Troyes fut à la Renaissance une des villes les plus peuplées du royaume de France, et son activité dans le domaine de l’architecture, de la sculpture et du vitrail fut à la hauteur de cette position éminente. Par chance, guerre et révolutions ont relativement épargné les réalisations de cet âge d’or, qui sont venues d’ajouter aux legs déjà majeurs de l’époque gothique. La cathédrale Saint-Pierre-Saint-Paul et son cortège d’églises paroissiales et collégiales, huit sont conservées sur les quatorze que comptait la ville avant la Révolution, sont les témoins éclatants de ce brillant passé : au fil des pages le lecteur découvrira la cage de verre du choeur de Saint-Urbain, le jubé arachnéen de La Madeleine, les panneaux peints de Saint-Remy, les visages expressifs et les riches costumes du peuple de statues ou encore le merveilleux livre d’images des verrières présentes dans la plupart de ces églises. Ce patrimoine continue de s’enrichir des créations contemporaines, comme le montrent les pages consacrées aux églises et aux décors des XIXe et XXe siècles, restées jusqu’ici dans l’ombre du "beau XVIe".

Les églises de Troyes - Cathédrale, collégiales et églises paroissiales

À la Renaissance, une foule de statues et de reliefs d'une exceptionnelle qualité, de toutes tailles et de tous matériaux, envahit les églises de la Champagne méridionale. Une population, désireuse de mettre en image son statut social et sa piété durement éprouvée par les guerres de Religion, confia à ses sculpteurs la mission de continuer à peupler leurs églises de retables et de statues. Les artistes étaient prêts à répondre à cette demande pressante de façon neuve et inventive. Certains d'entre eux avaient aiguisé leurs talents dans les grands chantiers voisins contemporains, tout particulièrement celui du château de Fontainebleau, ouvrant aux côtés d'artistes de premier plan, tel Dominique Florentin. Ce sculpteur italien installé à Troyes au début des années 1540 a joué un rôle majeur dans le renouveau du foyer artistique champenois. De cet extraordinaire moment de création, témoigne la profusion exceptionnelle de sculptures maniéristes, volet essentiel de la Renaissance artistique en France. Ce livre, richement illustré, montre comment ces statues et ces reliefs ont accompagné la ferveur catholique des fidèles du XVIe siècle et continuent à agir sur nous.

Des âmes drapées de pierre - Sculpture en Champagne à la Renaissance

Des âmes drapées de pierre ; la sculpture en Champagne à la Renaissance (édition 2017)

La sculpture italienne de la Renaissance occupe une juste 
place aux côtés de l'architecture et de la peinture dans le 
panthéon de la création en cette période si faste pour les arts. 
On ne peut en dire autant de la sculpture française du XVIe 
siècle : même les historiens de l'art peinent parfois à avancer 
quelques noms de sculpteurs et plus encore à mentionner des 
oeuvres. Pourtant, sans égaler en nombre la production 
italienne, et même si une grande partie des sculptures sont 
anonymes, le corpus est exceptionnel, tant par sa qualité que 
par sa diversité. La sculpture française du XVIe siècle fut en 
effet un art majeur, et c'est toute l'ambition de cet ouvrage de 
le montrer. Ce livre présente l'état de la recherche actuelle sur 
la sculpture française de la Renaissance. S'il rassemble les 
contributions d'une vingtaine de chercheurs, il ne ressemble en 
rien aux traditionnels et souvent peu attractifs recueils d'actes 
de colloque et s'adresse aussi bien aux spécialistes qu'aux 
amateurs. D'un abord stimulant, il privilégie le plaisir en 
invitant à regarder la sculpture pour mieux la comprendre.

La sculpture française au XVIe siècle - Etudes et recherches

Bâti sur une île au milieu de l'Indre sous le règne de François Ier, le château d'Azay-le-Ri. s'est imposé comme l'un des monuments les plus admirés de la Renaissance en Val Loire. Il a su se transformer au fil du temps, tout en continuant à faire vivre son héritage du XVIe siècle, cultivant ainsi une identité forte, léguée par ses premiers propriétaires Gilles Berthelot et Philippe Lesbahy, et par ses occupants successifs, dont la famille Biencourt au XIXe siècle. En 2017, au terme d'une campagne de restauration menée par le Centre des monuments nationaux, qui a mobilisé de nombreux corps de métier pendant plusieurs années le château d'Azay-le-Rideau a rouvert ses portes, profondément repensé et restitué dans tout son charme et son éclat.

