Née au Canada de parents américains, mais vivant en France depuis son plus jeune âge, Kristin McKirdy s'est abreuvée aux sources des différentes cultures auxquelles elle s'est trouvée confrontée. Elle a suivi des études d'histoire de l'art à Paris et de beaux-arts à l'université de Californie, Los Angeles (UCLA). Sa vocation de céramiste fut pour elle le moyen de réaliser une synthèse libre et enrichissante d'influences parfois antagonistes. Son itinéraire professionnel se vit comme une suite de défis et de questionnements. La connaissance approfondie de l'histoire de sa discipline et la parfaite maîtrise de ses savoir-faire conditionnent à ses yeux l'épanouissement d'une production originale et puissante. Tout en demeurant convaincue que son art devait rester ancré dans ces traditions, elle a appris des artistes céramistes, notamment Adrian Saxe et Kenneth Price, que le temps était venu pour la céramique de s'affranchir de son enfermement dans le monde des arts décoratifs pour s'inscrire dans la grande nébuleuse des arts plastiques. Etrangère au débat d'arrière-garde qui agite la scène européenne, elle bâtit sa carrière avec une foi et un détachement absolu de qualité indispensable pour transformer toute inquiétude existentielle ou métaphysique en un terreau fertile, aux origines de toute création. Forte et fragile, Kristin McKirdy livre une oeuvre savante et spontanée, rigoureuse et sensible. Jouant avec virtuosité des archétypes universels (vases, coupes, bols, amphores) qui peuplent sa discipline, elle fait naître de ses mains des pièces dont le biomorphisme mesuré est vecteur de sens et d'émotion.

Kristin McKirdy

Artiste d'origine française, Nicola L. vit depuis les années 1960 entre Paris et New York, où elle s'installe en 1979. Elle trouve dans cette ville à l'avant-garde des mouvements artistiques une atmosphère en accord avec son travail : Pénétrables et performances des années 60, Manteau rouge de Mai 68, corps démembrés nés de sa révolte contre la guerre du Vietnam, qui aboutiront aux sculptures-objets en vinyle, bois ou Plexiglas. Joyeusement colorée, utilisant des matériaux nouveaux et des formes inédites, l'oeuvre de Nicola L. est aujourd'hui une invitation, presque humaniste, à vivre autrement, dans un monde poétique qui dénonce les pratiques sociales par trop sclérosées de notre quotidien. Désormais tout devient affaire de rencontres, de compagnons de route, d'engagements de toutes sortes, avec en toile de fond une générosité, qui fait du nomadisme l'étendard d'un mode futur où liberté rime avec fantaisie. Exposées dans le monde entier, ses oeuvres ont été présentées en France dans les années 60 et 70 à la galerie Templon et à la galerie Germain.

Nicola L.

Le renouveau des arts décoratifs dans la France d'après-guerre est d'une extrême diversité, du style 40 qui perdure à travers les commandes officielles au meuble classique ou néoclassique dont le succès est sans précédent. La modernité, elle, reste un combat à mener après l'échec de l'Union des artistes modernes (UAM) qui, trop rigoriste, n'a su convaincre ni les industriels, ni le public. Ce défi est relevé par la jeune génération des décorateurs présentés dans cet ouvrage. Leur approche n'obéit pas aux règles strictes d'une esthétique préétablie, comme le préconisaient les machines à penser leur temps que furent, avant-guerre, la Cranbrook Academy aux États-Unis, le Bauhaus et l'école d'Ulm en Allemagne ou l'UAM en France. Elle répond aux besoins et aux aspirations d'un pays en pleine reconstruction, avec l'extraordinaire vitalité qui caractérise l'époque. Après une introduction qui met l'accent sur l'alliance d'éthique et d'esthétique, de fantaisie et de rigueur, de cette création française foisonnante et singulière, en marge du design naissant, ce livre s'organise en quatre parties, chacune précédée d'une introduction qui en définit le contexte historique. En premier lieu viennent les grands décorateurs, les maîtres de l'entre-deux-guerres, comme Adnet, Arbus ou Old, et les représentants d'un style 50 en liberté, ludiques et affranchis de tout discours en " isme ", que furent Matégot, Royère ou Raphaël. Puis, les grandes figures de la Reconstruction - Gascoin, Hitier, Renou ou Sognot - qui ont transmis à la génération suivante le sens d'une modernité exigeante et puriste, parfois d'un étonnant avant-gardisme. Leurs fils spirituels, dont beaucoup demeurent ignorés des historiens du design et qui avaient à peine vingt ans au début des années 50, se nomment Gautier-Delaye, Guariche, Motte, Paulin, Richard ou Philippon et Lecoq. Plus proches des designers étrangers, rêvant d'un art international au service de tous, ils sont les premiers à avoir réussi une véritable collaboration avec les industriels. Outre ces trente-deux monographies biographiques
et stylistiques, l'auteur Patrick Favardin analyse la mise en place de structures, totalement nouvelles pour la France, d'édition, de promotion et de diffusion, avec des fabricants comme Airborne, Les Huchers-Minvielle ou Steiner, des galeries comme celle de Steph Simon et la galerie MAI, les ateliers des grands magasins, les revues de décoration et les Salons des arts ménagers. Autant d'acteurs qui ont apporté avec passion leur réflexion et leur soutien, technique aussi bien que financier, à ce qui fut une aventure sans précédent.

