La mélodie n'est pas un paramètre musical aussi souvent abordé que l'harmonie, voire que le rythme. Longtemps, on observe une discontinuité dans sa théorisation (les auteurs des traités de mélodie ne se lisent pas entre eux, et souvent déplorent que personne avant eux n'ait abordé le sujet...). La mélodie ne se laisse pas non plus schématiser et réduire de manière aussi radicale et sophistiquée qu'un enchaînement d'accords - on se contente alors souvent de constater qu'elle est une inspiration, un don, un miracle ineffable (chacune est singulière) ou, au contraire, on l'aborde uniquement en partant de l'harmonie (degrés forts et faibles, notes " de passage "...). Pour ce qui est de la musique savante au XXe siècle, ou musique classique contemporaine, seul objet de ce livre, on s'est souvent contenté de parler d'un " tabou " jeté sur la mélodie ; s'il existe de nombreuses études ou articles ponctuels sur l'écriture mélodique, souvent brillants (que nous citerons au fur et à mesure) une synthèse plus globale - fut-ce pour illustrer en détail le fameux " tabou " - fait curieusement défaut. Nous proposons ici (I) une approche de la mélodie en général, qui l'aborde selon quatre perspectives (harmonique et phraséologique, énergétique, gestaltiste, thymique). L'entrelacs de ces quatre types de description sous-tend chacun des commentaires musicaux par la suite. Nous esquissons ensuite (II) une brève généalogie de la mélodie, puisqu'il faut clarifier ce qui sera redéfini ou déconstruit au XX e siècle, et ce qui perdure. Il s'agit en particulier de la différence entre mélodie et voix polyphonique et de celle entre mélodie et thème, deux oppositions qui influencent encore la pratique de la mélodie moderne et contemporaine. À partir de Wagner - " c'en est fini des belles mélodies ", écrit-il en 1879 - l'expérimentation entre en scène, pratiquée par certains compositeurs, guère tous. Nous montrons ensuite (III) que si la mélodie est déconstruite, parfois rejetée dans les discours, ses traits essentiels, ses anciens principes de cohérence, se retrouvent très souvent dans des styles d'écriture non tonales. Nous tenons compte également d'esthétiques plus traditionnelles (Benjamin Britten, Alfred Schnittke, George Benjamin) ou de genres (chansons militantes dans les années 1970) qui la présupposent intacte - l'expérience mélodique ne se résume pas à la seule expérimentation. Et Messiaen, au milieu du siècle, grand défenseur et praticien de la mélodie, est une sorte de clef de voûte du XX e siècle mélodiste. Nous évoquerons les discours théoriques des compositeurs et/ou ce l'on peut déduire de leur traitement de l'objet mélodique, la manière dont ils le conçoivent et le mettent en scène ; c'est là une sorte de " théorie en acte " que l'on trouve déjà dans les carnets d'esquisses de Beethoven, et qui peut se passer de la parole. Quant aux contextes, c'est tantôt l'essor d'un nouveau langage qui est crucial (dodécaphonie, spectralisme), tantôt un contexte politique (dans les années 1930 et 1970, le retour à la mélodie a valeur de manifeste), tantôt encore une esthétique individuelle ; nous les rappelons au sujet de chacun des exemples choisis. Procéder à ce choix peut donner le vertige - combien d'objets mélodiques dans une seule composition de Berg ou Stockhausen... sans parler de leur oeuvres complètes ! La sélection repose donc sur l'hypothèse d'une certaine " typicité " de la mélodie commentée, parfois sur son caractère singulier, parfois simplement sur sa beauté - critère tout subjectif qui, à la fin des fins, fait aussi ressembler cet ouvrage scientifique à un album de mélodies. Les considérations plus générales (tissant idéalement une sorte de petite histoire de la musique savante au XXe siècle vu par le filtre de la mélodie) alternent avec des descriptions plus détaillées (et dans une autre présentation typographique), s'adressant à un lecteur qui souhaite approfondir la question.

L'expérience mélodique au XXe siècle

Ce premier volume des publications de l'Institut Théodore Gouvy, fruit du colloque tenu en 2019, rassemble des contributions cherchant à éclairer les multiples facettes de Théodore Gouvy dont la vie et la carrière furent partagées entre la France et l'Allemagne.

Les recherches récentes, qui s'appuient sur la sociologie, la génétique et l'analyse musicales, permettent d'entrer dans le détail de l'utilisation singulière des formes musicales par Gouvy, des particularités de son style harmonique, de ses réadaptations de mouvements antérieurs et de sa réécriture des poètes de la Pléiade, dont la mise en musique constitue un important épisode de leur redécouverte au xixe siècle. L'exploration des fonds d'archives et de la correspondance donne plus de relief à la réalité quotidienne d'un compositeur aux prises avec ses éditeurs, ses critiques et ses collègues et aussi à une reconnaissance progressive (élection à l'Académie des Beaux-Arts de Berlin, intégration dans les dictionnaires de musique).

