Cette enquête interdisciplinaire rassemble des historiens de l'art, des historiens des religions, des spécialistes d'esthétique et des artistes autour du thème de la Sainte Face afin d'en examiner la postérité, les réemplois et influences sur le visage du Christ et plus largement la quête du visage de Dieu dans l'art contemporain. Alors que pour les périodes médiévale et moderne de nombreuses publications se sont penchées sur cette image paradoxale, enjeu essentiel pour l'histoire de la représentation dans la culture occidentale par la capacité de son impression "surnaturelle" à porter la trace de l'irreprésentable, aucune étude d'ensemble ne s'y est attachée pour la période contemporaine. Cerner, au cours du XIXe siècle, les variations de statut de cette représentation entre héritage et recréation conduit à la concurrence des photographies du Suaire de Turin. Les premières décennies du XXe siècle voient ressurgir ce motif chez des artistes tels que Jawlensky, Rouault, Matisse, Manessier... dont les grandes oeuvres doivent être replacées dans une perspective d'ensemble. La multiplication picturale de la figure christique jusque dans les dernières décennies invite à ouvrir la perspective du visage de Dieu jusqu'à l'autoportrait en Christ, de la peinture ou des "surpeintures" de Rainer à l'art vidéo ou au cinéma en passant par d'innombrables variations photographiques qui ne cessent d'interroger l'énigme de la Sainte Face.

Sainte Face, visage de Dieu, visage de l'homme dans l'art contemporain (XIXe-XXIe siècle)

L'oeuvre de Chauvin est caractérisée par ses formes hautement stylisées et épurées en bronze, en bois et en plâtre, tantôt abstraites, tantôt figuratives. Elle s'articule autour de thèmes tels que l'animalité et la sexualité humaines, la nature, la sensualité, l'architecture, la technologie et le futurisme. Parmi ces contemporains, citons Constantin Brancusi, Jean Arp et Ossip Zadking, auprès de qui il a exposé dans les années 50. En 1962, il a représenté la France lors de la Biennale de Venise. Tout au long de sa carrière artistique, Jean Chauvin a photographié de manière obsessionnelle ses sculptures, en conférant à ces images une certaine autonomie. Il a misé sur l'esthétique documentaire, par laquelle tous les facteurs pouvant témoigner de sa personnalité tendent à disparaître dans l'optique de mettre en évidence la sculpture elle-même, dénuée des circonstances ou du contexte. En vue de magnifier avec délicatesse le contraste de lumière et d'ombre, de couleur et de matériau, les oeuvres sont posées sur un support d'arrière-plan noir ou blanc en dur, au sein d'un environnement hautement éclairé. Un subtil mélange d'ombre et de lumière révèle les détails gracieux de la surface et les changements de plan. L'Ombre atomique a été publié à l'occasion de l'exposition qui s'est tenue à la maison moderniste de l'Atelier Jespers à Bruxelles en 2021, avec Tim Onderbeke pour curateur. Cet ouvrage présente une sélection de photographies exposées, des visuels de l'exposition et un fragment de texte de Paul-Louis Rinuy issu du catalogue raisonné de Chauvin.

Jean Chauvin : L'ombre atomique

Aujourd'hui, la sculpture est devenue un art du rythme et du mouvement qui entretient de multiples liens avec le monde sonore. Ces rencontres entre l'espace, le mouvement et le son créent des interactions fécondes, que cet ouvrage se propose d'explorer de manière suggestive. Loin de chercher à construire une histoire univoque et linéaire de la sculpture contemporaine, il s'agit de présenter des histoires de sculptures, dont le pluriel signifie la foisonnante diversité. Conçu en réponse au programme limitatif de la classe de terminale de la série littéraire artistique « arts plastiques », ce dossier mêle des réflexions synthétiques à l'analyse esthétique et historique d'oeuvres clés de la période. De Marcel Duchamp à Christian Boltanski, d'Antoine Pevsner à Jean Tinguely ou Richard Serra, d'Alexander Calder à Xavier Veilhan, les formes précises des interactions entre le son, l'espace et le mouvement ont été, depuis les années 1950, extrêmement riches et inventives. Les créations plastiques ici rassemblées sont l'occasion de présenter quelques pistes de réflexion dans ce champ d'étude complexe, qui a ouvert à l'homme contemporain des perceptions nouvelles de l'univers et de son propre corps.