Les Decorateurs Des Annees 50

Le renouveau des arts décoratifs dans la France d'après guerre est d'une extrême diversité, du style 40 qui perdure à travers les commandes officielles au meuble classique ou néoclassique dont le succès est sans précédent. La modernité, elle, reste un combat à mener après l'échec de l'Union des artistes modernes (UAM) qui, trop rigoriste, n'a su convaincre ni les industriels ni le public. Ce défi est relevé par la jeune génération des décorateurs présentés dans cet ouvrage. Leur approche n'obéit pas aux règles strictes d'une esthétique préétablie, comme le préconisaient les machines à penser leur temps que furent, avant guerre, la Cranbrook Academy aux Etats-Unis, le Bauhaus et l'école d'Ulm en Allemagne ou l'UAM en France. Elle répond aux besoins et aux aspirations d'un pays en pleine reconstruction, avec l'extraordinaire vitalité qui caractérise l'époque. Après une introduction qui met l'accent sur l'alliance d'éthique et d'esthétique, de fantaisie et de rigueur, de cette création française foisonnante et singulière, en marge du design naissant, ce livre s'organise en quatre parties, chacune précédée d'une introduction qui en définit le contexte historique. En premier lieu viennent les grands décorateurs, les maîtres de l'entre-deux-guerres, comme Adnet, Arbus ou Old, et les représentants d'un style 50 en liberté, ludiques et affranchis de tout discours en "isme", que furent Matégot, Royère ou Raphaël. Puis, les grandes figures de la reconstruction - Gascoin, Hitier, Renou ou Sognot - qui ont transmis à la génération suivante le sens d'une modernité exigeante et puriste, parfois d'un étonnant avant-gardisme. Leurs fils spirituels, dont beaucoup demeurent ignorés des historiens du design et qui avaient à peine vingt ans au début des années 50, se nomment Gautier-Delaye, Guariche, Motte, Paulin, Richard ou Philippon et Lecoq. Plus proches des designers étrangers, rêvant d'un art international au service de tous, ils sont les premiers à avoir réussi une véritable collaboration avec les industriels. Outre ces trente-trois monographies biographiques et stylistiques, l'auteur Patrick Favardin analyse la mise en place de structures, totalement nouvelles pour la France, d'édition, de promotion et de diffusion, avec des fabricants comme Airborne, Les Huchers-Minvielle ou Steiner, des galeries comme celle de Steph Simon et la galerie MAI, les ateliers des grands magasins, les revues de décoration et les Salons des arts ménagers et des artistes décorateurs. Autant d'acteurs qui ont apporté avec passion leur réflexion et leur soutien, technique aussi bien que financier, à ce qui fut une aventure sans précédent.

