Comment aborder ou construire une image sonore à partir d'un matériau tout à fait inconnu ? Quelles décisions doivent être prises par l'interprète pour parvenir à la découverte de cette image ? Pour tenter de répondre à cette question, cet ouvrage s'appuie sur une série d'entretiens menée auprès de pianistes renommés (Claude Helffer, Roy Howat, Ursula Oppens, Ian Pace, Anne Piret) responsables de la création d'oeuvres d'Elliott Carter, de Claude Debussy, d'André Riotte et d'Iannis Xenakis. Le discours des pianistes est illustré par des exemples musicaux, faisant la liaison entre le visible — la partition en tant que point de départ et point de repère — et l'invisible — la musique transmise par les compositeurs aux interprètes. Ils révèlent à la fois l'individualité de leurs choix et des similarités parfois surprenantes : la combinaison de plusieurs méthodes analytiques fondées sur une approche non conventionnelle ; la présence implicite du geste, capital pour l'élaboration du discours musical en concert ; l'ouverture d'esprit ; l'envie de découvrir la musique composée autour d'eux ; la disponibilité pour la présenter au public. Ces caractéristiques étant observables de tous temps, une mise en perspective est proposée avec le début du XXe siècle, la presse de l'époque témoignant des changements importants du langage musical, mais aussi des critères d'écoute et de goût : en mettant en parallèle les réactions et pratiques des XXe et XXIe siècles face à l'inconnu, l'auteur révèle des constantes guidant le lecteur dans son immersion au coeur d'un vaste univers sonore encore inexploré.

Face à l'inconnu, les pianistes et la musique de leurs temps - Analyse, interprétation et créations

Depuis le début du XIXe et surtout au XXe siècle, les échanges musicaux entre la France et le Brésil ont connu un développement ponctué par des coups de coeur : des compositeurs, des styles, des rythmes ont laissé des empreintes profondes de part et d'autre. Les auteurs explorent les composantes de la "brésilité" et de l'ouverture au monde de l'autre côté de l'Atlantique à l'aune des influences et confluences réciproques et sous plusieurs angles : historiques, éducatifs, cognitifs.

Rythmes brésiliens - Musique, philosophie, histoire, société

"Villa-Lobos affirma que "le Brésil a la forme d'un coeur. Tous les Brésiliens ont ce coeur. La musique passe d'une âme à l'autre, les oiseaux communiquent entre eux par la musique, ils ont, eux aussi, un coeur". [... Et] la France possède elle aussi un coeur latin, exactement comme celui des Brésiliens" conclue Ricardo Tacuchian dans sa préface. Et effectivement, depuis le début du 'axe siècle et surtout au XXe siècle, les échanges musicaux entre la France et le Brésil ont connu un développement ponctué par des coups de coeur : des compositeurs, des styles, des rythmes ont laissé des empreintes profondes de part et d'autre. Les auteurs explorent les composantes de la "brésilité" et de l'ouverture au monde de l'autre côté de l'Atlantique, en musique et en danse - tant le rythme y est un facteur marquant, à l'aune des influences et confluences réciproques et sous plusieurs angles : aspects historiques, éducatifs, cognitifs. Les textes présentés dans cet ouvrage résultent de conférences et séminaires organisés à la Sorbonne en 2013 et 2014 par le Groupe de Recherche Musiques Brésiliennes (GRMB) de l'université Paris-Sorbonne. Ils représentent un jalon de plus dans la collaboration entre le Brésil et la France dans le domaine de la musicologie, offrant un panorama riche et varié de cet univers musical.

A travers le temps et l'espace, les idées n'ont pas manqué pour noter les éléments guidant des performances musicales ou scéniques (airs, chorégraphies, spectacles, etc.), afin de les initier ou de les perpétuer, pour les apprenants ou les interprètes, parles maîtres ou les créateurs. Que peut-on noter des sons, des gestes, des postures, des mouvements, des rythmes ? Comment noter une impulsion à donner, un effet à produire ? La visée de la notation est-elle d'être un aide-mémoire ou une explicitation détaillée ? Peut-elle n'être que suggestive ou doit-elle être prescriptive ? Quels types de signes a-t-on préféré ? Les façons de noter, et le sentiment de l'essentiel en vue de l'interprétation, varient selon les arts et les cultures ; les mettre en partage, c'est aussi permettre de comprendre quels signes — codifiés différemment ici ou là — servent de base à la transmission, l'apprentissage, la performance pour les interprètes / créateurs / théoriciens, d'apprécier en connaisseur les réalisations dans un art et/ou une culture autres que les siens et d'y retrouver des fondamentaux communs. L'ouvrage Du signe à la performance. La notation, une pensée en mouvement a pour objectif de lever un coin du voile — sans tout dévoiler — afin de clarifier les orientations prises, les méthodes retenues, les signes mis en oeuvre pour guider une performance. Il peut s'agir tout autant de la pré-tracer (création) que de la retracer (aide-mémoire, transmission), d'en restituer le mouvement (geste-tablature, geste dansé, geste en scène) que son résultat (positions, postures), sous la forme d'un simple schéma (en lien avec l'expérience empirique, l'improvisation), d'un canevas/grille ou encore de programmes de plus en plus élaborés (notations prescriptives, nouvelles technologies) ; y sont notées l'action menée ou à mener, la figure créée ou à créer, voire l'idée sous-jacente. Vingt-six articles sont ici regroupés selon huit rubriques qui témoignent, en un premier panorama interculturel qui ne prétend pas à l'exhaustivité, de la richesse de cette problématique, en inventivité comme en diversité.

Du signe à la performance - La notation, une pensée en mouvement

À travers le temps et l'espace, les idées n'ont pas manqué pour noter les éléments guidant des performances musicales ou scéniques (airs, chorégraphies, spectacles, etc.), afin de les initier ou de les perpétuer, pour les apprenants ou les interprètes, par les maîtres ou les créateurs. Que peut-on noter des sons, des gestes, des postures, des mouvements, des rythmes ? Les façons de noter et le sentiment de l'essentiel en vue de l'interprétation varient selon les arts et les cultures. Les mettre en partage, c'est aussi permettre de comprendre quels signes servent de base à la transmission et d'apprécier en connaisseur les réalisations dans un art et/ou une culture autres que les siens.

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