En février 1924, l'édition européenne de l'American Review proclame : " Paris : Capital of America " pour souligner la très forte concentration d'artistes américains séjournant dans la capitale française,
et pour insister sur l'influence croissante de la culture américaine. Dans ce Paris de l'entre-deux-guerres, les artistes américains côtoient l'avant-garde internationale et, dans ce nouveau contexte, affirment ou réaffirment une identité artistique, à la fois moderne et américaine. A travers une somptueuse sélection d'œuvres américaines réalisées à Paris - peintures, sculptures, assemblages, photographies - associées,
en contrepoint, à quelques œuvres d'artistes européens, cet ouvrage permet de traverser la riche et complexe période de l'entre-deux-guerres,
et de ses mouvements d'avant-garde : purisme, abstraction géométrique, surréalisme et portraits des personnalités de la modernité. De Stuart Davis à Man Ray, de Lee Miller à Alexander Calder, d'Isamu Noguchi à Berenice Abbott ou Charles Demuth, la créativité débordante d'un monde en marge, international à une époque nationaliste, abstrait à une époque de retour aux valeurs de la figuration, fascine encore le présent.

Paris, capitale de l'Amérique - L'avant-garde américaine à Paris, 1918-1939

Magie lumineuse des plaisirs et de la fête, magie noire des foules menaçantes : pour de nombreux
artistes, la ville est magique. Familière et pourtant étrange, elle fascine et inquiète. Lieu de la
modernité et de la création artistique, la ville n’est plus un simple décor. Dès la fin du XIXe siècle, la ville, perçue comme lieu de tous les possibles, tous les plaisirs, et toutes les innovations, devient chez certains artistes le personnage principal de quelque conte fantastique. Après la Première Guerre mondiale, le phénomène se généralise et la ville moderne génère plusieurs mythes successifs, de New York à Paris, en passant par Berlin.
Pendant quatre décennies, des artistes de tous horizons proposent leur vision de la métropole, tour à
tour fascinante, étrange ou menaçante. Une inquiétante étrangeté hante les oeuvres de Giorgio De
Chirico, René Magritte, Paul Delvaux, Edward Hopper, Georgia O’Keeffe, Victor Brauner, George
Grosz, Anton Räderscheit, Carel Willink, Pyke Koch… et de la fine fleur de l’avant-garde
photographique et cinématographique internationale (Brassaï, Ilse Bing, Louis Faurer, Heins Hajek-
Halke, Raoul Hausmann, Lucien Hervé, André Kertész, Umbo… ainsi que René Clair, Howard
Hawks, Fritz Lang, Walther Ruttmann, Charles Sheeler et Paul Strand, Dziga Vertov…).

La ville magique

A l'occasion de l'exposition Hypnose, l'artiste américain Tony Oursler (né en 1957 aux Etats-Unis, vit et travaille à New-York) investit le cadre exceptionnel de la Chapelle de l'Oratoire avec une installation spécifique. Cette installation, oeuvre-scénographie occupant tout l'espace de la Chapelle de l'Oratoire constituera un écho contemporain à la partie historique de l'exposition, en mobilisant les techniques privilégiées par l'artiste : la vidéo et les projections animant des supports construits (mannequins, etc.). Il réalisera également plusieurs saynètes autour de l'hypnose et son histoire, qui seront projetées dans la Chapelle et sur les dispositifs, pour transformer l'espace et transporter le visiteur hors du temps, dans un véritable état hypnotique.

Tony Oursler - State_NonState (Hypnose)

Adolf Wölfli Univers

L'histoire du costume et de sa représentation au siècle des Lumières est autant l'illustration réelle d'une culture matérielle qu'une création de l'imaginaire. Au 18e siècle, la naissance de la mode est d'abord celle de nouveaux métiers et d'une presse spécialisée, et constitue le signe d'une transformation accélérée de la société. Le style français, porté à la fois par l'aristocratie et la haute bourgeoisie urbaine, s'impose dans toutes les cours et les villes d'Europe. Pour la première fois, la confrontation d'oeuvres picturales avec des costumes du 18e siècle permettra d'explorer une nouvelle mise en scène du corps, entre l'exigence sociale et les caprices du goût. L'exposition réunit près de 200 objets du 18e siècle, issus des grands musées textiles (Musée de la Mode de la Ville de Paris, Musée des tissus de Lyon, Musée de la toile de Jouy, Musée de la Chemiserie et de l'Elégance Masculine) et de beaux-arts (Nationalmuseum de Stockholm, Rijksmuseum d'Amsterdam, Victoria and Albert Museum de Londres, Versailles, Louvre, Ecouen, Nantes, Dijon, Tours, Orléans. .). Des tableaux emblématiques (La Duchesse de Polignac d'Elisabeth Louise Vigée Le Brun et La Marchande de modes de François Boucher, Nationalmuseum de Stockholm) côtoieront textiles précieux dessins inédits, vêtements et accessoires, dont certains spécialement restaurés pour l'exposition. Le parcours de l'exposition se déploie en quatre univers distincts, comme autant de facettes qui explorent le lien entre les peintres et la fabrique de la mode. Le premier chapitre de l'exposition s'attache à démontrer l'accélération des phénomènes de mode, autant en peinture que dans le vêtement, dans un jeu de compétition entre les élites dirigeantes et les classes montantes. Le deuxième chapitre met en scène les peintres comme acteurs de la "fabrique de la mode" , ils se révèlent les vrais ancêtres des couturiers et créateurs de mode : de fait, ils inventent silhouettes, motifs textiles, décors d'accessoires, d'objets de poche et de toilette, tout en réalisant les dessins pour la presse spécialisée. Le troisième chapitre, "Fantaisies d'artistes" , explore les liens entre des mondes picturaux imaginaires - fêtes galantes de Watteau et Lancret, pastorales enchantées de François Boucher - et des vêtements devenus iconiques grâce à eux. Enfin la dernière partie, "Pour une histoire du négligé-déshabillé" , porte un regard inédit sur la vogue grandissante du négligé dans le vestiaire masculin et féminin, de la robe de chambre à la robe empire, des voiles des vestales au déshabillé antique. Elle met en lumière l'évolution d'une nouvelle silhouette féminine, qui s'allonge et se simplifie jusqu'au monochrome blanc. Avec A la mode, le Musée d'arts de Nantes et le Musée des beaux-arts de Dijon, en partenariat avec le Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris, confirment leur volonté d'associer une véritable exigence scientifique sur un sujet peu exploré dans les expositions sur le 18e siècle, à une ouverture sur un large public.

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