Théodore Gouvy : recherches récentes - Actes du deuxième colloque international, Paris 2019

Chez un Fausto Romitelli (1963-2004), compositeur franco-italien disparu trop tôt il y a de cela déjà dix ans, à l'âge de 41 ans, la culture populaire (le rock ou la bande dessinée) est un horizon inébranlable à partir duquel il construit son univers inouï. Comme la plupart des auteurs de ce numéro l'affirment, le rock ne sert pas tant de modèle sonore à sa musique [.], mais plutôt de modèle éthique [.]. En cela, l'attitude de Romitelli nous rappelle, malgré toutes les différences, celle d'un autre révolté insolite: Frank Zappa. Par conséquent, ce numéro constitue en quelque sorte le pendant de celui consacré par Circuit au guitariste américain en 2004. - See more at: https://www.sodep.qc.ca/numero/circuit_-_numero_3_-_hiver_2015/#sthash.a1i73qCj.dpuf

Circuit. Vol. 24 No. 3,  2014 - Pactes faustiens : l'hybridation des genres musicaux après Romitelli

Ingénieur, écrivain, compositeur, acteur et théoricien visionnaire des médias, Pierre Schaeffer (1910-1995) a révolutionné la musique contemporaine, introduisant en son coeur les expérimentations les plus audacieuses, pour aboutir à la remise en question de notions a priori évidentes comme l’écoute, le timbre, le son... Des premières expériences théâtrales au sein des associations scouts dans l’entre-deux guerres au long compagnonnage avec Gurdjieff, des recherches de formes nouvelles pour la Radio ou la Télévision jusqu’aux défis de l’homme d’institution à la tête du Service de la Recherche de l’ORTF, cet album richement illustré fait revivre l’oeuvre et les engagements de l’auteur du Traité des objets musicaux. La somptueuse iconographie reproduite dans l’ouvrage provient des archives privées de Pierre Schaeffer, conservées à l’IMEC : partitions, manuscrits, catalogues, photographies, dessins…Un beau livre en forme d’hommage au polytechnicien-musicien, qui a marqué de son empreinte le XXe siècle intellectuel et artistique.

Pierre Schaeffer - Les constructions impatientes

Ce livre interroge les discours sur l'écoute musicale à partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle, moment où l'on remarque une inquiétude croissante au sujet des risques qu'elle encourt. L'oeuvre peut alors s'affranchir d'un ensemble de codes qui garantissaient une communication immédiate - par référence à la rhétorique - pour inventer à chaque fois des règles ou des organismes nouveaux, que saisira une écoute répétée. S'adressant au XVIIIe siècle aussi bien à l'amateur qu'au connaisseur, à partir de Beethoven, l'oeuvre pourra constituer à chaque fois sa propre communauté d'écoute. L'écoute musicale, comprise comme l'appréhension d'une oeuvre, est en même temps étroitement liée aux théories portant sur la perception, qui peuvent même prendre le pas sur elles à certaines époques. Ces théories sont influencées de leur côté par des textes théologiques ou philosophiques assurant la suprématie de l'oeil sur l'oreille, ou l'inverse. Quant à l'écoute musicale, elle revêtira différentes figures dont on suit ici le développement : une écoute par association d'images, une écoute structurelle, une écoute sublime ou une écoute de l'ineffable. La notion de discours est entendue au sens fort, comme producteur d'effets concrets : aménagement de lieux favorisant telle ou telle écoute, construction sociale d'attitudes - se taire, fermer les yeux, n'applaudir qu'à la fin d'un morceau mais aussi marque imprimée sur les oeuvres elles-mêmes, qui visent un certain type d'écoute : un compositeur ne crée pas seulement à partir de techniques d'écriture ou d'une vision poétique, mais aussi à partir de discours, dont la trace se repère dans ses partitions.

L'Oreille divisée - Les discours sur l'écoute musciale aux XVIIIe et XIXe siècles

Les textes rassemblés dans ce volume procèdent de communications présentées dans le cadre de deux séminaires : l’un, tenu par Gilles Dulong et François Nicolas à l’École normale supérieure (2003-2004), s’intitulait Penser la musique contemporaine avec/sans/contre l’Histoire ? ; l’autre, placé sous la direction de Martin Kaltenecker, s’est déroulé la même année au Centre de documentation de la musique contemporaine, proposant comme sujet de réflexion La Musique du XXe siècle : l’hypothèse de la continuité.
Un certain nombre de références ou de problématiques communes nous ont amenés à regrouper ces communications. Sans vouloir accentuer artificiellement des traits convergents, on peut souligner que la notion d’autonomie de la musique (ou de l’oeuvre d’art) semble parcourir la plupart de ces réflexions, notion par rapport à laquelle se situent les méthodes d’approche elles-mêmes très différentes – esthétiques, historiques, sociologiques.

Penser l'oeuvre musicale au XXe siècle : avec, sans ou contre l'histoire ?

Helmut Lachenmann (né en 1935) apparaît comme le compositeur allemand le plus marquant de la génération après Stockhausen. Très critique vis-à-vis de la situation musicale à la fin de l'ère sérielle, refusant aussi bien la musique aléatoire que le théâtre musical, il choisit de composer une musique faite de bruits, mais produits par les instruments classiques. Lachenmann allait scruter alors, comme si l'on retournait un tapis, l'envers du son, décomposant le geste sonore pour faire apparaître toute une fragile richesse -souffles, frottements et tremblements, considérés comme point de départ d'un nouveau travail motivique. Ce livre retrace l'évolution de Lachenmann, de ses premières œuvres de " musique concrète instrumentale " jusqu'à son récent opéra d'après la Petite fille aux allumettes d'Andersen, en passant par les grandes pièces d'orchestre, où se déploie une imagination sonore sans bornes, trouvant des " rimes acoustiques " toujours nouvelles. Pour Lachemnann cependant, la composition n'est pas un agencement agréable ou intéressant de sonorités nouvelles. L'enjeu de l'œuvre musicale réside dans une transformation de l'écoute, qui doit passer des calcifications traditionnelles du son " philharmonique " vers une perception libre. Exprimée dans de nombreux textes, cette esthétique n'est pas sans résonances philosophiques, dont on cherchera ici les origines dans certains textes de Kant.

Ses oeuvres

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