Ce livre ne se veut pas une nouvelle étude sur le marché de l'art et ses montants. Il ne porte pas sur les collectionneurs ou mécènes : il n'est pas une histoire socio- économique de l'art. Il examine la façon dont les peintres, principalement mais non exclusivement, reflètent la relation que les hommes et les femmes ont à l'argent à chaque époque, en Occident. De la fin du Moyen Age jusqu'à nos jours, on sera en effet étonné du nombre de grands artistes qui se trouvent avoir abordé le thème : Giotto, Fra Angelico, Dürer, Cranach, Titien, Brueghel, Greco, Rembrandt, Hogarth, Greuze, Degas, Klimt, Dix, Beckmann, Grosz, Heartfield, et bien sûr nos contemporains : qu'il s'agisse de Warhol, Beuys, Hirst ; de ceux qu'on appelle les street artists (Blu ou Alec Monopoly) ; ou encore, de façon étrangement récente, d'artistes femmes : Höch avec un grand temps d'avance, ORLAN, Kruger, Friedmann ou Guerrilla Girls.

L'argent dans la peinture

Dans la Cantabrie du XVe siècle, un massacre antijuif s'annonce. Pour sauver ses deux fils, un couple les envoie sur les routes. Leurs chemins les conduisent à travers l'Europe de la Renaissance, en Afrique du Nord et jusqu'en Amérique. Ils croisent une esclave canarienne devenue la maîtresse puis l'épouse de son maître, un marchand siennois voyageant entre Blois, Séville et Londres, une demoiselle d'honneur aux moeurs assez libres, des ecclésiastiques peu recommandables, et une foule d'individus aussi singuliers qu'émouvants. L'un devient marin et cartographe, intime d'Amerigo Vespucci - le navigateur dont le nom fut donné au Nouveau Monde -, l'autre médecin de Luther - le réformateur et initiateur du protestantisme - en Allemagne. Au terme de cette fresque historique captivante, riche en péripéties et en passions, parviendront-ils à se rejoindre ?

L'étoile brisée

A la fin du Moyen Age, au début de la Renaissance, un système mental succède à un autre.
Le monde cesse d'être pensé de façon théorique. Il est examiné et commence à être compris par l'observation. Les peintres jouent un rôle fondamental dans cette mutation. A partir du XIVe siècle, Giotto, Ambrogio Lorenzetti, puis les Limbourg, Jan Van Eyck, enfin Dürer et Léonard de Vinci, se donnent pour objet d'imiter les choses qui les entourent. Ils n'évoquent plus l'Eau, l'Air, la Terre ou le Feu - éléments abstraits - mais ils distinguent la vague, le torrent, la goutte, le lac ; ils représentent les nuages, si divers, et les vents, rapides ou tranquilles ; ils montrent les boues, les rochers, la flamme dans la cheminée ou l'incendie qui ravage les maisons.
Les oeuvres que ces artistes peignent favorisent une prise de conscience : celle de la beauté du monde mais aussi de sa fragilité. Le sentiment de la nature naît peut-être à ce moment, de cette crise visuelle qui est une crise européenne. L'objet de ce livre est d'explorer les origines du genre du paysage ; il est aussi, et plus profondément, de chercher les racines de notre monde moderne, que hantent les questions d'environnement et la peur d'un changement où sombrerait la nature.

