A l'origine du mouvement néo-grec, l'oeuvre de Vien est l'un des jalons essentiels de la naissance du néoclassicisme français. Cette étude analyse l'aura de celui qui fut le maître de David, dans l'art de la fin du XVIIIe siècle et de l'Empire.

Joseph-Marie Vien : Peintre du Roi (1716-1809)

Versailles: De la résidence royale au Musée historique, la galerie des batailles dans le Musée historique de Louis-Philippe

Cet ouvrage réunit un choix exceptionnel de scènes de la vie quotidienne, réelles ou imaginaires, qui nous renvoie une image sans cesse renouvelée des différentes facettes de la société parisienne sous l'Ancien Régime. En réunissant sous un thème unificateur des artistes aussi divers que Watteau, Chardin, Boucher, Greuze et Fragonard, ce beau livre nous permet de poser un regard neuf sur les liens qui les unissent. Ces œuvres regroupées pour la première fois susciteront une conscience nouvelle et une vision élargie de l'importance de la peinture de genre dans l'évolution de la peinture française au XVIIe siècle. Au XVIIIe siècle, l'Académie attribuait une place moins importante à la peinture de genre, ce qui n'empêcha pas les sujets empruntés à la vie quotidienne de séduire certains des artistes les plus originaux et les plus doués de l'Ancien Régime. Les historiens de l'art ont souvent souligné la vitalité des genres mineurs, certains affirmant même que les genres les plus valorisés en peinture, soit les sujets tirés de la mythologie, de la Bible et de l'histoire nationale, n'avaient pas su inspirer aux peintres un œuvre aussi attachant et d'une aussi belle et constante qualité. Le fait que tous les artistes peintres aient reçu leur formation à l'Académie ou aient été contraints de s'y faire admettre mène à un paradoxe : les meilleurs fruits produits par les préceptes et l'apprentissage académiques pourraient se retrouver dans les catégories qui ont été le plus décriées par le système hiérarchique en vigueur au XVIIIe siècle. Bien que Watteau, Oudry, Chardin et Fragonard fussent tenus en haute estime en leur temps, et le soient encore de nos jours (Greuze, pour sa part, fut tour à tour encensé et éreinté par la critique), ils ne suscitèrent en général qu'un intérêt monographique en histoire de l'art ou dans les expositions. De plus, les exégètes situèrent rarement dans ce contexte élargi les peintres d'histoire ayant aussi signé des chefs-d'œuvre de la peinture de genre. Nous pensons ici à Boucher, mais également à Jean-François de Troy, Carle Van Loo et Noël Hallé. Quant aux peintres qui s'étaient cantonnés dans les tableaux de genre, comme Lancret et Boilly, ils n'ont droit que depuis peu à une relecture savante.

Au temps de Watteau, Chardin et Fragonard - Chefs-d'oeuvre de la peinture de genre en France au XVIIIe siècle

L'image du roi n'est pas une simple illustration ou mise en scène, car elle incarne le pouvoir, le corps de l'Etat. On y trouve une dimension à la fois esthétique, culturelle et politique. On y participe à un rituel d'échange. Le roi nous contemple alors que son image nous surveille. Mais cette image n'est pas uniquement la trace visible de l'autorité, elle est aussi un lieu de séduction où se tisse un rapport affectif et cultuel entre le peuple et le souverain, entre le peintre et son modèle. Qu'elle soit fastueuse dans son éloge ou impitoyable dans sa caricature, l'image du roi ne cesse jamais d'être à la recherche d'un modèle de perfection esthétique, éthique et politique. Les études présentées ici conduisent à des analyses croisées, tour à tour historiques, artistiques et économiques. Elles couvrent les XVe, XVIe et XVIIe siècles, époque où se construit l'État moderne. Dans une perspective européenne elles nous mènent de Versailles à Lérida, de Milan à Amsterdam et de Madrid à Vienne, et éclairent les figures de nombreux souverains, de Louis XII à Louis XIV, de Charles Quint à Philippe IV sans oublier François Ier ou Catherine de Médicis.

L'image du roi de François Ier à Louis XIV

Le culte des grands hommes - 1750-1850

Ce sont les mots de la préface de Pierre Nora qui le mieux caractérisent toute la singularité de cette anthologie de textes de Thomas Gaehtgens : "homme du passage, et même d'un double passage : entre l'art et l'histoire d'une part - comme l'indique le titre qu'il a donné à ce recueil d'essais -, entre l'Allemagne et la France d'autre part. Et le mélange des deux fait de lui le type même de l'Européen, si l'on veut bien considérer que le couple franco-allemand est le noyau de l'Europe et que l'histoire de l'art est, par vocation, sans frontières. Le premier trait, Thomas Gaehtgens le partage avec toute sa génération, qui est aussi la mienne ; le second n'est qu'à lui, et il donne à sa personne et à son oeuvre une place toute particulière. Ce n'est pas l'analyse iconologique et la signification de l'image qui le retient, comme Erwin Panofsky, ou les sources iconographiques de l'historien, comme Francis Haskell ; c'est, en profondeur, le type de relations qu'ont entretenu les artistes avec l'histoire, la manière dont ils la vivent, l'interprètent et la représentent. Et il met pour le décrire à travers les tableaux une érudition vivante qui fait de la plupart de ses essais de véritables petites nouvelles".

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