Les décorateurs des années 50

Décorateurs des années 50 (Les)

Né en 1925, Jean Derval intègre l'École des arts appliqués à l'industrie en 1938. Particulièrement doué pour le dessin, il se forme au métier de graphiste, et c'est comme affichiste qu'il entame sa vie professionnelle. Mais les difficultés de l'époque et sa curiosité naturelle le poussent à diversifier son champ d'activité. Engagé par la société Christofle, il réalise des décors d'orfèvrerie mais aussi une ligne de céramiques d'usage devant être réalisées à Saint-Amand-en-Puisaye. Cette dernière expérience débouche sur une véritable passion. Dans ce sanctuaire du grès, magnifié par Carriès et son école à l'aube du XXe siècle, il découvre un univers qui le satisfait pleinement, par sa technique et ses vastes possibilités artistiques. Plus encore, la céramique laisse le créateur complètement libre de ses choix, dans une immédiateté quasi magique de réalisation.
En 1947, Jean Derval rejoint à Vallauris ses camarades d'école Robert Picault et Roger Capron, qui ont fondé l'atelier Callis. Après une collaboration difficile, il rejoint deux ans plus tard le célèbre atelier Madoura, animé par Suzanne Ramié et alors dominé par la figure magistrale de Picasso. En 1951, il fonde son propre établissement, l'atelier du Portail. Il développe là un art subtil, d'une grande virtuosité technique et artistique, voué à la pièce unique, qu'il s'agisse de céramique utilitaire, de décoration intérieure ou d'ornementation d'architecture.
Ce savoir-faire fascine Roger Capron, qui l'emploie entre 1967 et 1973 dans sa manufacture. Mais Jean Derval reprend sa liberté pour parachever une oeuvre magistrale, qui en fait l'un des meilleurs céramistes de sa génération.

Jean Derval, céramiste et sculpteur

L'oeuvre des frères Cloutier occupe une place singulière dans la céramique française de la seconde moitié du xxe siècle. Tout à la fois fascinante et déroutante, la production des jumeaux, s'appuyant sur une grande maîtrise des savoir-faire, acquise notamment chez Pol Chambost ou Georges Jouve, mêle depuis l'ouverture de leur atelier en 1955 nécessité intérieure, impertinence et humour. Tout en s'inscrivant dans le renouveau de la céramique française, Jean et Robert nous emmènent dans leur terre d'élection, un univers onirique en perpétuel mouvement qu'ils vont explorer tout au cours de leur oeuvre, se jouant des modes et des diktats.

Cloutier les Freres

Abraham & Rol

Les années 60 et 70 sont indissociables clans l'histoire de la décoration et du mobilier. Elles marquent un tournant radical clans un monde jusqu'alors confiné à des expressions nationales et élitistes. Tout éclate au début des années 60. La mode est a la fois d'inspiration anglo-saxonne, scandinave, italienne et française. Les genres se mélangent dans un désir effréné de vivre en symbiose avec son temps. Les progrès de la technologie accréditent la conviction d'une liberté conquérante de l'individu et suscitent des désirs inédits d'une nouvelle manière d'habiter, fût-ce clans des cellules de science-fiction. Les formes s'arrondissent, les sièges deviennent des tapis-sculptures qui permettent de se lover clans des univers chaleureux, ludiques et anticonformistes. Les couleurs et les ni )tifs décoratifs épousent l'éclat et les délires du Pop' Art et du psychédélisme. L'espace d'habitation se transforme en rêve éveillé
où se mêlent un mobilier luxueux dans des matériaux inédits et des objets surprenants de toutes origines, associés, fait nouveau, à des meubles anciens. La fin des années 70 marque l'avènement d'une époque où la beauté et l'élégance classique cèdent le pas à une multitude d'expressions qui échappent à tout classement et à toute hiérarchie. L'heure du post-modernisme a sonné. Composé d'une longue introduction qui en donne une vision synoptique et de trente-deux monographies qui décrivent ses multiples visages, ce livre rend intelligible une période exceptionnellement créative et révèle à travers une abondante iconographie, souvent inédite, sa formidable richesse esthétique.

