Bagatelle, impromptu, burlesque, capriccio, invention, intermezzo..., la liste des genres musicaux relevant de l'esthétique de la miniature est étendue. Pourtant, la multiplicité des "stratégies du bref", analysées dans cet ouvrage, peut être observée au prisme d'une histoire plus large et jusque dans des domaines a priori inséparables de la longue durée (comme l'opéra) ou d'un développement improvisé (comme le jazz). Si la notion de forme brève en musique suggère d'abord la limitation du format d'une partition ou l'abrègement d'une durée d'écoute, la brièveté doit aussi se concevoir en relation avec une exigence de concision et la recherche d'une densité maximale de l'expression. Fréquent objet de procès et de polémiques aux XIXe et XXe siècles en raison de la permanence d'une pensée classique de l'entièreté et de la "grande forme" attachée à toute "grande" oeuvre, la brièveté musicale peut aussi refléter des contingences historiques ou des considérations politiques, sociales, économiques ou technologiques. Elle s'enrichit enfin, à l'instar des nombreuses modalités d'enchâssement et de mise en série des formes brèves littéraires à l'intérieur d'un texte, par le dialogue incessant qu'elle instaure avec la longue durée dans les cycles, recueils ou albums enregistrés. Telles sont quelques-unes des questions abordées au fil des dix-huit contributions de ce volume qui s'attache tant aux stratégies de production qu'aux modalités de réception de la brièveté en musique. Construit en quatre parties respectant un plan chronologique du XVe siècle à la période contemporaine, l'ouvrage propose le croisement des regards et des stratégies analytiques et s'intéresse tant aux miniaturistes incontestés que sont Schumann, Schönberg et Webern, qu'à des compositeurs moins connus ou en devenir pour lesquels la forme brève a pu constituer, parfois plus ponctuellement, une échappatoire ou un défi lancé aux systèmes dominants.

Musique et formes brèves

Des opéras-cramiques de Nicolas Isouard au violon de Didier Lockwood en passant par Wagner et Maderna, ce volume regroupe des études consacrées à la musique allemande, américaine, française et italienne du XVIIIe au XXe siècle. Selon des méthodologies historiques, sociologiques, esthétiques et analytiques, les auteurs proposent de revisiter l'oeuvre et la carrière de compositeurs connus comme Beethoven. Berlioz, Enesco. Liszt, Massenet, Saint-Saëns, Satie, Wagner et le Groupe des Six. Des figures moins connues comme le critique musical Albert de Lasalle, le maître de chapelle Julien Martin et la soprano Henriette Méric-Lalande font également l'objet d'études détaillées. Baudelaire, Cocteau, Zola, Madame de titan E. T. A. Hoffmann, Hülclerlin, Hanslick, Fantin-Latour et Alberto Savinio offrent l'occasion de traiter les liens entre musique, beaux-arts, esthétique et littérature. Sont également abordés le fait religieux, l'espace social de la musique et l'histoire des concerts par l'étude des sociétés musicales à Paris sous l'Occupation, la presse musicale à la fin du XVIIIe siècle, l'utopie acoustique de la salle Barthélemy et la représentation iconographique du public au XIXe siècle. Cette pluralité d'analyses et de répertoires, où s'affirme cependant nettement la préoccupation d'une histoire sociale de la musique, est conçue comme le reflet des centres d'intérêt, des travaux et de l'enseignement du musicologue Guy Gosselin, professeur émérite à l'université de Tours, auquel est dédié ce volume.

Musique, enjeu de société - Autour de Guy Gosselin

La première oeuvre - Arts et musique (XVe-XXIe siècle)

Miles Davis - Tutu

Le projet "Histoire du Jazz en France", a réuni pendant trois années un grand nombre de chercheurs, dans et hors l'université, en France et à l'étranger. Plusieurs rencontres ont permis de confronter les points de vue et de préciser ce que pourrait être une histoire générale du jazz en France. Ce premier volume réunit les plus significatifs des travaux issus de ces débats. Quatre champs complémentaires se sont dégagés. Le premier est chronologique : les années 1920, particulièrement fécondes pour la réflexion. Qu'il s'agisse de l'effet d'étrangeté provoqué par l'orchestre militaire de James Reese Europe, de la danse, du rôle de "Bricktop" sur la scène parisienne, du lien au jazz d'un écrivain comme Pierre Mac Orlan ou des relations à la France de l'orchestre anglais le plus célèbre de l'époque, celui de Jack Hylton, cette décennie apparaît bien comme celle de toutes les naissances, d'un intense foisonnement créé par l'irruption du nouveau-né. Médiateurs et médiations ensuite : le jazz ne s'est pas seulement imposé par ses musiciens mais par tous ceux qui l'ont fait connaître. Outre des réflexions sur la nature de ces médiations et sur les rapports du jazz et de la philosophie, on retrouve la radio sous l'Occupation et l'action d'Hugues Panassié, Charles Delaunay, Boris Vian ou Sim Copans. La musique et les musiciens ne sont pas pour autant oubliés. Django Reinhardt, André Hodeir, Bernard Peiffer, Barney Wilen, Michel Petrucciani, Martial Solal en premier lieu, mais aussi les grandes formations de l'après-Deuxième Guerre mondiale. Les régions enfin : la France ne se réduit pas à Paris, même si la capitale attire la lumière avec un naturel toujours renouvelé. La tâche est ardue, tant les traces sont rares, les sources réduites. Elle est ici abordée pour la Bourgogne, la région lilloise et Marseille. Premier volume de la collection "Jazz en France", cet ouvrage se propose de poser des jalons, d'ouvrir des pistes nombreuses pour une histoire plus vaste, encore à écrire.

La catastrophe apprivoisée - Regards sur le jazz en France

John Coltrane : l'oeuvre et son empreinte

Chants libres est la première étude historique et musicologique du jazz créé en France dans le sillage du free jazz américain. La période 1960-1970 est pourtant cruciale puisqu'elle a vu s'épanouir une génération de musiciens qui clament haut et fort leur désir d'autonomie. L'auteur s'emploie à retracer le contexte intellectuel et artistique qui a permis la pénétration et l'implantation en Europe d'une nouvelle esthétique musicale. La parole est ensuite abondamment donnée aux musiciens qui, à l'image de François Tusques, Jean-Louis Chautemps, Michel Portal ou Jacques Thollot, entendent jouer leur propre musique sans renier les influences d'Omette Coleman ou d'Albert Ayler. Une série de portraits campe les principaux créateurs de cette mouvance libertaire du jazz, depuis le pionnier français Jef Gilson jusqu'aux collectifs apparus au tournant des années soixante-dix (DHARMA, COHELMEC, PERCEPTION...). Il n'est pas question de l'émergence d'un style, mais plutôt d'une pluralité de sensibilités, de techniques, de matériaux et d'univers sonores fondés sur le geste, le jeu, l'interaction. Le livre de Vincent Cotro éclaire l'oeuvre de musiciens passionnés et exigeants, trop tôt enfouis sous les décombres de l'histoire du jazz. En prenant le parti d'une analyse musicale rigoureuse (nombreuses transcriptions), il permet de comprendre l'apport de cette période sur le jazz et la musique improvisée européenne d'aujourd'hui. Une documentation importante reconstitue l'histoire du free jazz en France par les événements marquants qui la jalonnent (concerts, festivals, activités associative et discographique, place de la critique).

Ses oeuvres

Ses derniers livres