L'invention de la nature

Entre septembre et novembre 2014, Bettina Rheims, encouragée par Robert Badinter, photographie des femmes incarcérées au sein de quatre établissements pénitentiaires français. Cette série intitulée «Détenues» rassemble plus d'une soixantaine de portraits, reproduits dans cet ouvrage. Ce travail photographique s'inscrit pleinement dans le cadre des recherches que mène Bettina Rheims depuis plus de trente-cinq ans en explorant de multiples angles et territoires, en questionnant les conventions et les a priori pour interroger la construction et la représentation de la féminité. Après avoir photographié ses modèles, célèbres ou inconnues, dans des lieux fermés, souvent exigus, Bettina Rheims a souhaité aller à la rencontre de femmes contraintes à vivre dans ces lieux de privation de liberté pour essayer de comprendre leur quotidien, de quelle manière elles imaginaient leur féminité loin des leurs, dans des conditions matérielles
difficiles. Pour les séances de pose, chaque établissement a mis à disposition une pièce qui est devenue le temps du projet un studio improvisé. Chacune des modèles avec l'autorisation préalable de l'administration pénitentiaire et celle du juge d'application des peines, s'est présentée au studio. Pour se faire coiffer et maquiller si elle le désirait. Retrouvant ainsi un peu de cette estime de soi, bien souvent égarée dans ces lieux de détention où rien n'est fait pour elles. Le texte «Fragments» est une fiction construite à partir de souvenirs de ces rencontres. Le récit d'une attention davantage portée sur les émotions suscitées par ces femmes que sur des propos qui auraient été entendus.

Détenues

Autant qu'une invention, c'est une conquête, lente, désordonnée, puis décisive qui est racontée : la découverte et la représentation du corps dans les arts. Car, à chaque instant, à chaque époque, apparaissent toutes sortes d'enjeux du point de vue des codes sociaux ou hygiéniques, mais aussi du point de vue spirituel et philosophique.

L'invention du corps

Lire La Peinture:  Tome 1, Dans L'intimité Des Oeuvres

Si la vieillesse est aujourd'hui un âge qui dure, elle regroupe des expériences différentes. Ce qui amène à réfléchir aux vieillesses plutôt qu'à la vieillesse. Les travaux sur la ou les vieillesse(s) sont nombreux en médecine ou en sociologie, mais la réflexion sur le grand âge de l'artiste reste balbutiante. Qu'est-ce que l'âge fait à la création?? Celle-ci est-elle soumise à une continuité biographique comme le relatent les vies d'artiste?? Les créations ultimes sont-elles marquées par le déclin physique??
Ce volume tente de répondre à ces questions en croisant les disciplines et les champs, de l'histoire de l'art à la sociologie, de la neurologie à la psychanalyse, et en se donnant une ample périodisation, de la Renaissance à nos jours. L'ouvrage s'ouvre sur les modes critiques généraux d'appréhension des oeuvres tardives. Suit une analyse des conditions de la création et de ses difficultés chez un certain nombre d'artistes âgés. Des formes spécifiques de l'autoportrait (Rembrandt, Ingres, Dix), l'insistance sur les transformations du corps chez des artistes femmes (ORLAN, Cindy Sherman), la répétition ou le retour à des motifs antérieurs (Le Greco, Delacroix), ou encore des jeux avec la mort (Duchamp) illustrent la diversité des attitudes et des démarches. Complément à cette approche, la réception de ces oeuvres tardives est étudiée dans la qualification des «?errements?», qu'il s'agisse du tremblement de la main de Poussin ou de la «?peinture aux doigts?» du Titien et, tout simplement, de la qualité. Le volume s'ouvre, dans la dernière partie, à l'âge en scène et à l'écran.

L'art au risque de l'âge

Ce livre se revendique comme une synthèse. Il invite le lecteur à découvrir à la fois les grandes fonctions de l'art, mais aussi la diversité des formes possibles de la création et les corrélations qui peuvent les unir. Enrichir le regard : Un dispositif concerté permet des allers et retours entre le texte, les commentaires et les images, tout au long de l'ouvrage. Découvrant, sur des millénaires, les échanges et les redécouvertes, d'une civilisation à l'autre, d'un continent à l'autre, le lecteur apprendra à confronter, ne serait-ce que pour mieux les différencier, des productions d'époques ou de lieux qu'il n'aurait pas songé à rapprocher.

