Bridget Riley - Past into present

Trois volumes sous coffret qui explorent les travaux préparatoires réalisés par Bridget Riley tout au long de sa vie. A travers ces archives de l'artiste, on retrouve ses inspirations, sa philosophie et ses études de mouvements, de couleurs, d'échelles... Cet ouvrage rassemble des oeuvres issues de collections publiques et privées et s'accompagne d'une biographie de l'artiste.

Bridget Riley Studies - Volume 1

Ne?e en 1931 a` Londres, Bridget Riley a de?veloppe? depuis les anne?es 1960 une ouvre abstraite fonde?e sur l'exploration me?thodique des effets optiques de la couleur et de la forme et est conside?re?e comme l'une des principales repre?sentantes de l'Op art. Ce recueil rassemble l'ensemble de ses textes et traite notamment de son rapport a` l'histoire de l'art.

L'Esprit de l'oeil

Nee en 1931 a Londres, Bridget Riley a developpe depuis les annees 1960 une oeuvre abstraite fondee sur l'exploration methodique des effets optiques de la couleur et de la forme et est consideree comme l'une des principales representantes de l'Op art. Ce recueil rassemble l'ensemble de ses textes et traite notamment de son rapport a l'histoire de l'art.

Bridget Riley, L'Esprit de l'oeil

Née en 1931 à Londres, Bridget Riley développe une oeuvre abstraite fondée sur l'exploration méthodique des effets optiques de la couleur et de la forme.
Ses écrits, encore inédits en français, seront publiés à l'occasion de la première grande rétrospective que le Musée d'Art moderne de la Ville de Paris lui consacre en  juin 2008.

L'esprit de l'oeil

Bridget Riley, née le 24 avril 1931 à Londres, en Angleterre, dans le quartier de Norwood, est une artiste peintre britannique . Son œuvre, basée sur des formes géométriques et des effets d'optique, s'inscrit dans le mouvement Op Art.

L'œil peut voyager sur la surface d'une manière parallèle à la façon dont il se déplace sur la nature. Il devrait se sentir caressé et apaisé, ressentir des frictions et des ruptures, glisser et dériver. Un instant, il n'y aura rien à regarder et la prochaine seconde, la toile semble se remplir, être bondée d'événements visuels.

Dans mes peintures précédentes, je voulais que l'espace entre le plan d'image et le spectateur soit actif.

Les échecs d'un artiste sont aussi précieux que ses succès: en mal juger une chose, il conforme à quelque chose d'autre, même si à l'époque, il ne sait pas ce que quelque chose d'autre est.

Les premiers travaux d'un artiste sont inévitablement constitués d'un mélange de tendances et d'intérêts, dont certains sont compatibles et dont certains sont en conflit.

Ce n'est qu'après que je sois sorti de l'école d'art que j'ai copié un petit Seurat, et je l'ai copié pour suivre sa pensée, parce que si vous copiez un artiste, et vous avez un sentiment étroit pour lui, en fait Que vous devez en savoir plus sur son travail, il n'y a pas de meilleur moyen que de copier, car vous vous rapprochez vraiment de la façon dont quelqu'un pense.

Les peintres ont toujours eu besoin d'une sorte de voile sur lequel ils peuvent concentrer leur attention. C'est comme si plus la conscience était pleinement absorbée, plus la liberté de l'Esprit est grande.

Il est important que la peinture puisse être habitée, afin que l'œil de l'esprit, ou l'esprit de l'œil, puisse se déplacer de manière crédible.

Je travaille avec la nature, bien que dans des termes complètement nouveaux.

Pour moi, la nature n'est pas un paysage, mais le dynamisme des forces visuelles, un événement plutôt qu'une apparence. Ces forces ne peuvent être abordées qu'en traitant la couleur et la forme comme des identités ultimes, les libérant de tous les rôles descriptifs ou fonctionnels.

J'ai appris de SEURAT cette chose importante à propos de la couleur et de la lumière, que «une lumière» peut être construite à partir de couleur. J'ai beaucoup appris sur l'interaction, que «un bleu» dans différentes parties jouera toutes sortes de rôles différents.

Je pense que ce manque de centre a quelque chose à voir avec la perte de certifications que le christianisme avait à offrir.

Je pense que ce manque de centre a quelque chose à voir avec la perte de certifications que le christianisme avait à offrir

Je travaille à deux niveaux. J'occupe mon esprit conscient avec des choses à faire, des lignes à tracer, des mouvements à organiser, des rythmes à inventer. En fait, je me tiens occupé. Mais cela permet à d'autres choses de se produire que je ne contrôle pas ... plus j'exerce mon esprit conscient, plus les autres choses peuvent trouver qu'ils peuvent passer.

Je ne fais jamais d'études de la nature. Ils gêneraient le chemin. J'utilise mon esprit.

En tant que peintre aujourd'hui, vous devez travailler sans cette plate-forme essentielle. Mais si l'on ne se trompe pas et que l'on accepte ce manque de certitude, d'autres choses peuvent entrer en jeu.

La peinture est, je pense, inévitablement une activité archaïque et qui dépend des valeurs spirituelles.

Il fut un temps où les significations étaient concentrées et la réalité pouvait être fixée; Lorsque ce genre de croyance a disparu, les choses sont devenues incertaines et ouvertes à l'interprétation.

J'avais l'habitude de construire la sensation, accumulant la tension jusqu'à ce qu'elle publie une expérience perceptuelle.

Si vous pouvez permettre à la couleur de respirer, d'occuper son propre espace, de jouer son propre jeu à sa manière instable, c'est un comportement gratuit, pour ainsi dire. C'est promiscuité comme rien.

Le mot «paradoxe» a toujours eu une sorte de magie pour moi, et je pense que mes images ont une qualité paradoxale, un paradoxe de chaos et de l'ordre en un.

En général, mes peintures sont multifocales. Vous ne pouvez pas l'appeler de l'espace flou, mais ne pas être fixé à un seul objectif est vraiment de notre temps.

Les peintres ont toujours eu besoin d'une sorte de voile sur lequel ils peuvent concentrer leur attention. C'est comme si plus la conscience était pleinement absorbée, plus la liberté de l'Esprit derrière

Pour moi, la nature n'est pas un paysage, mais le dynamisme des forces visuelles.

Je ne pouvais pas m'approcher de ce que je voulais en voyant, en reconnaissant et en recréant, alors j'ai résisté au problème. J'ai commencé à étudier les carrés, les rectangles, les triangles et les sensations qu'ils en donnent, c'est faux que mon travail dépend de toute impulsion littéraire ou a une intention illustrative. Les marques sur la toile sont des agents uniques et essentiels dans une série de relations qui forment la structure de la peinture.

https://fr.wikipedia.org/wiki/Bridget_Riley

Ses oeuvres

Ses derniers livres