Le château d'Azay-le-Rideau

Qualifiée d'" ombilic du royaume " par l'humaniste florentin Francesco Florio, Tours est à partir de la décennie 1440 le lieu de séjour favori des rois de France et de la cour et, dès lors, l'une des villes les plus importantes du domaine royal. Dès la seconde moitié du siècle, elle s'impose comme l'un des grands foyers artistiques reconnue comme capitale du luxe autour des années 1500. C'est ce foyer que le colloque organisé en mai 2012 au Centre d'Etudes Supérieures de la Renaissance, et dont les actes sont publiés ici, a choisi d'étudier. Le regard des chercheurs s'est porté sur la cité elle-même à la fois comme lieu de naissance des oeuvres et comme plaque tournante de la création artistique largement ouverte vers d'autres villes. Territoire investi par les commanditaires et les artistes tourangeaux ou étrangers, il fut un lieu d'échanges privilégiés entre ces différentes catégories d'acteurs pour une production touchant aux arts monumentaux (architecture, sculpture), aux arts précieux (broderie, orfèvrerie), aux arts de la couleur (enluminure, peinture) ou aux arts de la guerre.

Art et société à Tours au début de la Renaissance - Actes du colloque "Tours 1500, art et société à Tours au début de la Renaissance" du 10 au 12 mai 2012

Tous les aspects de l'art du grand sculpteur sont évoqués dans une monographie et un catalogue exhaustif : ses liens avec Poussin et les tenants du classicisme à Rome, ses rapports avec Bernin, ainsi que sa production de putti, dont le goût perdura jusqu'aux Lumières. Cet ouvrage analyse ainsi de manière renouvelée le style de François du Quesnoy et replace son oeuvre dans l'évolution de l'art du Grand Siècle.

François du Quesnoy (1597-1643)

Cet ouvrage propose une réflexion sur les rapports de la sculpture avec la littérature, les arts graphiques, l'architecture et la peinture en France, du xvie au xviiie siècle.
Les liens entre les arts s'intensifient à partir de la Renaissance et la sculpture trouve alors place au coeur de la littérature philosophique, poétique ou mystique. L'écrit inspire et s'inscrit dans les oeuvres. Le dessin, lui, tient une place essentielle dans le processus créatif que démultiplie la gravure, par le phénomène du modèle et de l'interprétation. Avec l'architecture, les relations sont si étroites que bien souvent l'une ne peut se définir ni s'exprimer sans l'autre. La peinture, quant à elle, s'offre à des rapprochements matériels opérés par la mise en couleur des oeuvres tout en procurant aux statues et reliefs un nouvel espace de figuration.
Ce ne sont là que quelques-uns des thèmes abordés dans ce questionnement du dialogue des arts, mais ils incitent à renouveler le regard porté sur la sculpture et les analyses qui en sont faites, en prenant en compte les phénomènes d'interaction qui l'ont façonnée afin de mieux comprendre ses spécificités.

La sculpture dans son rapport avec les autres arts : XVIe-XVIIIe siècle

L'histoire des couleurs dans le monde occidental au Moyen Age et à la Renaissance a été nourrie par des travaux majeurs qui ont permis d'en cerner de multiples aspects, depuis les pratiques techniques jusqu'aux usages symboliques. En revanche, la question des rapports entre monochromie et polychromie dans les arts n'a guère fait l'objet que d'études ponctuelles. Le volume " Aux limites de la couleur : monochromie et polychromie dans les arts (1300-1600)", dirigé par Marion Boudon-Machuel, Maurice Brock et Pascale Charron, se propose ainsi de traiter la question de la perception et du rôle de la couleur dans les oeuvres d'art en adoptant un spectre large, allant de la conception de l'oeuvre à sa réception, de l'analyse des gammes chromatiques réduites (grisaille, camaïeu, monochromie, bichromie...) à l'étude des rapports entre la monochromie et la polychromie. Les contributions couvrent les disciplines artistiques les plus diverses (peinture, sculpture, orfèvrerie, arts graphiques, textile...) et s'articulent autour de deux binômes : monochromie-bichromie, monochromie-polychromie. Avec les contributions de Mathilde Bert, Marc Borman, Agnès Bos, Bertrand Cosnet, Olivier Deloignon, Laure Fagnart, Antonella Fenech, Marc Gil, Maxence Hermant, Michel Hochmann, Anne Le Poittevin, Marie-Lys Marguerite, Audrey Nassieu-Maupas, Michel Pastoureau, Natacha Pernac, Laurence Riviale, Nathalie Roman, Valentina Sapienza, Michele Tomasi, Ines Villela-Petit, Denise Zaru

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