Ce livre documente la reconstitution scrupuleuse, au sein du MAMCO Genève, d'un appartement de la rue Beaubourg entre 1975 et 1992, appartenant au collectionneur Ghislain Mollet-Viéville. Avec des oeuvres de Victor Burgin, Dan Flavin, Donald Judd, Carl Andre, Claude Rutault, Art & Language, John McCracken et Lawrence Weiner, la collection d'art minimaliste de Mollet-Viéville, et son installation dans son appartement, ont défini une approche radicale de la collection et ont joué un rôle important dans la diffusion du travail de l'art minimaliste et conceptuel en France.

The apartment

L'œuvre de Pascal Pinaud se construit par strates superposées de séries produites de façon simultanée. Un système à la fois ludique et déroutant, rigoureux et laborieux est ainsi enrichi au fil du temps, avec des techniques et des matériaux très variés. Les repères et les conventions établies au sein des sphères de l'art et de l'artisanat sont brouillés, dans une liberté de références dépourvue de toute hiérarchie. L'incertitude qui est donnée à voir fonctionne comme une nouvelle ouverture, à la fois absolument critique (la remise en question perpétuelle) et absolument libre (la prise en compte de tout ou n'importe quoi, sans a priori). The work of Pascal Pinaud builds itsetf up with stacked up loyers of simultaneously produced series. The system, both playful and disconcerting, rigorous and laborious, grows therefore in time, intensifying the variety of the techniques and materials used. The reference marks and the conventions established
for art and handicraffs are mixed up, and the referential system finds itsetf freed from all hierarchy. The uncertainty which is then offered to the viewer functions as a new break, towards a sphere of both absolute criticism (everything has to be questionedl, and absolute freedom (everything has to be observed and thought of, without any a priori).

Pascal Pinaud - En vert et contre tout 2003-2005

Une étude novatrice de l'oeuvre de l'artiste belge, dont la pratique filmique et photographique profondément originale est livrée tout autant aux ultimes développements techniques actuels qu'aux ombres projetées - aux théâtres d'ombres - fondatrices de l'histoire des arts.
Apparu sur la scène internationale à la fin des années 1990, le travail de David Claerbout n'a cessé, depuis, de manifester sa singularité - de l'approfondir et de l'étendre. Essentiellement composé de films, mais aussi de photographies et de dessins, cet univers, façonné par une relation au temps qui transforme celui-ci en quelque chose de l'espace, est aussi une oeuvre au noir : nuit, clair-obscur, ombres multiples et insistantes en font un monde de projections en grisaille, de ténèbres à explorer, autant de formes inventées pour mettre à l'épreuve les limites de notre perception.
C'est ce que s'attache à montrer cet ouvrage qui suit la logique ombreuse - et ténébreuse -, jusqu'à présent jamais relevée par la critique, structurant nombre de films à la durée et à la lenteur minérales, mais aussi nombre de photos « invisibles » de David Claerbout. Par ce biais, celui-ci affirme encore davantage la profonde originalité de sa pratique livrée tout autant aux ultimes développements techniques aujourd'hui disponibles pour créer qu'aux ombres projetées - aux théâtres d'ombres - fondatrices de l'histoire des arts. Des pièces d'ombre donc pour faire une image actuelle intimement proche de ses ancêtres autrement dit pour inventer une contemporanéité sans âge.
Le travail de l'artiste belge David Claerbout (né en 1969) est marqué par une réflexion sur le temps, considéré comme médium artistique. Inspiré par la phénoménologie et par les écrits de Gilles Deleuze sur l'image et le cinéma, il a développé une sorte de « photographie en mouvement » qui lui permet d'introduire des éléments narratifs dans l'image.
Entre image fixe et image en mouvement, entre photographie et techniques numériques, les oeuvres de Claerbout sont exigeantes, difficiles à « consommer » : en attendant que « quelque chose se passe », le spectateur accepte une expérience de la durée qui produit à la fois les conditions et le désir d'une réflexion sur les rapports entre la narration, l'image et ses supports technologiques.

