Herbert Bayer, exploitent, dans leurs travaux graphiques, les nouvelles possibilités offertes par la photographie. Collages, photomontages ou abstractions lumineuses expriment, selon eux, plus directement que le dessin ou la peinture, les caractéristiques de l'environnement industriel. 

Mais ce que l'on sait moins est que ce dialogue entre photographie et arts graphiques est particulièrement fécond pendant les deux décennies qui suivent la fin de la Seconde Guerre mondiale (1945-1969). Si plusieurs graphistes s'essaient alors à la pratique du photomontage, d'autres affectionnent plutôt l'abstraction formelle permise par la photographie. Leurs photogrammes et dessins lumineux, obtenus grâce à d'innovantes expérimentations, sont appliqués à la publicité, à des affiches d'évènements culturels, à des couvertures d'ouvrages ou de pochettes de disques. Dans cette lignée, Gérard Ifert (Bâle, 1929), William Klein (New York, 1928) et Wojciech Zamecznik (Varsovie, 1923-1967) inventent, dans les années 1950 et 1960, de nouvelles formes d'expressions « photo-graphiques ». Ces trois personnalités, actives dans des domaines d'application distincts, opèrent néanmoins dans des contextes culturels assez proches, marqués non seulement par l'héritage du Bauhaus, mais également par celui de l'art concret et par les développements contemporains de l'abstraction gestuelle ou du cinétisme. Au moyen de captations photographiques des vibrations lumineuses, d'effets rythmés de montage et de jeux de couleurs, tous trois s'attachent à retranscrire les sensations dynamiques telles la vitesse, l'expérience de la foule ou l'ultra-mobilité.
Cet ouvrage présente plus de 200 photographies et documents, pour la plupart inédits ou méconnus, qui éclairent un pan important de l'histoire des relations entre photographie et arts graphiques dans les années d'après-guerre. Un texte de Julie Jones replace le photographisme dans l'histoire de la photographie, un texte de Catherine de Smet éclaire le travail de chacun des artistes au regard du graphisme, tandis que Karolina Lewandowska retrace leur parcours.

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