Anne-Valérie Gasc - Crash box

La Liberté éclairant le monde, plus connue sous le nom de Statue de la Liberté, fut offerte aux Etats-Unis par la France pour célébrer le centenaire de l'indépendance américaine et témoigner des liens qui unissaient alors les deux nations. Défi colossal unique à son époque, scellant l'union de l'art et de la technique, cette statue capable d'affronter vents et marées, impressionne par son gigantisme : 93 m de la torche au sol, un visage haut de 5,25 m, une main de 5 m de long, un nez de 1,48 m... Emblème de l'Amérique, symbole de liberté et de démocratie, Lady Liberty est devenue l'un des monuments les plus populaires au monde. Pour assurer le suivi de sa construction qui se déroule à Paris, son créateur, le Français Auguste Bartholdi, fait appel à l'expertise de photographes professionnels. C'est ainsi qu'il utilise un panorama géant de la ville de New York pour figurer les projets d'implantation de sa statue. Au terme d'un séjour sur place, Bartholdi choisit le site de Bedloe's Island qui fera de La Liberté la première vision des Etats-Unis pour des millions d'immigrants à l'issue d'une longue traversée de l'océan Atlantique. La statue est donc d'abord construite en France ; elle sera ensuite démontée en 350 pièces qui voyageront du Havre à New York où elle sera remontée en 1885, dépassant en hauteur le tout récent mais déjà fameux pont de Brooklyn. Les photographies présentées dans cet ouvrage furent à la fois des outils de travail, mais aussi de formidables supports de communication, car le financement du colosse connaît des aléas que seules des actions innovantes de publicité aideront à résoudre. L'image, et en particulier la photographie, joueront ici un rôle inédit. Elles racontent vingt années d'un projet démesuré et utopique, marqué par les plus grands enjeux politiques, sociaux, architecturaux et esthétiques de son temps.

Lady Liberty

Mold is Beautiful (new edition) /franCais

Les deux textes de Boleslas Matuszewski, Une nouvelle source de l'histoire et La Photographie animée, publiés en français à Paris en 1898, sont des ouvrages fondamentaux de l'histoire du cinéma. Etonnamment peu connu, l'ensemble constitue un document exceptionnel sur la réception des " images animées " au cours des toutes premières années de leur diffusion. Dans Une nouvelle source de l'histoire, l'auteur propose de créer des archives de cinématographie documentaire, alors que la photographie animée, à la même époque, ne connaît qu'une fortune commerciale et distractive. Le programme de Matuszewski est novateur : il envisage non seulement la collecte, mais aussi la production systématique de documents cinématographiques pour l'enrichissement permanent des fonds d'archives. La Photographie animée, ouvrage inédit, expose en détail le mode de fonctionnement d'un dépôt cinématographique relevant du domaine public, chargé de produire, de conserver et de donner accès à des " épreuves " cinématographiques qui documentent tous les domaines de la vie : la médecine, l'industrie, l'armée, les arts. Le texte dévoile ainsi une approche originale du cinématographe, mue par la volonté de faire de cet appareil le plus efficace et le plus démocratique des moyens de transmission du savoir, afin de contribuer au " progrès " de l'humanité et à la solidarité entre les peuples. Les études critiques qui accompagnent cette réédition retracent la généalogie des archives photographiques et cinématographiques considérées alors comme sources visuelles irréfutables pour l'historien. Elles permettent d'éclairer certains points d'ombres de la vie de Matuszewski, de mieux cerner ses origines et ses différents champs d'activité, d'accorder enfin une historicité concrète à une figure encore inscrite dans la légende des " premiers temps ". La présente réédition des deux textes de Matuszewski permet enfin de généraliser l'accès à sa pensée et de mettre en lumière un auteur qui s'inscrit dans l'histoire du cinéma comme premier théoricien du médium cinématographique.

Une nouvelle source de l'histoire (création d'un dépôt de cinématographie historique) ; La Photographie animée ce qu'elle est, ce qu'elle doit être

Ils s'appellent Walker Evans, Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson, Philippe Halsman, Robert Mapplethorpe, Seydou Keyta ou Raymond Depardon. Ils ont conclu le XIXe siècle et ont ouvert le XXe en en fixant les couleurs désormais immuables. En saisissant un instant, un moment, un regard, ils ont bouleversé l'art photographique et changé à jamais la vision portée sur le monde et les choses. Leurs clichés, témoins de l'Histoire, des révolutions sociales, de la misère, de la souffrance ou des drames humains, mais aussi de la beauté des êtres et des éléments, sont devenus des icônes. Retrouvez pour chacun des grands photographes, de Man Ray à Nan Goldin, leur parcours personnel et artistique ainsi que des explications sur une de leurs oeuvres les plus emblématiques et les techniques qu'ils utilisaient. Découvrez leurs combats, leurs audaces, et l'oeil neuf qu'ils posèrent sur les hommes et le paysage pour en renouveler à jamais les images.

