Quels liens l'art et la mort entretiennent-ils à la Renaissance ? Comment montrer la mort en peinture ? Quelles sont les oeuvres les plus exemplaires produites en Italie ? Afin d'apporter quelques éléments de réponse, l'auteur s'est appuyé sur la littérature artistique des XVe et XVIe siècles. Le rassemblement des textes a permis de dégager les enjeux théoriques de la figure de la mort, de détecter les types figuratifs prônés par les théoriciens, et de repérer les oeuvres les plus célébrées à la Renaissance. L'enquête débouche sur un constat surprenant : au trépas individuel réfléchi par la peinture s'oppose la Mort universelle dans les oeuvres éphémères et la gravure, comme si deux imaginaires entraient en concurrence.

L'art et la mort

Cet ouvrage est le premier essai monographique consacré, en français, à Domenico Beccafumi (1484-1551). Outre l'étude de la biographie de l'artiste, l'ensemble de l'œuvre (peinture, sculpture, pavement de la cathédrale de Sienne...) est évoqué. Au croisement de l'héritage plastique siennois et de l'art de la Renaissance classique incarné par Raphaël et Michel-Ange, sa peinture présente toutes les caractéristiques du maniérisme : déformation des figures, sinuosité, usage spectaculaire des couleurs... A travers une analyse stylistique et thématique de l'œuvre, ce livre met en avant ses spécificités et évoque ses bizarreries.

Domenico Beccafumi

Essai sur les figures de la mort omniprésente dans la peinture de la Renaissance italienne à travers les écrits sur l'art. Dans les biographies, les lettres, les traités, dont les auteurs sont souvent des artistes (Alberti, Vasari, Lomazzo..) mais aussi des lettrés (Doni, L'Arétin, Dolce...), l'auteur montre l'ambivalence que suscite la représentation du trépas. D'abord représentée de manière narrative tandis que parallèlement les approches symboliques ou allégoriques se raréfient, l'image de la mort se dédouble, comme si deux imaginaires entraient en concurrence. Une nouvelle lecture des pratiques artistiques du Cinquecento.

Quels liens l'art et la mort entretiennent-ils à la Renaissance ? Comment montrer la mort en peinture ? Quelles sont les oeuvres les plus exemplaires produites en Italie ? Afin d'apporter quelques éléments de réponse, l'auteur s'est appuyé sur la littérature artistique des XVe et XVIe siècles. Le rassemblement des textes a permis de dégager les enjeux théoriques de la figure de la mort, de détecter les types figuratifs prônés par les théoriciens , et de repérer les oeuvres les plus célébrées à la Renaissance. L'enquête débouche sur un constat surprenant : au trépas individuel réfléchi par la peinture s'oppose la Mort universelle dans les oeuvres éphémères et la gravure, comme si deux imaginaires entraient en concurrence.

L'art et la mort : réflexions sur les pouvoirs de la peinture à la renaissance

cet essai se propose d'explorer une question fondamentale : qu'est-ce qu'un portrait? afin d'apporter des éléments de réponse, l'auteur a écarté tout corpus limité dans le temps et dans l'espace au profit de problématiques.
 cinq axes de recherche ont été retenus : portrait et invention des arts visuels, portrait et figure, portrait et corps, réception du portrait, portrait et mort.  l'enquête - fondée sur des oeuvres appartenant à l'histoire de la peinture européenne du xve au xxe siècle - débouche sur le rôle exceptionnel dévolu au portrait en temps qu'origine de la peinture, et ouvre de nouvelles voies d'investigation concernant l'identité, la ressemblance, la condition humaine, et les propriétés du portrait.

Qu'est-ce qu'un portrait ?

« Ce sont vos écrits qui m'ont donné envie d'apprendre cette langue ». La langue est l'italien, les écrits sont la première édition des Vite de Vasari et l'auteur de cette lettre est un Flamand, Lambert Lombard, artiste et lettré renommé. La diffusion européenne des Vite fut immédiate, mais leur réception ne fut pas toujours aussi élogieuse. Les deux éditions du texte (1550 et 1568) déclenchèrent des réactions en tous genres, car elles suscitèrent des discours ekphrastiques, théoriques, historiographiques et critiques sur les arts figuratifs en Europe qui n'ont rien perdu de leur actualité. Les contributions rassemblées ici mettent en évidence la variété et la dynamique de la réception, entre les XVIe et XVIIIe siècles, de cette oeuvre hybride, source d'imitations, d'adaptations, de plagiat, de traductions et, bien sûr, d'inspiration. On reçut encore les Vite comme une oeuvre à la gloire de Florence, un recueil d'histoires romanesques et même la matrice d'un nouveau vocabulaire artistique. Le lecteur découvrira tout au long des chapitres les voies empruntées par ceux qui contribuèrent à construire l'histoire des arts européens en référence à ce monument fondateur.

Livres