Les décorateurs des années 60-70

Le Dandysme

De Mathieu Matégot, qui fut l'un des designers les plus connus des années 50, le public ne connaît généralement que quelques meubles emblématiques, fruit de son travail sur la tôle perforée ou le rotin : la chaise Nagasaki, le porte-revue Javaou encore le fauteuil Férotin... Cet artiste d'origine hongroise, créateur, entrepreneur et décorateur, a pourtant fait preuve d'une grande productivité pendant près de quarante ans, jouant avec la matière, la forme et la couleur aussi bien dans ses créations de meubles, de 1945 à 1959, que dans l'art de la tapisserie, auquel il commence à s'intéresser dès 1939 et qu'il exercera jusque dans les années 80. Mathieu Matégot est peut être d'abord l'inventeur d'un véritable langage, dont les deux supports sont le Rigitulle, une tôle perforée qu'il a brevetée et qui lui permet de déployer, par un système de plis, son métal perforé dans l'espace, ainsi que le "férotin", alliance équilibrée de métal et de rotin. C'est aussi un promoteur efficace de ses créations, qui développe sa propre société afin de maîtriser sa production, fait diffu-ser ses meubles à l'étranger, notamment au Royaume-Uni et aux Pays-Bas, et participe régulièrement, durant les années 50, aux plus grands Salons, tels que le Salon des arts ménagers ou le Salon des artistes décorateurs. Très sollicité, il est amené à répondre à de nombreuses commandes, publiques ou privées : le restaurant végétarien La Saladière, à Paris, une partie du Drugstore des Champs-Elysées, deux foyers bars à la Maison de la radio, un aérodrome à Casablanca, mais aussi de nombreuses tapisseries pour Air France, le consulat de France à New York, et enfin une tapisserie de 85 m2 , à l'époque la plus grande du monde, pour le conseil général de Seine-Maritime. Cet ouvrage écrit par Patrick Favardin, spécialiste des arts décoratifs de la seconde moitié du XX e siècle, revient sur l'en-semble du parcours de Matégot, de sa découverte du métal perforé, pendant la Seconde Guerre mondiale, à ses dernières tapisseries des années 80. Grâce à de nombreux documents d'époque provenant notamment des archives familiales, il aide à mieux comprendre la genèse de ses créations, mais aussi à découvrir comment l'artiste contrôlait avec finesse la production et la diffusion de ses oeuvres en organisant ses prises de vue, en éditant ses brochures... Il permet avant tout de redécouvrir une oeuvre riche et variée, qui fait indéniablement de Mathieu Matégot l'un des plus grands créateurs de la période des Trente Glorieuses.

Mathieu Matégot - Du design à la tapisserie

Dans l'histoire de la décoration et du mobilier, les années 60 et 70 sont indissociables. Elles marquent un tournant radical dans un monde jusqu'alors confiné à des expressions nationales et élitistes. Tout éclate au début des années 60. La mode est à la fois d'inspiration anglo-saxonne, scandinave, italienne et française. Les genres se mélangent dans un désir effréné de vivre en symbiose avec leur temps. Les progrès de la technologie accréditent la conviction d'une liberté conquérante de l'individu et suscitent des désirs inédits d'une nouvelle manière d'habiter, fût-ce dans des cellules de science-fiction. Les formes s'arrondissent, les sièges deviennent des tapis-sculptures qui permettent de se lover dans des univers chaleureux, ludiques et anticonformistes. Les couleurs et les motifs décoratifs épousent l'éclat et les délires du Pop' Art et du psychédélisme. L'espace d'habitation se transforme en rêve éveillé où se mêlent un mobilier luxueux dans des matériaux inédits et des objets surprenants de toutes origines, associés, fait nouveau, à des meubles anciens. La fin des années 70 marque l'avènement d'une époque où la beauté et l'élégance classique cèdent le pas à une multitude d'expressions qui échappent à tout classement et à toute hiérarchie. L'heure du post-modernisme a sonné. Composé d'une longue introduction, qui en donne une vision synoptique, et de trente-cinq monographies, qui décrivent ses multiples visages, ce livre rend intelligible une période exceptionnellement créative et révèle à travers une abondante iconographie, souvent inédite, sa formidable richesse esthétique.

Steigner et l'aventure du Design

4e ouvrage thématique de la collection Décorateurs présentant près de 40 décorateurs des années 80, précédés d'une longue introduction de Patrick Favardin.

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