Espace, mouvement et son dans la sculpture de la seconde moitie du xxe

Depuis plus de quatre décennies, Eugène Dodeigne, né en 1923, s'est imposé comme un des plus grands sculpteurs français vivants, l'inventeur d'une œuvre originale aux lisières de l'abstraction et de la figuration. Taillant directement les matériaux les plus durs ou réalisant lui-même ses bronzes, il a créé une œuvre exigeante, qui renoue avec l'énergie des arts préhistoriques tout en étant résolument moderne. Après Brancusi et Giacometti, Dodeigne a su inventer un langage sculptural nouveau, à la fois intime et monumental. Ce livre, la première monographie à lui être consacrée, permet de mesurer l'ampleur et la logique d'une évolution qui couvre toute la deuxième moitié du XXe siècle. Il retrace la carrière de l'artiste, présente des œuvres majeures - dispersées en Europe -, les analyse dans le contexte de l'évolution de la sculpture et de la peinture contemporaines.

Dodeigne

Des archives aux formes multiples, conservées dans des institutions également multiples, gardent trace d'oeuvres plastiques et chorégraphiques ou de performance, qu'on ne connaît plus qu'à travers ces documents. Ce livre présente, en une série de cas concrets analysés et illustrés (50 illustrations), les modalités qu'ont aujourd'hui les artistes de se saisir de ces traces, apparemment mortes, pour (les interpréter et) en faire des créations nouvelles.

Archives en acte - Arts plastiques, danse, performance

Cet ouvrage propose un parcours à travers l'immense patrimoine religieux bâti en France de 1905 à aujourd'hui. Plus de 60 édifices remarquables sont ici présentés, toutes confessions confondues : les cathédrales côtoyant mosquées, synagogues, pagodes, temples bouddhistes ou protestants... Les plus célèbres architectes - Hector Guimard, Auguste Perret, Marcel Lods, Le Corbusier, Pier Luigi Nervi, Claude Parent, Marcel Breuer, Tadao Ando, Mario Botta - se sont investis dans l'édification de ce patrimoine. C'est aussi l'occasion de redécouvrir le travail des nombreux artistes qui y furent associés : Alexandre Bigot, Pierre Bonnard, Henri Matisse, Fernand Léger, Jean Lurçat, Marc Chagall, Raymond Subes, etc. L'ouvrage propose une approche chronologique depuis 1905, année de la loi instituant la séparation des Eglises et de l'Etat, jusqu'en 2012. Un reportage photographique exclusif restitue dans toute leur splendeur des bâtiments magnifiques et parfois méconnus. Chaque monument fait l'objet d'une courte étude. En fin d'ouvrage, un répertoire présente l'intégralité des lieux de culte des XXe et XXIe siècles qui ont fait l'objet d'une mesure de protection (classement, inscription, label).

Patrimoine sacré XXe-XXIe siècle - Les lieux de culte en France depuis 1905

Né dans une famille de tailleurs de pierre de la région belge de Soignies, Eugène Dodeigne apprend le métier dès l'âge de treize ans auprès de son père marbrier. De précoces dispositions le conduisent à l'école des Beaux-Arts de Tourcoing puis à celle de Paris. A la fin des années 1960, sa notoriété devient internationale : Belgique, Pays-Bas ou Allemagne accueillent ses sculptures, comme bientôt de nombreux lieux publics et parcs de musées à travers le monde.
Ses pierres de Soignies parviennent à une grandeur monumentale dans des formes arrachées à la matière et qui disent l'Homme et la condition humaine. Déplaçant dans une modernité flagrante et singulière la leçon de Rodin et la silhouette inspirante de l'Homme qui marche, Eugène Dodeigne apparaît avec ses outils, sa vigueur, sa volonté farouche et son humanisme, comme un véritable emblème de la sculpture de notre temps, définitivement comme l'Homme qui sculpte.

Eugène Dodeigne (1923-2015) : une rétrospective

Au tournant de deux siècles, et à l'heure des bilans, L'art du XXe siècle étudie l'art de la première moitié de ce siècle, de l'Exposition Universelle de 1900 à la déclaration de guerre de 1939. C'est dans ces années 1900 que l'art occidental bascule : le symbolisme et l'Art nouveau s'effacent, Gauguin et Cézanne meurent, laissant la place à une nouvelle génération qui donne naissance au primitivisme, au fauvisme, au cubisme ou à l'abstraction. La Grande Guerre bouleverse ces données, signant la mort de l'homme et la mort de l'art. Au moment où le krach de 1929 met à bas l'économie mondiale, apparaît la modernité, entre nostalgie et utopie. A travers une forte internationalisation, les avant-gardes se développent jusqu'à l'abîme de 1939, sous l'oeil des totalitarismes naissants. La conception originale de ce livre rend compte des bouillonnements artistiques de notre siècle, dans toute leur diversité. Après une lecture trop strictement moderniste dans les années 70, les chercheurs ont désormais une vue plus large et plus ouverte sur la création, en dehors des modes et des courants : les avant-gardes sont réévaluées et des mouvements essentiels reprennent leur place au sein de l'histoire de l'art. Selon un déroulement chronologique, chaque auteur traite d'une période, dont tous les arts sont étudiés de front. Ainsi, leurs textes donnent de manière claire tous les éléments que l'amateur se doit de connaître sur la naissance de l'art contemporain.