Les grands photographes du XXe siècle

"Longtemps resté à l'ombre des pyramides, le succès iconographique du Sphinx est encouragé par le dessin et la gravure : il prend toute son ampleur avec la photographie. La collection de Wouter Deruytter décline les occurrences imagées de cette sculpture solitaire et monolithique. C'est ainsi que le Sphinx se déploie sous des ciels d'albumine, de collodion ou de gélatine. Témoin de la naissance de l'archéologie et de l'essor du tourisme, le Sphinx assiste, immobile, au défilé des voyageurs. Les photographies monumentales de Wouter offrent du Sphinx une vision inédite. Explorant les abords et l'intérieur du géant à corps de lion, le photographe nous invite au coeur de la plus énigmatique des sculptures. Ce travail et cette collection nous disent combien la conscience patrimoniale se déplace d'objets en objets. Après avoir accompagné et documenté l'admiration pour le Sphinx, c'est au tour de la photographie elle-même d'être conservée et offerte à la contemplation. " Luce Lebart commissaire de l'exposition

Souvenirs du sphinx ; collection Wouter Deruytter

Inventions 1915-1938, du masque à gaz à la machine à laver

Au fil du XXe siècle, poètes, écrivains, artistes, photographes, collectionneurs, conservateurs et historiens ont contribué à inscrire l'oeuvre d'Eugène Atget (1857-1927) dans l'histoire de l'art. Photographe des petits métiers, des devantures de boutiques, des cours d'immeubles, Atget ne s'est jamais engagé dans aucun mouvement artistique, se retranchant derrière une pratique documentaire. Alors qu'il a laissé au monde des milliers d'images, il n'a livré aucun écrit sur sa conception de la photographie, son esthétique, son passé ou son avenir. Ce silence a paradoxalement produit quantité de discours. Découvert par Man Ray et dévoilé par Berenice Abbott, il est perçu comme annonciateur du surréalisme, mais aussi comme précurseur de la nouvelle objectivité et de la photographie documentaire, ou assimilé aux avant-gardes. Atget fait parler et suscite de nombreuses questions : art versus artisanat, photographie versus document, oeuvre versus archive. Son oeuvre pose magistralement la question du concept d'auteur. Luce Lebart réunit pour la première fois une quarantaine de textes passionnants, qui tous participent à la reconnaissance atypique parce que posthume du "photographe des photographes" dont ceux de Man Ray, Robert Desnos, Walter Benjamin, Pierre Mac Orlan, Berenice Abbott, Walker Evans, Manuel Alvarez Bravo, Edward Weston, Robert Doisneau, Takuma Nakahira, Robert Adams, Peter Galassi, Clement Greenberg, Rosalind Krauss et Abigail Solomon-Godeau.

Les silences d'Atget - Une anthologie de textes

Une fabuleuse somme collective, un livre manifeste, un ouvrage de référence : telle est l'ambition de cet ouvrage co-construit par 160 autrices du monde entier qui présentent 300 femmes photographes, de l'invention du médium aux années 2000. Ainsi les portraits de chaque photographe ont été rédigés par des femmes de toute nationalité pour se prémunir de l'écueil d'un regard "occidentalo-centré". Les séquences de portraits alternent avec des portfolios qui font dialoguer les oeuvres entre elles.

Une histoire mondiale des femmes photographes

Le vivant, la nature, l'eau, l'air, la lumière, le feu, quelles percep-tions avons-nous de notre environnement, quel est notre rapport au monde sensible ? Tout est métamorphoses, impermanence. La photographe américaine Terri Weifenbach observe avec acuité les changements perpétuels d'une nature que bien souvent nous négligeons : son objectif capte les infimes variations de lumière, d'humidité, de touffeur. Les nuages s'épaississent, se teintent de nuances mordorées, le monde végétal bruisse, chargé d'humidité, la présence animale se révèle au creux d'un bois : la nature chez Terri Weifenbach se perçoit à la dérobée. Réalisées dans la forêt de Fontainebleau, au jardin du Muséum national d'histoire naturelle de Paris, au Japon dans les parcs de Nara et de Mishima, dans les Rocheuses et vastes plaines du Montana et du Wyoming ou encore dans les marais salants de Saint-Catherine Island, en Géorgie, ses images donnent à voir une nature immanente, qui laisse percer ses mystères à condition de l'approcher avec attention et curiosité. Le geste photographique se fait perception.

Titulaire d'une bourse de recherche, qui lui a ouvert les portes du prestigieux laboratoire américain de l'ARM (Atmospheric Radiation Measurement Research) où l'on mesure les particules présentes dans l'air, la dimension des nuages, les fractions de ciel couvertes de cirrus, la hauteur du plafond nuageux, le rayonnement solaire à la surface de la Terre ou encore la densité des pluies, Terri Weifenbach oeuvre en contrepoint aux instruments scientifiques qui mesurent l'immatériel. Ses images nous immergent dans une nature fragile et mystérieuse, où seule l'expérience sensorielle et notre perception visuelle et intuitive nous donnent accès au réel.

Cloud physics

Comment ne pas être fasciné parla vie et l'oeuvre d'Albert Kahn (1860-1940), qui, au tournant du XXe siècle, voua sa fortune à un projet humaniste fait de paix et d'entente entre les peuples ? Amoureux de la diversité des cultures comme de la nature, il se saisit des inventions techniques du moment - le cinématographe, la photographie en relief et le procédé autochrome - pour dresser un inventaire en images d'un monde alors en pleine transformation : les Archives de la Planète. Ces images remarquables, conservées au musée départemental Albert-Kahn à Boulogne-Billancourt, forment une collection unique au monde. Le passé rejaillit sous nos yeux dans les couleurs lumineuses des autochromes et le mouvement des films, tandis que le jardin aux multiples espèces offre un écrin végétal exceptionnel pour partager ce rêve d'harmonie.

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