Histoire de l'art pour tous

A la fin du Moyen Age, au début de la Renaissance, un système mental succède à un autre. Le monde cesse d'être pensé de façon théorique. Il est examiné et commence à être compris par l'observation. Les peintres jouent un rôle fondamental dans cette mutation. A partir du XIVe siècle, Giotto, Ambrogio Lorenzetti, puis les Limbourg, Jan Van Eyck, enfin Dürer et Léonard de Vinci, se donnent pour objet d'imiter les choses qui les entourent. Ils n'évoquent plus l'Eau, l'Air, la Terre ou le Feu - éléments abstraits - mais ils distinguent la vague, le torrent, la goutte, le lac; ils représentent les nuages, si divers, et les vents, rapides ou tranquilles; ils montrent les boues, les rochers, la flamme dans la cheminée ou l'incendie qui ravage les maisons. Les oeuvres que ces artistes peignent favorisent une prise de conscience: celle de la beauté du monde mais aussi de sa fragilité. Le sentiment de la nature naît peut-être à ce moment, de cette crise visuelle qui est une crise européenne. L'objet de ce livre est d'explorer les origines du genre du paysage; il est aussi, et plus profondément, de chercher les racines de notre monde moderne, que hantent les questions d'environnement et la peur d'un changement où sombrait la nature.

Peindre un tableau c'est, souvent, raconter une histoire. C'est aussi, quelquefois, en raconter plusieurs. Doit-il représenter une Vierge ou une scène amoureuse ? L'artiste se laisse à l'occasion détourner par un détail : un motif qui l'enchante et auquel il consacre le meilleur de son talent. Ce motif peut être un accessoire : bouquet de fleurs, bijou, tapis à la géométrie compliquée, chat qui joue à faire ses griffes... Le peintre peut s'attarder sur une anecdote secondaire, se délecter à définir une forme particulière, la remplir de couleur et faire d'un simple détail le révélateur de toute l'intrigue. De plans en plans, de motifs symboliques en détails furtifs, des peintures que l'on croyait connues, ainsi vues, prennent une saveur inédite. Les redécouvrir, les connaître autrement: tel est l'objet de ce livre qui se promène dans une centaine des plus grands chefs-d'oeuvre du musée du Louvre.

Détails vus au Louvre

L'invention du corps : la représentation de l'homme du Moyen-Age à la fin du XIXe siècle

Invité en France par François Ier, Léonard de Vinci, âgé, malade, traverse les Alpes à l'automne 1516. Durant le voyage, la caisse contenant la Sainte Anne (aujourd'hui conservée au Louvre) est égarée. Le tableau, qui est une commande royale, doit absolument être retrouvé. Arrivé à Amboise, Léonard, qui n'a plus la force de peindre une telle ouvre, envoie un de ses disciples à sa recherche. En parallèle, il supervise une nouvelle version, réalisée de mémoire par un autre membre de son atelier, au cas où l'original serait définitivement perdu. Quelques mois après la mort de Léonard, une troisième version va apparaître.

Nadeije Laneyrie-Dagen est spécialiste de la Renaissance. Elle est l'auteur d'essais (L'invention du corps), de monographie (Rubens), d'ouvrages généraux (Lire la peinture, Histoire de l'art pour tous). Elle enseigne à l'École normale supérieure. Le dernier voyage de Léonard est sa première fiction.

Le dernier voyage de Léonard

Situé dans la continuité d'un premier volume (Lire la peinture: dans l'intimité des oeuvres)oeuvresconnu un large succès auprès des enseignants et des étudiants mais aussi des amateurs d'histoire de l'art, Lire la peinture: dans le secret des ateliers place le lecteur au coeur du quotidien des artistes et de la création, pour le faire accéder à une contemplation encore plus intime et à une meilleure compréhension des oeuvres.
Une gradation chronologique lui permet de visiter successivement l'atelier médiéval (celui de la création collective), d'entrer dans l'intimité des artistes de la Renaissance (premier moment d'une création solitaire), de partager les préoccupations, les aspirations des peintres au temps des académies, puis leurs révoltes au siècle, et enfin de traverser l'aventure toujours périlleuse des avant-gardes, durant le XXe siècle.
Ouvrage pédagogique essentiel pour tout visiteur d'exposition, tout étudiant ou amateur de beaux-arts, Lire la peinture: dans le secret des ateliers est abondamment illustré et émaillé d'anecdotes et de citations, qui offrent un panorama vivant et savoureux de l'histoire de l'art.

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