L'art religieux français a su s'amuser, depuis le Moyen Age, des effronteries du corps mis à nu. Et la Bretagne n'est pas en reste. Son répertoire artistique fourmille d'êtres curieux qui se poursuivent, se saisissent, se culbutent, rient de leurs facéties dans d'impudiques exhibitions de leurs membres intimes. Des images qui, pour autant qu'elles appartiennent au répertoire de l'art sacré - car elles sont bien dans des lieux saints semblent s'en distinguer par leur expression coquine et provocante. Ce livre propose un voyage inédit, une découverte de ce corps railleur et fécond tel que sculpteurs, peintres et verriers des temps anciens ont souhaité le montrer, et tel qu'il a souvent été caché. Des nudités primitives aux portraits irrévérencieux, des sages baisers aux paillardises coupables... autant de corps qui s'amusent de leurs jeux ancestraux, et de nos regards modernes, ébahis par cette liberté.

Impudeurs & effronteries dans l'art religieux breton (XVe-XVIIIe siècles)

Jacques Bosia (1788-1842), artiste originaire du Tessin suisse, fait partie de la cohorte des peintres arrivés en France à l'aube du XIXe siècle et que la littérature a désignés péjorativement par l'expression " barbouilleurs d'églises ". S'il faut bien admettre que ces derniers se singularisaient par l'art du " peindre vite " et une maîtrise du trait loin d'égaler celle des grands maîtres, il faut leur reconnaître un talent pour le décor et la théâtralisation, servis par une palette de coloris soutenus. En Haut-Languedoc, Bosia et d'autres ont ainsi joué un rôle essentiel dans la réintroduction de la couleur dans les églises, inspirés par les fresques de la cathédrale Sainte-Cécile d'Albi. Le périple de l'artiste l'a conduit dans les paroisses austères et reculées du Nord-Carmausin (Montirat et Lagarde-Viaur dans le Tarn) où il a laissé des témoignages surprenants. D'Italie, il a ramené sa culture des expressions et des compositions, son goût pour le coloris et l'ornementation. Cette oeuvre, pour le moins originale, ne peut laisser indifférent tant elle constitue un art vivant. Ce beau livre a une triple vocation : il veut rendre hommage à un peintre oublié, réhabiliter le travail des " barbouilleurs " et valoriser un patrimoine dont l'état préoccupant laisse présager la disparition prochaine.

L'art de Jacques Bosia - "Barbouilleur" italien dans le Midi (1788-1842)

Les disciplines historiques ont porté un éclairage décisif sur la diversité du clergé séculier et sur sa place dans la société française d'Ancien Régime ; analysée à travers les prismes de la culture matérielle, de l'histoire sociale et politique ou de l'anthropologie religieuse, la figure du prêtre de campagne est aujourd'hui mieux cernée. Sans être totalement négligées, les recherches sur l'implication du bas clergé dans la commande artistique des temps modernes attendent cependant des approfondissements, dont cet ouvrage livre tes premières réflexions. Les prêtres étaient probablement les premiers concernés par le décor de leurs églises mais quelle était précisément la nature de leurs « participations » ? Quelques interrogations ont déjà leurs réponses : textes et documents livrent des preuves de leur immixtion dans la commande, allant de la mise en oeuvre des adjudications au choix des artistes ou des ateliers, à la gestion des coûts, la sélection des matériaux, etc. Et si nous pouvons saisir la manière dont les hommes d'église s'immisçaient dans la création, l'examen des portraits qu'ils ont laissés documente conjointement la perception de leur propre condition : des guides de cortèges processionnels aux faiseurs de miracles, des célébrants d'autels aux « notables » en soutanes, ces représentations sont autant d'indices qui éclairent la vie et la culture des dites paroissiales qu'ils constituaient.

Pasteurs des âmes, Passeurs des Arts

Les manifestations matérielles d'une fascination séculaire pour les formes, les images et les objets minuscules sont nombreuses : des statuettes tanagréennes aux gravures en petit de Stefano della Bella, des microarchitectures sculptées des édifices gothiques aux objets de vertu de la bonne société du XVIIIe siècle, des créatures lilliputiennes de la littérature enfantine aux automates scientifiques que généralise le siècle industriel, etc. Mais rares sont les sources historiques qui permettent d'en comprendre les fondements culturels. Alors que les écrits considèrent habituellement le "petit" dans son rapport hiérarchique avec le "grand", l'étude des consommations des oeuvres de taille infime atteste un ensemble de qualités pratiques, symboliques et artistiques (maniabilité, mobilité, économie, pauvreté, préciosité, minutie, joliesse, étrangeté, etc.), qui dessinent les contours d'une catégorie conceptuelle et esthétique à part entière. Tantôt réduction d'échelle d'un modèle de plus grandes dimensions, tantôt création autonome régie par des critères spécifiques, la miniaturisation s'appuie sur un ensemble de justifications, d'usages et d'appréciations que le présent ouvrage éclaire à la lumière d'oeuvres et de textes originaux. Issu d'un colloque international qui a rassemblé à l'université de Toulouse —Jean Jaurès les 1 et 2 octobre 2015 des spécialistes d'histoire, d'histoire de l'art et de littérature, ce livre est l'exploration inattendue d'un aspect de la création artistique souvent minimisée.

Penser le "petit" de l'Antiquité au premier XXe siècle - Approches textuelles et pratiques de la miniaturisation artistique

La figure de l'homme sauvage est un archétype de l'imaginaire universel et n'a cessé d'être revisitée et renouvelée par l'iconographie et la littérature de tous les temps. Mais quels sont les termes que les textes ou les didascalies utilisent pour se référer à l'imaginaire de l'homme sauvage ? Quel langage visuel en a construit l'image ? Et à quoi le reconnaît-on ? A son aspect physique ? A ses actions ? A son (manque de) langage ? Comment évolue cette figure à travers l'espace et le temps et quelle est la finalité de son (r)emploi ? Peut-on parler encore, enfin, à l'époque post-industrielle, de l'existence d'un homme sauvage et, si oui, à quel imaginaire renvoie-t-il ? Les contributions ici réunies visent à cerner et à définir le motif de l'homme sauvage, ainsi qu'à retracer l'histoire et la complexité de sa représentation, dans une perspective résolument diachronique et transdisciplinaire, afin de comprendre les modalités de construction et d'utilisation d'une figure perçue comme une émanation des origines ou des confins du monde ou un retour à un espace inexploité, capable d'éveiller un sentiment de continuité existentielle entre l'homme et la nature. De la Préhistoire à l'Age contemporain, l'homme sauvage pose à l'homme civilisé la question de sa nature et des limites de son acculturation et lui renvoie, par le miroir de la représentation, l'image de ce qu'il n'est pas ou une vérité ontologique à assimiler.

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