Le quatuor à cordes est considéré comme un cadre privilégié de l'expression artistique. Dès sa naissance, le genre représente dans la vie d'un compositeur un passage initiatique obligé, un aboutissement artistique, l'antichambre d'œuvres de plus grande envergure ; ou souvent, un dépassement.
Aussi les musiciens ont-ils toujours été tentés de jouer avec les goûts dominants en création musicale. Ils en élargissent les frontières ou au contraire les circonscrivent, dans le cadre épuré offert par le matériau des quatre instruments à cordes.
Ce livre interroge l'extrême comme constante dans l'histoire du quatuor à cordes, grâce à des approches historiques, sociologiques, esthétiques ou analytiques, couvrant une large période, allant des compositeurs français de la Révolution aux quatuors avec électronique ou mise en scène théâtrale. Il retrace pour une part l'histoire d'un genre dont l'exploration est loin d'être achevée.

Le Quatuor à cordes, vers les séductions de l'extrême

Un combat contre le doute et la maladie, dont l'espoir sort vainqueur  « Entre Ombre et Lumière. Tout mon chemin de vie se retrouve dans ces deux mots : comment je suis passée de la lumière à l'ombre [...] en perdant la vue à l'âge adulte. Et comment me confronter à ma part d'ombre m'a ensuite permis d'aller vers la lumière, en repoussant les limites de ce que je croyais possible sur mon chemin de guérison. Valide, handicapée, ce ne sont que des mots. »  Dans ce premier ouvrage, Muriel Joubert nous livre un témoignage bouleversant sur son histoire de personne « perdant la vue ». Un texte à la fois drôle et émouvant, d'où le lecteur sort changé, rempli d'énergie.
  
En s'appuyant sur son expérience personnelle pour donner des clés concrètes et applicables au quotidien en matière de développement personnel, de psychologie et de spiritualité, elle offre à tous de nombreux conseils sur le bien-être et la santé.
Son parcours est un chemin de vie qui inspire, donne à réfléchir et invite chacun de nous à développer un nouveau regard sur soi, pour vivre pleinement.

Comment j'ai trouvé ma propre lumière

Depuis environ deux siècles, le répertoire instrumental et le concert laissent une large place au violoncelle. Instrument qui sait à la fois accompagner et chanter, ce grand violon a su intégrer une multitude de formations. Par son association avec l'instrument polyphonique des romantiques par excellence, il a vu ses résonances et son expressivité amplifiées ; ensemble, dès le XVIIIe siècle, piano et violoncelle offrent aux instrumentistes professionnels, aux amateurs et aux mélomanes des pièces d'une grande diversité esthétique. Malgré ce succès qui se mesure à la fois par une attirance croissante pour les classes de violoncelle et par des concerts de sonate de plus en plus fréquents, la musicologie a consacré peu de recherches à cette formation. Constituant ainsi la première étude en langue française sur le sujet, ce livre interroge les origines et l'évolution du genre et de son répertoire, des sonates de Beethoven aux compositions actuelles, selon des approches organologiques, historiques, sociologiques, esthétiques ou analytiques. Des regards d'interprètes et de pédagogues enrichissent la réflexion musicologique et permettent au lecteur, qu'il soit musicologue, violoncelliste, pianiste ou mélomane, de s'informer sur un genre qui attendait une exploration approfondie.

Le duo violoncelle piano, approches d'un genre

La traduction des émotions dans les musiques de films

D'une réflexion sur la matière et l'énergie générées par la musique émergent les notions de foisonnement et de prolifération. L'une et l'autre sous-entendent une matière dense, animée d'une énergie qui peut prendre des orientations différentes. Celles-ci sont évoquées au sein des trois grandes parties qui composent cet ouvrage, entrecoupées d'interludes (propres à la collection « Mélotonia ») donnant la parole à des musiciens et compositeurs.
En premier lieu sont dépeints des répertoires où les canons et polyphonies foisonnent, à l'imitation des arabesques végétales et picturales, à l'instar des compositions de Jean-Sébastien Bach ou du compositeur marocain Ahmed Essyad. Puis c'est l'inscription du foisonnement au plus profond du geste compositionnel et interprétatif qui est étudié, dans les premières oeuvres d'Alban Berg, dans le champ jazzistique ou dans le travail musical du cinéaste Jean Grémillon. Suivent quelques études sur les foisonnements intertextuels, qui nous font voyager de la littérature (avec le mythe de Faust) aux arts visuels, en passant par les Fantaisies de Liszt. Un ouvrage d'une très grande richesse donc, en un mot foisonnant.

Foisonnements et proliférations en musique

Cet ouvrage propose une interprétation originale de la musique de Claude Debussy, invitant le lecteur à une écoute renouvelée de son oeuvre. Dans un contexte où les langages artistiques se trouvent bouleversés, Debussy élabore par sa stylistique un univers musical qui procure un sentiment d'espace sonore alors inouï à son époque. Or l'exploration debussyste est contemporaine du grand chamboulement de l'espace pictural que les impressionnistes, les symbolistes ou les cubistes ont provoqué. Cette étude croise les champs disciplinaires que sont la musique et la peinture au sein d'une réflexion autour de la notion de profondeur spatiale, sur l'axe poïético-esthésique qui intègre tout à la fois l'intentionnalité des artistes et le champ psycho-cognitif lié à la perception des oeuvres.

La musique de Debussy et l'espace des profondeurs - Résonances picturales

Première énergie du processus vital, le souffle s'est imposé pour inaugurer cette nouvelle collection "Mélotonia". Entre immatérialité et matérialité, il s'incarne dans la musique à différents niveaux - fonctionnel, formel, esthétique, symbolique... La dimension anthropologique du souffle innerve l'ensemble de l'ouvrage, plus particulièrement le préambule du philosophe Bernard Sève et la synthèse de Jacques Viret sur le souffle et la voix. Du rôle subtil du qi dans la flûte chinoise (François Picard) à la gigantesque respiration de l'orgue (Odile Jutten), le souffle instrumental revêt, au-delà de ses fonctionnalités physiologiques, une dimension métaphorique que Céline Chabot-Canet décèle également dans la chanson enregistrée. Ce premier volume oscille donc entre ancrage anthropologique, analyse musicologique (Denis Le Touzé, sur le Prélude à "l'Après-midi d'un faune", Makis Solomos, sur la musique contemporaine) et propos de compositeurs (l'interlude de Bertrand Merlier et le témoignage autobiographique de Michel Chion).

Le souffle en musique

Même si, selon de récentes études, le rire n'est plus le propre de l'homme, ce geste corporel et sonore naît d'une énergie,à dont se sont emparés les compositeurs et les musiciens. Cet ouvrage se propose donc de réfléchir à la manière dont le rire se manifeste en musique, dévoilant, au-delà de ses ancrages psychologiques, sociologiques ou anthropologiques, de véritables significations esthétiques. Dès lors que l'on conçoit de rire en musique, levant cet interdit qu'évoque en préambule Denys Acker, plusieurs questions essentielles surgissent : de qui rit-on ? avec qui rit-on ? et pourquoi rit-on ? De Rameau aux "nègres debussystes", du jazz à la chanson puis aux expressions verbales de la révolte dans le rap, le rire prend des sens divers. Mais il faut attendre les explorations désinhibitrices de la musique contemporaine pour que le rire s'inscrive pleinement comme matière sonore et signe gestuel au sein même de la composition. Pour évoquer ces registres variés, les contributions des spécialistes alternent ici avec des interludes : variations cinématographiques, poésie et extraits du journal d'un compositeur.

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