Shadow pieces (David Claerbout)

En 1961, Bernar Venet effectue une performance où on le voit couché sur un tas de détritus, réalisant ainsi sa première action revendiquée. Suivront Déchet (1961), Collages noirs (1961), Reliefs cartons (1963-1965), Tas de charbon (1963), Tubes (1966), Équations (1966), Triangle V2 (1966), Calcul de la diagonale du carré (1966-2010), Diagonale (1973). Puis viennent les sculptures, Arcs, Effondrements, Lignes indéterminées, Lignes droites, Diagonales, Lignes obliques, Reliefs muraux. Cet ouvrage s'attache à réunir de manière quasi exhaustive l'ensemble des sculptures monumentales de l'artiste. L'essai d'Erik Verhagen analyse la contribution de Bernar Venet aux grands questionnements sur l'art et la sculpture de notre temps. Thierry Davila quant à lui poursuit son étude sur l'horizontalité en art depuis Marcel Duchamp et la " bassesse ", de la fin du XXe au début du XXIe siècle, concept dans lequel il inclut, parmi Robert Morris, Carl Andre, Francis Alÿs entre autres, Bernar Venet : " Le premier janvier 1996, au Muy, dans le sud de la France, Venet réalise sa performance Accident Piece, qui consiste en une trentaine de barres métalliques appuyées sur le mur que l'artiste fait tomber au sol à l'aide d'un chariot élévateur. Le résultat est un amas de lignes qui jonchent le sol. "

Bernar Venet sculpture

Présentée quasiment en continu depuis l'ouverture du MAMCO au public, l'oeuvre de Franz Erhard Walther y occupe une place singulière. Celle-ci est structurée par l'Ensemble d'oeuvres no 1 (1. Werksatz), soit 58 objets en tissu cousu et activables, dont l'impact historique est unique sur la scène de l'art depuis les années 1960. Cet ouvrage s'attache à l'étude systématique et détaillée de ce corpus à travers une ample analyse d'Erik Verhagen. Elle est complétée par un historique, rédigé par Thierry Davila, de la présentation de l'oeuvre de Franz Erhard Walther au MAMCO. Au total, cette publication est l'une des toutes premières, disponible en français, à être consacrée à une figure majeure de l'art actuel.

Franz Erhard Walther

ce livre part d'un constat: une partie de l'art actuel accorde au déplacement un rôle majeur dans l'invention des oeuvres.
 en ce sens elle ne fait que participer de l'histoire générale de l'art dans laquelle la figure de l'homme qui marche est essentielle.  la façon cependant dont cette question est aujourd'hui traitée par les artistes est suffisamment singulière pour mériter une analyse à part entière.  c'est ce à quoi s'applique cet ouvrage qui n'est pas un panorama de la fonction plastique du nomadisme mais un choix opéré à partir de recherches contemporaines (essentiellement gabriel orozco, francis atys, le laboratoire stalker) exemplaires de cette question dont il met en évidence les règles et les mécanismes d'action.
 apparaît alors un univers oú le déplacement est non seulement le moyen d'une translation spatiale mais également un fait psychique, un outil de fiction ou encore l'autre nom de la production.  cette cinéplastique qui fait de la ville son théâtre d'opérations, ces déplacements aux multiples résonances tracent le visage d'un monde oú le réel est un processus.  c'est le côté " chinois " de ces artistes et de leurs oeuvres.