L'art du XXe siècle - 1900-1939

Le corps et la sculpture entretiennent depuis 1945 des rapports complexes et contradictoires qui se cristallisent dans des créations plastiques majeures. Pour en apprécier le sens et la valeur, il serait aussi vain d'en dresser un inventaire complet que de tenter d'en écrire une histoire linéaire. Ce sont ici des fragments « d'histoire(s) de la sculpture » qui sont offerts au lecteur, si l'on ose reprendre le concept d'« Histoire(s) du cinéma » de Jean-Luc Godard, fragments reliés par un thème commun et par la vocation pédagogique de l'ouvrage. La priorité de ce dossier est en effet d'aider les professeurs à traiter les questions artistiques que génère la présence de « traces », de « moulages » et d'« empreintes du corps dans la sculpture de la seconde moitié du XXe siècle », conformément aux programmes limitatifs du baccalauréat des séries L « arts plastiques ». Mais au-delà, il vise aussi à donner à tout lecteur curieux de l'art de son temps une idée précise sur une des inclinations récurrentes de la sculpture contemporaine qui, à l'instar des autres catégories des beaux-arts, ne se suffit plus de ses stricts contours. De par son regard historique autant qu'esthétique, cet essai de Paul-Louis Rinuy, professeur d'histoire de l'art contemporain à l'université de Nantes, nous convie non seulement à mettre la sculpture actuelle en résonance avec un passé toujours prégnant mais encore à la considérer comme la possible cause d'un lointain aperçu au vif du présent. Invitation stimulée par un choix d'oeuvres qui en révèle les aspects les plus étonnants et parfois les moins consentis. Il s'agit de mieux connaître et comprendre l'art d'aujourd'hui grâce à un regard renouvelé sur un XXe siècle divers et foisonnant, où se côtoient et s'opposent, entre autres, Brancusi, Duchamp et Giacometti, Duane Hanson, John De Andrea et Raymond Mason, ou, tout récemment, Guiseppe Penone, Georges Jeanclos, Pascal Convert, Antony Gormley, Mark Wallinger ou Baselitz.

Corps et Sculpture - Traces, moulages et empreintes du corps dans la sculpture de la seconde moitié du XXe siècle

Cet ouvrage collectif s'inscrit dans une historiographie abondante sur l'atelier comme lieu matériel et immatériel de la transmission des savoirs artistiques. Il se compose d'une vingtaine d'essais dont l'originalité réside dans la diversité des approches et dans la multiplicité des définitions qu'ils donnent de l'atelier. L'ouverture, les seize études, les trois entretiens et le témoignage d'artiste donnent ainsi à comprendre tout autant les pratiques d'atelier : à savoir les recettes et les secrets, qu'ils rendent compte de l'évolution des structures didactiques de l'enseignement artistique et de la diversité des modèles et des outils de transmission des savoirs spécifiques aux arts. En interrogeant l'atelier en tant que lieu d'apprentissage où les techniques s'apprennent et les coutumes se perpétuent, tout autant qu'en étudiant les revues, les manuels où la transmission des savoirs s'effectue par le biais des discours, des images et des réflexions théoriques, les contributions au présent ouvrage renouvellent les questions du "devenir artiste de la fin du XIVe siècle à nos jours. Ainsi, ces études permettent de prendre conscience de la variété des expériences de sociabilité singulières et marquantes qui ont jalonné la création artistique au cours de cette période, et de se faire une idée de ce que transmettre, puis communiquer un savoir, peut avoir signifié et signifie encore de nos jours.

Art et transmission - L'atelier du XIXe au XXIe siècle

Dans un langage très clair, ce livre court propose une histoire et une analyse des bouleversements de la sculpture contemporaine de 1945  à nos jours, de Brancusi et Giacometti à Jeff Koons en passant par Christo, Tinguely et Robert Smithson.

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