Marcher créer

Venet sculpture

Depuis le début des années 1980, Georges Didi-Huberman, philosophe et historien de l'art, enseignant à l'École des hautes études en sciences sociales (Paris), s'attache à penser le devenir des images, et plus généralement le travail des formes, avec des outils théoriques empruntés à des champs de recherche multiples (philosophie, anthropologie, histoire de l'art, psychanalyse...) et pour des périodes historiques très diverses (Renaissance, XIXe siècle, art moderne, art contemporain...). La fécondité de cette pensée, la richesse des propositions théoriques qu'elle a su inventer, en font aujourd'hui une référence majeure dans le champ de l'histoire et de la théorie de l'art.
Ce volume propose un ensemble de lectures de cet être-devant-les-images, en explorant sa tonalité essentiellement heuristique. Il montre combien, ici, l'art et l'histoire trouvent des outils capables de les faire travailler ensemble.

Devant les images - Penser l'art et l'histoire avec Georges Didi-Huberman

Présent au MAMCO depuis l'ouverture de l'institution au public, L'Appartement est un espace particulier dans le parcours du musée. Il s'agit de la reconstitution de l'appartement de Ghislain Mollet-Viéville situé à l'origine au 26 de la rue Beaubourg à Paris. Occupé et aménagé par ce dernier de 1975 à 1991, ce lieu de vie était aussi un lieu d'échanges et d'exposition d'oeuvres précisément choisies. L'art minimal et conceptuel y tenaient une place essentielle pas simplement à travers des oeuvres mais aussi comme forme de vie. Désormais partie intégrante de la collection du MAMCO, L'Appartement propose, entre autres, des pièces de Donald Judd, Carl Andre, Claude Rutault, Joseph Kosuth et André Cadere. Cet ouvrage en est la présentation détaillée à travers un essai de Patricia Falguières, un entretien avec Ghislain Mollet-Viéville et une étude de chaque oeuvre par Thierry Davila. Il montre aussi combien collectionner signifie inventer un type singulier de fréquentation de l'art.

L'appartement

Franz Erhard Walther (Fulda, 1939) est une figure majeure de l'art occidental. Il développe depuis les années 1950 un travail qui questionne le rôle du spectateur dans l'appréhension de l'oeuvre de même que le statut de cette dernière. Créateur du fameux 1-Werksatz (Ensemble d'oeuvres n° 1) qui se compose de 58 objets à activer, il a fait de la participation du public un des éléments moteurs de son art. Cet essai, le seul disponible en français sur cette question, s'attache à proposer une archéologie de son oeuvre à travers l'histoire des premières années de son parcours. Il analyse en particulier un dispositif créé par Walther lui-même, avec lequel ce dernier met en espace sa propre interprétation de son ensemble majeur, le Werksatz (1963-1969). L'usage de la forme devient ainsi et aussi une pensée de l'acte et en acte. Thierry Davila (né en 1963) a étudié la philosophie aux universités de Toulouse-le-Mirailet de Paris IV Sorbonne. Diplômé de l'Institut d'études politiques de Paris, il est docteur en histoire de l'art de l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales et a été directeur adjoint du musée Picasso d'Antibes, directeur par interim des musées d'Antibes de 1996 à 2001, responsable du département culturel du musée d'Art contemporain de Bordeaux de 2001 à 2007 et conservateur au Mamco de 2008 à 2022. Il collabore régulièrement à Art Press, aux Cahiers du musée national d'Art moderne, à Critique d'art. Il est l'auteur de nombreux ouvrages sur l'art contemporain (L'Art médecine (en collaboration avec Maurice Fréchuret), RMN, 1999 ; Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l'art de la fin du XXe siècle, Editions du Regard, 2002 et 2010 ; In extremis. Essais sur l'art et ses déterritorialisations depuis 1960, La Lettre volée, 2009 ; De l'inframince. Brève histoire de l'imperceptible de Marcel Duchamp à nos jours, Editions du Regard, 2010 et 2019) ; Uniques. Cahiers écrits, dessinés, inimprimés (en collaboration avec Jacques Berchtold, Nicolas Ducimetière et Christophe Imperiali), Flammarion, 2018. Thierry Davila est l'éditeur, avec Pierre Sauvanet, aux Presses du réel, du recueil Devant les images - Penser l'art et l'histoire avec Georges Didi-Huberman.

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